Арт стиль: Интернет-магазин «Art Style»

Салон красоты АртСтиль ArtStyle м.Молодёжная ул. Ярцевская д.1

Будьте всегда обаятельной и привлекательной вместе с салоном красоты Арт Стиль. Опытные руки и творческий взгляд мастеров салона красоты «АртСтиль» поможет Вам сделать выбор без лишней траты времени и разочарований.

Наш салон красоты открыл свои двери в мае 2006 года. Мы собрали под одной крышей настоящих Профессионалов своего дела с огромным опытом работы. Специалисты салона имеют профессиональное образование, регулярно повышают квалификацию, полны идей и готовы удовлетворить вкус самого взыскательного посетителя.

Мы выбираем лучшие продукты из линеек известных и новых брендов, и предлагаем Вам наиболее эффективные уходы за кожей и волосами.

Салон красоты «Арт Стиль» всегда заботиться о своих клиентах и предоставляет им индивидуальную систему скидок, а также в салоне постоянно проводятся акции, праздничные события.

Наша команда

Наш коллектив

	Татьяна администратор салона красоты «АртСтиль»
	Елена администратор салона красоты «АртСтиль»
	Наталья администратор салона красоты «АртСтиль»
	Садовникова Светлана мастер ногтевого сервиса Обучение: Учебный центр «AllaBella» (маникюр,педикюр,акриловые технологии) 2009г Участник конкурса «Московские берега» 2009г Повышение квалификации: «АllaBella»( китайская роспись) 2010г Учебный центр MASURA (гелевые технологии) 2010г Высшая школа педикюра «Пластэк» 2011г Учебный центр MASURA (японский маникюр) 2013г
	Юрий Володин Массажист Опыт работы- 25 лет
	Немцева Ольга косметолог-эстетист Обучение: Московский институт красоты «Салонная косметика» 2005г Российский косметологический центр «Профессионал» 2005г Международный учебный центр «Школа» 2007г Учебный центр «Астрея» 2005г ПЭК «Галатея» 2007г Учебный центр «Скин Лайт» 2010г Учебный центр «Мезо реал» (Триум Трейд) 2012г Учебный центр «Велнесс спа»-2013г Участник конференции «Азбука инъекционной коррекции возрастных изменений» -2016г. Повышение квалификации «Dermatime» химические пилинги- 2017г. Повышение квалификации «MESOPROFF»- 2018г. Обучающий центр Mediderma-Sesderma — курсы космецевтики- 2019г.
	Андреева Наталья косметолог-эстетист Обучение: Государственное образовательное учреждение ВМУ — медицинская сестра 2008г. Повышение квалификации: Центр современной косметологии 2012г. Учебный центр «Астрея» 2012г Образовательный центр Натальи Панариной (скульптурный массаж) 2016г. Образовательный центр Натальи Панариной (миофасциальный массаж) 2017г. Учебный центр «Biomed» 2018г Академия Образования «Elia Grazia»2018-2019г Учебный центр «INTECO cosmetiecs»-2019г Обучающий центр «GIGI» И «BCmed» (химические пилинги)2019г.
	Тата Карти Художник по макияжу Московский Клуб визажистов «Форум».
	Гурин Ирина Парикмахер-модельер-стилист Обучение: Народный университет экономических наук курсы переподготовки и подготовки кадров по направлению парикмахер-модельер-стилист 1996г. Повышение квалификации: Учебный центр «Мадонна» 2006г. Европа hair studio (наращивание волос) 2008г Школа-тренинг «DIKSON STUDIO» 2009г. Учебный центр CHOCO HAIR REPAIR TREATMENT-технологии восстановления и выпрямления волос-2013г. Школа-тренинг «MATRIX» 2017г Школа «LA BIOSTHETIQUE «(колорист) 2019г Академия «Matrix»(Современные техники окрашивания.) 2019г. Академия «Matrix»(Идеальная блондинка.) 2019г. Учебный центр «БубиКопф» авторский курс Арины Грибовой- основы трихологии и материаловедения.2020г. Учебный центр «БубиКопф»авторский курс Арины Грибовой-секреты практического орашивания и основы колористики.2020г.
	Оксана Семина парикмахер-стилист Обучение: Парикмахерский коледж 1996 г Повышение квалификации: Студия ASK(Шварцкопф) — стилист -2005 г Школа-тренинг «DIKSON STUDIO» -2005 г Курсы Hair Company -2005 г Cеминар Компания z.one concept -2006 г Обучающие семинары Goldwell -2007 г Курсы Руслана Татьянина ( вечерние прически) -2007 г Обучающие семинары Hipertin Professional -2008 г Тренинг-центр Paul Mitchell -2009 г Обучающая студия «ALFAPARF» -2010 г Обучающая студия «Lebel » -2012 г Школа ICONFACE (стилист по вечерним прическам и локонам CLOUD NINE)-2015 г
	Людмила Хлопенкова парикмахер-стилист Обучение: Учебный центр «Метода» PIVOT POINT (парикмахер-стилист) 2012г. Школа «Passaro» Испания (стрижки) 2012г. Повышение квалификации: Международная студия «Wella» (колорист) Уч. центр «Loreal professionnel» Школа мастерства «Эдуарда Тришкина» Академия парикмахерского искусства «Долорес» 2013г. Уч. центр «La Biosthetique» (колорист) 2013г. Школа профессионального сервиса ООО»Руссвел» (стилист-колорист)2014г. Академия «Matrix» 2015г. Уч. центр «Tandem» Lebel 2016 г. Школа «LA BIOSTHETIQUE «(колорист) 2018г
	Ирина Самарина парикмахер-универсал-стилист Опыт работы 20 лет. Обучение: Коледж парикмахерского искуства №67 1999г. Повышение квалификации : Школа-тренинг «AUTHENTICA» 2005г ТРЕНИНГ VISIONARY STYLING 2009г. Школа TONI&GUY EDUCATIO -класссическая стрижка 2010г. БЭС ПРОФЕССИОНАЛ-мезотерапия для волос 2010г. SASSON AKADEMY (ЛОНДОН)2011г. PAULMITCHELL -полный курс обучения 2011г. Школа стилистов «Персона»-Совершенство формы и цвета. 2013г. БЭС ПРОФЕССИОНАЛ -трихология 2014г. Современнаятрансформация цвета LANZA Healing Hair Color 2015г. Уч. центр «Tandem» Lebel 2017 г. Школа «LA BIOSTHETIQUE «(колорист) 2018г Тренинг SHADES EQ REDKEN 2019г.

что такое оп-арт, полробная история направления в живописи, примеры картин с оптическими иллюзиями. Самые известные художники оп-арта

Оп-арт — это стиль и течение в изобразительном искусстве ХХ века, основанное на использовании абстрактных оптических иллюзий. В оп-арте, благодаря особенностям визуального восприятия нарисованных фигур, зритель видит иллюзорную картину. На глазах человека плоские изображения удивительным образом превращаются в оригинальные объемные композиции с эффектами движения и причудливой деформации.

Оп-арт (от английского optical art), в отличие от большинства прочих течений в живописи, воздействует, в первую очередь, на разум, а не на эмоции зрителя. Рассматривая картину, человек решает сложную головоломку, его мозг пытается соединить разрозненные фигуры в единый образ.

История оп-арта

История оп-арта берет свое начало с исследований ученых в сфере особенностей человеческого зрения. В 1889 году профессор Томпсон (Thompson) опубликовал статью в научном журнале об оптических иллюзиях, в которой с помощью нарисованных черно-белых концентрических кругов наглядно продемонстрировал эффекты движения визуальных образов.

В искусстве попытки создания оптических иллюзий часто предпринимали представители разных авангардистских течений:

Огромное влияние на формирование оп-арта оказали идеи художественного объединения Баухаус.

Основоположник нового течения Виктор Вазарели (Victor Vasarely) в конце 20-х годов прошлого столетия окончил в немецком городе Дессау Высшую школу строительства и художественного конструирования Баухаус. Там он увлекся новаторскими архитектурными и дизайнерскими идеями, а позже много экспериментировал с иллюзорными образами.

В 1955 году Вазарели опубликовал «Жёлтый манифест», который стал программным документом нового течения. Тогда же в парижской галерее Дениз Рене (Denis Rene) состоялся первый показ работ художника.

Всемирного признания оп-арт добился на американской выставке «The Responsive Eye» в Нью-Йорке в 1965 году. На этом мероприятии публика восторженно приняла работы Вазарели, у него появились новые единомышленники.

С этого времени оп-арт становится неотъемлемой частью современного абстрактного искусства. Работы художников постоянно экспонируются на выставках, возникает множество творческих объединений приверженцев этого течения.

Интерес к оптическим иллюзиям не пропадает и в наши дни. Идеи оп-арта не только успешно развиваются в живописи, но и нередко используются в архитектурном дизайне. Оригинальные визуальные головоломки давно стали частью оформления интерьера современных офисов и домов мировых знаменитостей.

Известные художники оп-арта

Имена самых известных художников оп-арта хорошо знакомы ценителям современного искусства. Наибольшее влияние на формирование и развитие течения оказали:

• Виктор Вазарели. Французский художник венгерского происхождения. Долгое время экспериментировал с различными стилями: кубизмом, сюрреализмом, символизмом, футуризмом. В итоге, в конце 1940-х создал оп-арт и спустя 20 лет добился всемирной славы. Безоговорочно признается искусствоведами основоположником течения.
• Бриджит Райли (Bridget Riley). Английская художница, дизайнер и сценограф. Во время обучения в школе искусств увлекалась пуантилизмом, затем нашла себя в оп-арте. В творчестве отдает предпочтение созданию крупноформатных работ, много экспериментирует с оттенками разных цветов.
• Хесус Рафаэль Сото (Jesús Rafael Soto). Венесуэльский мастер живописи и скульптуры. Хорошо известен не только своими картинами, но и оригинальными трехмерными инсталляциями в стиле оп-арт. Автор большого числа оригинальных «Вибраций» — художественных композиций из качающихся прутьев.
• Джетулио Альвиани (Getulio Alviani). Итальянский мастер оптико-кинетического искусства. Широко использовал при создании своих работ хромированные полированные поверхности. Знаменит также написанием книги о Джозефе Альберсе — выдающемся теоретике искусства и дизайнере.
• Ричард Анушкевич (Richard Anuszkiewicz) — американский художник, сын польских эмигрантов. Помимо активной творческой деятельности многие годы преподавал теорию искусства в престижных университетах США.

Ценителям искусств из разных стран мира портал Very Important Lot дарит уникальную возможность принять участие в онлайн-аукционах и приобрести шедевры антиквариата. На сайте также можно купить картины, рисунки и скульптуры напрямую у современных художников.

Ар-деко или арт-деко? Гид по интерьерным терминам

Вы когда-нибудь задумывались, как правильно: ар-деко или арт-деко? А знаете ли вы, что такое фахверк и как возник поп-арт? Отвечая на эти и другие вопросы, мы собрали для вас подборку из интересных и полезных интерьерных терминов

Ар-деко

Стиль, чьё название вызывает так много споров, появился во Франции после Международной выставки декоративного искусства и промышленности в 1925 году. Ар-деко ознаменовал конец эпохи Первой мировой войны и начало нового эпизода в истории декоративного искусства. Эклектичный и эффектный, этот стиль покорил творческую элиту и стал модным в области архитектуры и дизайна. Его отличительная черта – смешение модернизма, неоклассицизма и даже футуризма и конструктивизма. Но этим ар-деко не ограничивается: постепенно в этот стиль вливались экзотические, восточные и исторические мотивы. В 20-х годах были сделаны многие интересные археологические открытия, например, гробница Тутанхамона – и это возродило увлечение европейцев культурой древности.

В ар-деко сочетаются кубизм, модернизм и даже экзотика – так что же объединяет этот стиль? Использование дорогих современных материалов, геометрические линии и изящный шик. Именно свобода мысли и размытые правила сделали этот стиль таким неповторимым и запоминающимся. Как воплотить ар-деко в интерьере? Выбирайте мебель на стыке модернизма и неоклассики, избегайте ярких цветов, используйте благородные металлы и этнические мотивы в декоре.

Так почему же правильно говорить ар-деко, а не арт-деко? Ответ прост: название стиля пришло в русский язык из французского, а там буква «т» не произносится.

Фахверк

Незнакомое название? Тем не менее, оно означает привычный дизайнерский приём – открытые балки в интерьере. Это направление возникло в архитектуре в XIV веке, и с тех пор к нему не раз возвращались. Вы наверняка видели такие дома, с выступающими наружу балками, в городах и деревнях северной Европы.

Сейчас фахверк стал самостоятельным интерьерным направлением. Чем он привлекает дизайнеров? Натуральными материалами, простотой и, конечно, оригинальным декоративным решением – выступающими балками. Их можно использовать при организации сценариев освещения, покрасить в контрастный цвет или оставить без дополнительного оформления.

Кому подойдёт фахверк? Во-первых, тем, кто живёт загородом – в квартире такой приём реализовать сложно. Во-вторых, тем, кто любит природные материалы и простоту отделки. Фахверк отлично впишется в кантри, бохо и может стать элементом интерьера в стиле лофт.

Ваби-саби

Как вы уже догадались, это течение в дизайне интерьеров пришло к нам из Японии. Ваби-саби – это и искусство, и способ понимания мира. Сторонники философии ваби-саби призывают отказаться от погони за новым и сосредоточиться на старых и проверенных временем вещах. Ищите красоту в несовершенстве: в чашке со сколами, в пожелтевшей фотографии, в потёртой мебели.

С японского ваби-саби переводится по-разному, одно из наиболее частых толкований – «скромная красота». Основные принципы этого направления: простота, функциональность и несовершенство. Посмотрите на окружающий мир и полюбите его таким, какой он есть, со всеми недостатками – в этом заключается дух ваби-саби.

Как создать интерьер в духе ваби-саби? Всё достаточно просто. Начните с расхламления и избавьтесь от всего лишнего. После этого наполните свой дом милыми сердцу предметами. Если вам захочется добавить в обстановку мебель или декор, сначала поищите среди старых вещей. Если ничего не нашли, то попробуйте создать нужное своими руками – даже если результат не будет похож на то, что вы видите на страницах модных интерьерных блогеров. С точки зрения ваби-саби, такая несовершенная вещь будет иметь гораздо большую ценность, чем то, что вы можете купить.

Разумеется, если вы не готовы делать мебель, посуду и декор своими руками, то заставлять себя не нужно. При выборе ориентируйтесь на простоту и скромность предметов, отдавайте предпочтение натуральным материалам и спокойной цветовой гамме.

Поп-арт

Полная противоположность ваби-саби – поп-арт. Этот стиль критиковали за излишнюю любовь к китчу и эксцентричности, называли вульгарным и потакающим прихотям общества потребления, но он всё же вдохновлял многих деятелей искусства. Поп-арт возник в конце 50-х годов прошлого века в США и Западной Европе. Он стал воплощением бунта против абстрактного экспрессионизма – его сюрреалистичности и беспредметности. Художники, скульпторы и декораторы, творившие в стиле поп-арт, использовали обычные предметы массовой культуры – и помещали их в необычный контекст, меняли размеры, в общем, ломали привычные представления о действительности.

Как создать интерьер в стиле поп-арт? Экспериментируйте. Попробуйте добавить красочные картины и постеры в качестве декора, используйте предметы необычной формы. Особенно хорошо будет смотреться игра контрастов: разместите в светлой комнате яркую мебель. Поп-арт не боится оригинальных сочетаний и нестандартных решений – ваша фантазия ничем не ограничена.

Вам также будет интересно:

5 правил стиля, которые работают в интерьере

Интерьер от Chanel: 5 приемов, которые вне времени

Кинфолк: стиль жизни

особенности стиля, фото – Rehouz

Бурные 60-е, яркие цвета, четкие геометрические формы, необычные фактуры, много глянца и пластика, газетные вытяжки и рекламные постеры на стенах, триптих Мерилин Монро, вазы из консервных банок, – первые ассоциации, возникающие при упоминании стиля поп-арт. Поп-арт рассматривает привычные вещи как произведения искусства, главной своей чертой провозгласив образы продуктов питания и потребления.

Поп-арт в интерьере

≡ Содержание:

Стиль поп-арт перекочевал в интерьеры квартир и домов из художественных галерей в 1950-х годах и явился своеобразным откликом на абстрактный экспрессионизм. Такой стиль применяется и сейчас, его можно использовать практически для любого помещения в квартире. Поп-арт подходит молодым активным людям, которые любят эпатажные решения и не боятся шокировать окружающих.

Материалы и отделка помещений

Для интерьера в стиле поп-арт характерны глянцевые поверхности и использование разных видов пластика. Этот стиль допускает применение как натуральных, так и синтетических материалов, за основу берутся пластмасса, металл, бумага, стекло, возможно – натуральная и искусственная кожа.

• Потолок должен быть светлым и глянцевым, он может быть как одноуровневым, так и многоуровневым, асимметричным; допустимы любые варианты – окрашенный, натяжной, подвесной.
• Стены можно красить, оклеивать обоями, покрывать декоративной штукатуркой. Органичны обои с оптической иллюзией, когда в зависимости от угла обзора рисунок или меняется, или исчезает.
• Для отделки пола подойдет глянцевый ламинат или ковролин. Пол в интерьере может быть сложным, допустима установка подиума.

Цветовые решения

В основе стиля поп-арт лежит использование ярких контрастных цветов при отделке помещения. Ключевые тона – черный, белый, синий и красный, допустимы также неоновые оттенки. Наиболее популярный вариант — однотонные поверхности с яркими акцентами, однако, нередко встречаются и сочетания несочетаемых цветов, органично смотрится и черно-белая гамма.

Поп-арт в интерьере гостиной

Стоит учитывать, что обилие красок быстро надоедает, поэтому желательно использовать в отделке поверхностей не более трех цветов, а яркими акцентами сделать мебель и аксессуары.

Обычно в поп-арт интерьере основную смысловую нагрузку несут стены. Традиционно используются два варианта оформления: стены белого или холодного серого цвета как фон для разных цветных акцентов – картин, постеров, фотографий, или цветные – в этом случае приветствуются яркие контрастные сочетания, цвета могут плавно переходить друг в друга. Органично будут смотреться всевозможные узоры – полосы, горох, геометрические фигуры. На одной из стен можно применить технику цикличности композиции, когда один элемент или узор многократно повторяется.
Чтобы интерьер не выглядел перегруженным, пол и потолок должны быть нейтрального цвета. В качестве яркого акцента можно использовать ковер, соответствующий концепции – яркий, с четким геометрическим узором, или имитация звериной шкуры.

Мебель в стиле поп-арт

[ads_block]
Нельзя однозначно сказать, как должна выглядеть мебель в стиле поп арт. Главное – интересные формы и яркие краски. Это могут быть:

• дизайнерские стулья необычной формы;
• яркие журнальные столы;
• большие цветные диваны и кресла;
• кровать в форме сердца;
• разноцветные пластиковые полки и стеллажи;
• маленькие яркие пуфы;
• кресло в форме губ.

Материал для мебели может быть любым – пластик, дерево, стекло, приветствуются яркие обивочные ткани с рисунками.

Поп-арт в интерьере: декор и детали

Для декора интерьера в стиле поп арт незаменимы оригинальные скульптуры, постеры, фотографии знаменитостей в оригинальных рамках, затейливые стеклянные или пластиковые вазы. Приветствуются предметы, сделанные своими руками.

Граффити в интерьере поп-арт

Важными атрибутами интерьера в стиле поп-арт являются картины, выполненные в кислотной гамме. Сюжет может быть любым – от портрета любимого кота, написанного с искаженной цветопередачей, до стилизованных фото современных кинозвезд или кумиров прошлого. Как правило, такие полотна создаются с помощью фотопечати.

Создать уют в помещении поможет текстиль – яркие шторы, ковровые дорожки, покрывала или диванные подушки кислотных цветов или с яркими узорами, постельное белье с принтами.

Освещение

Помещение в стиле поп-арт предполагает наличие оптических и световых эффектов, создаваемых при помощи зеркал, глянцевых покрытий, неоновой подсветки. В интерьер прекрасно впишутся лампы с яркими глянцевыми плафонами, светодиоды и точечные светильники.

Поп-арт – это эпатажный стиль, который подходит экспериментаторам и фантазерам. Однако обращаясь к нему, важно понять, соответствует ли стиль состоянию души владельца помещения и насколько комфортно ему будет жить в таком буйстве цвета и аксессуаров. Лучше погружаться в атмосферу поп-арта поэтапно, оформляя не все помещения сразу, а одно за другим.

Поп-арт в интерьере — фото

+ Похожие стили:

≡ Полный список стилей интерьера с фото →

0 0 голоса

Рейтинг статьи

Art Стиль (Арт Стиль) салон красоты Минск, ул. Тургенева 7 – отзывы, адреса и телефоны

«Art Стиль» — это уютное пространство красоты и гармонии в суетливых буднях мегаполиса. Качественные процедуры, профессиональная косметика, индивидуальных подход, безупречный сервис — здесь каждый жест опытных специалистов наполнен особой любовью, заботой и вниманием к красоте своих клиентов. 

Услуги

В окружении современных и стильных интерьеров, доброжелательной и расслабляющей атмосферы, «Art Стиль» предлагает насладиться следующими услугами: 

• Парикмахерский зал (стрижки, укладки, все виды окрашивания, уходовые процедуры)
• Ногтевой сервис (маникюр/педикюр, покрытие, укрепление гелем, дизайны).
• Наращивание ногтей.
• Архитектура и коррекция бровей.
• Окрашивание ресниц. 

Процедуры доступны как для представительниц прекрасного пола, так и для сильной половины, а также юных гостей. 

В своей работе специалисты используют одноразовые расходные материалы, строго стерильные инструменты и профессиональные косметические средства от ведущих производителей. ⠀

Команда

Салон красоты «Art Стиль» по праву может гордиться своими специалистами, среди которых творческие, амбициозные и внимательные мастера, обладающие многолетним практическим опытом и истинной любовью к своему делу. Каждый из них непрерывно совершенствует свои профессиональные навыки, изучает современные техники и тенденции сферы красоты. Учитывая все особенности и личные предпочтения, специалисты создадут привлекательный образ, который идеально подчеркнет природную красоту и индивидуальность. 

⠀Преимущества

• Качественные услуги по доступным ценам.
• Стерильные инструменты и безопасное оборудование.
• Талантливые и квалифицированные мастера.
• Развитый сервис: Wi-Fi, согревающие напитки, сладости.
• Постоянные скидки, акции и специальные предложения. 

«Art Стиль» — Ваш стиль — наша работа!

Картины в стиле поп-арт: принципы стиля, тематика картин

В каталоге живописи Русской антикварной галереи можно купить поп – арт портрет. Это направление в искусстве и дизайне появилось в Англии в 60-е годы прошлого века и очень скоро стало популярным в США, других странах мира. Основоположником и активным популяризатором поп — арт стиля является художник Энди Уорхол.

Арт стиль гармонично вписался в так называемую «культуру потребления». Этот термин возник в США и характеризовал массовую культуру того времени. Критики неоднозначно отнеслись к появлению нового направления в искусстве. Противники поп — арта сравнивали его с фастфудом, подчеркивая стремление авторов сделать ставку на образы массовой культуры. Но, как показало время, именно это помогло pop-art завоевать расположение целевой аудитории. Среди поклонников стиля — люди разных возрастов и социальных групп. Достаточно купить картинки поп — арт, чтобы проникнуться особой эстетикой этого незаурядного направления!

Основные принципы стиля

Поп — арт был создан в противовес классическим направлениям в искусстве и абстракционизму. Принято считать, что академическое искусство, в отличие от массовой культуры, — это нечто возвышенное, сложное для понимания, далекое от обычной жизни. Недосягаемость придавала ему налет элитарности, доступной не всем.

Сторонники нового стиля, который в переводе означает «естественное искусство», взяли за основу обычные бытовые предметы. В противовес консервативной классике и абстрактной живописи эти вещи были простыми и понятными каждому человеку. Можно ли возвести в ранг произведения искусства баночку «Кока-колы», гамбургер, банан, писсуар или велосипедное колесо? В классической живописи, которая является частью «высокой» культуры, это вряд ли возможно. Но для бунтарского духа pop-art, бросающего вызов шаблонам, не существует никаких запретов! Любой предмет окружающего нас мира достоин стать объектом внимания художника и быть запечатленным в живописной выразительной манере!

Стремление купить поп — арт портрет обусловлено его особой экспрессией и удивительным колоритом. Художники, работающие в данном стиле, используют яркие, практически кислотные оттенки. Для рисунков характерно обилие деталей и интересных мелочей. Мастер изменяет масштабы и пропорции предметов, использует дублирование, создает необычные коллажи.

Многие специалисты проводят параллель между pop-art и дадаизмом. Арт стиль появился в 20 годы прошлого века во Франции. Новое течение отрицало ценности традиционного искусства и высмеивало его серьезность. Эта черта присуща и поп — арту, который стирает границы между «высокой» и «низкой» культурой, приближает искусство к реальной жизни.

Тематика композиций

К

Как уже было сказано, сторонники поп — арт не приемлют никаких запретов в выборе художественного объекта. Вы можете купить картины поп — арт портрет, с изображением еды и напитков, цветов, животных, техники, персонажей фильмов, комиксов и анимации.

Среди самых известных полотен в стиле pop-art – знаменитый «Диптих Мэрилин» художника Энди Уорхола. Работа посвящена знаменитой актрисе Мэрилин Монро. Рисунок выполнен на холсте и состоит из 50 одинаковых изображений портрета актрисы. В качестве образца художник использовал рекламное фото знаменитой блондинки. Половина изображений ярко окрашена, а вторая половина выполнена в черно-белом цвете и размыта. По мнение автора, такой подход отображает неоднозначный жизненный путь актрисы, которая переживала многочисленные взлеты и падения.

Желающим купить картинки поп — арт сложно обойти вниманием знаменитые «Сто банок с супом «Кэмпбелл». Это полотно Энди Уорхола является иконой стиля. В качестве художественного объекта автор выбрал популярный среди потребителей товар, который легко узнаваем и понятен.

Другом и соратником Энди Уорхола был нью-йоркский художник Рой Лихтенштейн. Он творил в стиле поп-арт и является автором картин «Электрический шнур», «Торпеда… Огонь!», «Спящая девушка». Эти полотна в разное время были проданы на аукционах «Кристис» и «Сотбис» за десятки миллионов долларов. В последний раз картина Лихтенштейна под названием «Медсестра» выставлялась на аукционе в 2015 году. Работа была продана более чем за 95 миллионов долларов.

Кроме Уорхола, известным представителем pop-art является Дэвид Хокни. Он известен своей работой под названием «Большой всплеск». На полотне площадью более шести квадратных метров изображен всплеск воды в бассейне. Прототипом для картины стала фотография, которую художник увидел в рекламном буклете. По словам автора, ему захотелось запечатлеть на холсте событие, которое длится всего пару секунд.

Ярким представителем американского поп-арта является Джаспер Джонс. На его картинах мы видим флаги, вывески, буквы и цифры. Работы этого художника хранятся в музеях и частных коллекциях.

Картины поп-арт в интерьере

Благодаря буйству красок рисунки в стиле pop-art популярны среди молодых людей, предпочитающих строгой академичности динамику и экспрессию. Можно купить картины поп-арт для украшения интерьера жилого помещения, заведения отдыха, общественного учреждения с непринужденной атмосферой. Такие полотна становятся ярким акцентом, являясь воплощением эстетики гламурного декорирования. Рисунки гармонично сочетаются с необычной авторской мебелью и предметами декора. Кислотные и неоновые оттенки добавят яркости любой обстановке!

Купить картины поп-арт мы рекомендуем тем, кто ищет необычный запоминающийся подарок. Тематика рисунка может быть абсолютно любой! В каталоге каждый найдет то изображение, которое перекликается с интересами и увлечениями получателя презента. На сайте Русской антикварной галереи представлены десятки полотен современных художников, работающих в стиле pop-art.

Купить картину в стиле поп-арт

Стиль живописи Поп-арт: развитие, мастера, произведения

Новое направление в искусстве появилось в середине ХХ века в Британии – Поп-арт  (англ. pop-art, сокращение от popular art), целью которого было, в отличие от других направлений, не духовное развитие общества, а лишь развлечение.

Поп-арт это одна из веток авангардизма. Произведения в новом стиле были своеобразной реакцией на серьезность беспредметного искусства и других стилей, появившихся в ХХ веке, и не несли в себе никакого  глубокого философского смысла, а всего лишь отражали влияние массовой культуры на общество потребления.

История развития Поп-арта

Поп-арт как художественное направление зародился в 50-х годах ХХ века в Англии, а в 60-х годах стиль получил своё дальнейшее развитие в США, Нью-Йорке. Основоположниками поп-арта стали художники Энди Уорхол и Джаспер Джонс.

В 1952 году в Лондоне открылось объединение художников поп-арта «Независимая группа», которой руководили художники Э. Паолоцци и Р. Гамильтон. Участники объединения изучали технологии создания современной рекламы и её влияние на сознание общества с помощью популярных образов — эмблем и логотипов товаров, изображений знаменитостей: актёров, певцов, телеведущих.

Художники поп-арта впервые продемонстрировали свой талант на выставке «Это — завтра», которая состоялась в Голливуде в 1956 году. На картинах были представлены звёзды Голливудского кино в кадрах из кинофильмов с увеличением. Выставка привлекла большое количество посетителей и вызвала явный интерес у многих выпускников школы искусств, которые решили примкнуть к этому течению.

Поп-арт был признан искусством социального равенства благодаря тому, что это направление эстетизировало товары массового потребления: упаковки из-под печенья и шоколадок, банки популярных газированных напитков — одним словом, предметов, которыми пользуются все люди, вне зависимости от материального положения и социального слоя.

Художники

Самые известные мастера поп-арта:

Кит Харинг — американский художник, скульптор и общественный деятель, автор известных карикатур. C детства увлекался комиксами, влияние этого увлечения сказалось на дальнейших работах художника. Известность пришла к Харингу после появления его работ по росписи на стенах Нью-Йоркского метрополитена в начале 80-х.

 

 

 

Дэвид Хокни – британский художник, один из основателей поп-арта, а так же один из лучших мастеров данного стиля.

 

 

 

Джаспер Джонс — американский художник, одна из ключевых фигур стиля поп-арт, автор большого количества авангардных работ с изображением флага США.

 

 

Рой Лихтенштейн – американский художник, знаменитый своими работами в стиле поп-арт, автор комиксов. Свои первые работы Рой создавал, используя картинки из мультфильмов и комиксов, при этом он применял технологию из промышленной печати.

 

 

 

Уэйн Тибо — американский художник, один из известнейших представителей стиля поп-арт, автор большого количества картин с изображением сладостей и игрушек.

 

 

Энди Уорхол (Andy Warhol) американский художник, по происхождению русин. Один из самых известных мастеров в истории поп-арта и современного искусства. Как и многие молодые художники, начинал он свою карьеру с оформления витрин магазинов. Одной из первых его работ было иллюстрирование журналов. Его рисунки отличались эксцентричностью и крайней необычностью исполнения.

 

 

 

Присущие особенности стилю поп-арт

В основе поп-арта лежит изображение популярного символа: портрета звезды кинематографа или эстрады, эмблемы или логотипа всем известного лакомства или напитка. Для поп-арта характерна техника в стиле коллажа, фотопечати, чередование разных текстур, яркие цвета, а также надписи в форме девиза или слогана, благодаря которым картина почти не отличается от рекламного плаката.

Критика и значение стиля в искусстве

Несмотря на интерес общества и большое количество приверженцев, находились искусствоведы, которые критиковали поп-арт. Знаменитый художественный критик Хилтон Крамер считал поп-арт слишком примитивным, прививающим вульгарность и безвкусицу обществу. По мнению критика, поп-арт — это не более чем обычная реклама, которую по ошибке назвали художественным направлением.

К его мнению присоединился критик С. Куница, который высказывал опасение в том, что поп-арт приведёт к формированию конформистского, бездуховного общества, которое не интересуется ничем, кроме ежедневного потребления товаров и услуг.

Сами представители поп-арта объясняли суть своего направления тем, что хотели вернуться к реальности, которая отсутствовала в произведениях художников-абстракционистов, и связать своё искусство с тем, что близко и понятно каждому современному человеку: кино, реклама, телевидение, индустрия товаров.

Со временем работы художников поп-арта оказали своё влияние на дизайн одежды и интерьера: некоторые работы были задействованы известными дизайнерами в качестве принта для одежды и декорирования помещений.

В одной из своих работ по аэрографии на холодильнике наши художнки использовали стиль поп-арт для воплощения в жизнь оригинальной и творческой задумки заказчиков

Что такое концептуальное искусство? (Развитие и эволюция)

Истоки концептуального искусства

Хотя концептуальное искусство было впервые определено в 1960-х годах, его происхождение восходит к 1917 году, когда Марсель Дюшан купил писсуар в магазине сантехника и представил его в виде скульптуры. на открытой выставке скульптур в Нью-Йорке, на которую он входил в отборочную комиссию. Жюри отклонило работу, посчитав ее аморальной и отказавшись принять ее как искусство. Вопрос Дюшана о границах искусства и его критика художественного истеблишмента проложили путь концептуальному искусству.

Марсель Дюшан, Фонтан, 1917. Фотография Альфреда Штиглица

Fluxus

В начале 1960-х годов термин «концепт-арт» уже использовался членами движения Fluxus, такими как Генри Флинт. Fluxus — это группа, в которую входили художники из Азии, Европы и США. Движение было направлено на создание открытого отношения к искусству, далекого от исключительности модернизма. Художники Fluxus были заинтересованы в расширении диапазона референций эстетики ко всему, от объекта до звука или действия.Среди известных художников Fluxus — Йоко Оно, которая активно участвовала в различных мероприятиях Fluxus как в Нью-Йорке, так и в ее родной Японии, и Джозеф Бойс в Германии. Хотя не всегда точно считается частью движения концептуального искусства, Fluxus, без сомнения, является одним из его влияний. Это была важная тенденция на той же волне, что и концептуализм, и его художники часто считаются концептуалистами.

черных картин Фрэнка Стеллы

В конце 1950-х — начале 1960-х годов Фрэнк Стелла создал серию черных картин , которая обозначила решающий момент разрыва между практиками модернизма и контрмодернизма.Эта серия работ приведет к появлению минимализма и концептуального искусства. Суть этих работ заключалась в том, чтобы буквально подчеркнуть и повторить форму холста, перенеся работу со стены в трехмерное пространство. Это была атака на модернизм, которая породила нечто совершенно антиформное. Произведение искусства превратилось в действия и идеи, и с этого момента казалось, что шлюзы открылись, и художники переместились на совершенно новую территорию. Модернизму действительно пришел конец.

Параграфов концептуализма Сола Левитта

Статья Сола Левитта 1967 года «Параграфы концептуального искусства» в Artforum была одним из самых важных произведений концептуализма. В статье концептуальное искусство представлено как новое авангардное движение. Фактически, термин «концептуальное искусство» появился в этой статье впервые. Начало статьи Левитта стало общим заявлением о концептуальном подходе: «В концептуальном искусстве идея или концепция являются наиболее важным аспектом работы.Когда художник использует концептуальную форму в искусстве, это означает, что все планирование и решения принимаются заранее, а исполнение — дело формальное. Идея превращается в машину, создающую искусство ».

F amous Художники концептуального искусства

Джозеф Кошут

Концептуальное искусство как четкое движение появилось в конце 1960-х годов. В 1967 году Джозеф Кошут организовал в Нью-Йорке выставки Nonanthropomorphic Art и Normal Art , на которых были представлены работы самого Кошута и Кристины Козлов.В своих записях, сопровождающих выставку, Кошут написал: «Настоящие произведения искусства — это идеи». В том же году он выставил свою серию под названием (Искусство как идея как идея). Эта серия работ состояла не из визуальных образов, а из слов, которые были в центре дебатов о статусе современного искусства — «значение», «объект», «репрезентация» и «теория» и другие.

Джозеф Кошут, Четыре цвета, четыре слова (синий, красный, желтый, зеленый), 1966. Фото любезно предоставлено Widewalls

Art & Language Group

Тем временем в Англии Art & Language Group исследовала последствия предложения большего и более сложные объекты как произведения искусства (примеры включают столб воздуха, Оксфордшир и французскую армию).Первое поколение Art & Language Group было сформировано Терри Аткинсоном, Майклом Болдуином, Дэвидом Бейнбриджем и Гарольдом Харреллом в 1966-67 годах. Позже группа также расширилась до США. В 1972 году они выпустили Art & Language Index 01 для Documenta V. Это была инсталляция, состоящая из группы из восьми картотек, содержащих 87 текстов из журнала Art-Language .

Шесть лет Люси Липпард

Книга Люси Липпард Шесть лет , охватывающая первые годы движения концептуального искусства (1966-1972), вышла в 1973 году.Учитывая запутанный и сложный характер концептуального искусства, американский художник Мел Бохнер осудил ее рассказ как запутанный и произвольный. Спустя годы Липпард будет утверждать, что большинство описаний концептуализма ошибочны и что нельзя доверять воспоминаниям о реальных событиях, связанных с развитием концептуального искусства, — даже самим художникам.

Концептуализм в Европе

Как указывалось ранее, концептуализм был важен не только в США и Англии, но также широко изучался и развивался в других частях мира, где работа часто была гораздо более политизированной.Во Франции примерно во время студенческих восстаний 1968 года Даниэль Бурен создавал искусство, которое должно было бросить вызов и критиковать институт. Его цель заключалась не в привлечении внимания к самим картинам, а к ожиданиям, создаваемым контекстом искусства, в котором они были помещены. В Италии Arte Povera возникло в 1967 году, сосредоточившись на создании искусства без ограничений традиционных практик и материалов.

Концептуализм в

Латинской Америке

В Латинской Америке художники предпочитали в своей работе более прямой политический отклик, чем концептуалисты в Северной Америке и Западной Европе.Бразильский художник Сильдо Мейрелеш повторно представил реди-мейд с его серией Insertions into Ideological Circuits (1969). Он вмешивался в объекты из систем обращения, такие как банкноты и бутылки из-под кока-колы, наклеивая на них политические сообщения и возвращая их в систему таким образом.

Концептуализм в

Советском Союзе

В Советском Союзе искусствовед Борис Гройс назвал группу российских художников, работавших в 1970-х годах, «московскими концептуалистами».Они смешали советский социалистический реализм с американской поп-музыкой и западным концептуализмом.

Современное концептуальное искусство и концептуализм

Концептуализм в современной практике часто называют современным концептуализмом. Современные концептуальные произведения часто используют междисциплинарные подходы и участие аудитории, а также критикуют институты, политические системы и структуры, а также иерархии. Художники, которые явно используют различные техники и стратегии, связанные с концептуальным искусством, включают Дженни Хольцер и ее использование языка, Шерри Левин и ее фотографическую критику оригинальности, Синди Шерман и ее игру с идентичностью, а также использование текста и фотографии Барбары Крюгер.

Деталь инсталляции Барбары Крюгер в Мельбурне

Когда мы исследовали сложную и обширную историю и современность концептуального искусства, на ум приходят несколько вещей. Одна из его самых сильных сторон заключалась в том, чтобы взять на себя ответственность по-настоящему исследовать природу искусства и институтов. Иногда это было искусство сопротивления господствующему порядку. В других случаях это было циничное зеркало мира искусства или глубоко философское начинание. Многие художники презирали, когда их помещали в коробку с концептуальным искусством, как они презирали, когда их помещали в любую коробку. Тем не менее, мы попытались провести определенные границы между различными художниками, событиями и системами мышления, которые какое-то время вращались по схожей орбите и которые можно лучше понять под эгидой концептуализма.

---

Часто задаваемые вопросы о концептуальном искусстве

Что означает концептуальное в искусстве?

Когда художник использует концептуальную форму искусства, это означает, что все планирование и аранжировки делаются заранее, а выполнение — более поверхностный процесс.В концептуальном искусстве процесс, стоящий за работой, более важен, чем готовое произведение искусства.

Каковы характеристики концептуального искусства?

Концептуальное искусство в основном сосредоточено на «идеях и целях», а не на «произведениях искусства» (картины, скульптуры и другие ценные предметы). Для него характерно использование различных носителей и опор, а также различных временных повседневных материалов и «готовых предметов».

Кто отец концептуального искусства?

Марсель Дюшан известен как основоположник концептуального искусства.Он наиболее известен своими готовыми работами, такими как Fountain , знаменитый писсуар, который он назвал искусством в 1917 году и который считается первым концептуальным произведением искусства в истории искусства.

Соответствующие источника, чтобы узнать больше

Подробнее о художественных движениях и стилях на протяжении истории здесь
Пьеро Манцони и его Merda d’Artista: Может ли дерьмо быть искусством и кто решает?
Узнайте больше о концептуализме до, во время и после концептуального искусства Терри Смита
Узнайте больше о концептуализме на сайте Tate Publishing

Направление искусства: модерн | Artland Magazine

Истоки модерна

В 1884 году термин «модерн» впервые появился в бельгийском художественном журнале «L’Art Moderne» для описания творчества Ле Винта, группы из 20 художников, посвятивших себя объединению искусства. все искусства.Под влиянием как движения искусств и ремесел Уильяма Морриса, так и движения эстетики, сторонники Les Vingt боролись с некачественной продукцией массового производства, порожденной промышленной революцией, и тяжелыми, загроможденными конструкциями искусства и архитектуры викторианской эпохи. Вместо этого они поощряли включение эстетического, функционального дизайна в предметы, архитектуру и дизайн повседневной жизни. Как объяснил английский дизайнер и бизнесмен Уильям Моррис, главные цели заключались в том, чтобы «доставить людям удовольствие от вещей, которые они вынуждены использовать по своей воле. доставлять людям удовольствие от вещей, которые они вынуждены делать, — вот еще одно его применение.
Тесно связанный с постимпрессионизмом и символизмом, ар-нуво также находился под сильным влиянием склонности к японскому искусству, которое распространилось среди европейских художников в 1880-х и 1890-х годах, в частности к гравюрам на дереве таких художников, как Хокусай. Эти принты содержали множество цветочных форм и изгибов органичной формы, которые стали ключевыми элементами стиля модерн.

Модерн во всех дисциплинах

Следуя идеалу Gesamtkunstwerk (буквально «полное произведение искусства»), миссия движения заключалась в достижении синтеза форм искусства, в результате дисциплины.Художники работали в этом стиле в изобразительном искусстве, графике и дизайне, архитектуре, мебели и дизайне интерьеров, стекле и ювелирных изделиях. Извилистые изгибы, высокий стиль, тонкая обработка стали и стекла, золотые элементы, органические формы и узоры характеризовали стиль.

Архитектура в стиле модерн

Извилистые линии стиля модерн проявились в архитектуре как реакция на традиционные ценности разума и ясности структуры. Впервые появившись в Брюсселе, этот стиль вскоре распространился по Европе, но особенно в Париже, где он предоставил ритмичную альтернативу строгим правилам, наложенным на здания Жоржа-Эжена Османа с двумерными или скульптурными украшениями.

Искусство из стекла в стиле модерн

Искусство из стекла в стиле модерн нашло одно из самых ярких проявлений. Дизайнеры стекла работали в сотрудничестве с известными мастерскими, в конечном итоге разработав передовые методы производства, такие как гравировка на камее, двойные слои и кислотная гравировка, чтобы создать желанные эффекты прозрачности и непрозрачности, а также волнистые формы, вдохновленные естественными формами. В то время как в Европе город Нанси стал одним из важнейших центров стекольной промышленности, мастерские Louis Comfort Tiffany сделали себе имя за границей с помощью экспериментальных техник окраски стекла и производства легендарной лампы Tiffany.

Ключевые ар-нуво художника Густав Климт, Поцелуй, 1907. Предоставлено галереей Бельведер, Вена

Густав Климт

Пожалуй, одним из первых художников, о которых все думают, когда упоминают модерн, является австрийский художник Густав Климт. Как первый президент Austrian Secession group, венской группы в стиле ар-нуво, которая объединила художников, дизайнеров и архитекторов, Климт работал над принципом Gesamtkunstwerk, сочетая красоту и практичность. Эротизм и сексуальность были важными элементами в творчестве Климта, элементами, которые пронизывали Вену в философии, психологии и искусстве примерно в 1900 году. Этот эротизм ярко просвечивает в самой культовой работе Климта, Поцелуй (1907), где двое влюбленных изображены страстно. объятие. Богатый золотой дизайн, уплощенная форма и чувственные изгибы являются образцами стиля модерн того времени.

Обри Бердслей, Кульминация, 1893. Предоставлено Музеем Виктории и Альберта

Обри Бердсли

Обри Бердсли был талантливым молодым английским художником, который никогда не получал формального образования.Благодаря смелому изображению провокационных эротических тем он стал одной из самых неоднозначных фигур движения модерн. Несмотря на его безвременную смерть в возрасте 25 лет, он создал большое количество важных произведений искусства, в том числе иллюстрации тушью для картины Оскара Уайльда «Саломе ». Кульминация (1893) изображает Саломею, целующую отрубленную голову Иоанна Крестителя, и наполнена эротической символикой.

Альфонс Муха, Жисмонда, 1894. Предоставлено Музеем Мухи

Альфонс Муха

Чешский художник Альфонс Муха был прежде всего известен своими коммерческими плакатами и рекламой.Он был заинтересован в изображении «новой женщины», воспевающем женственность, сексуальность и наделенных полномочиями женщин современной эпохи. Его плакат Gismonda (1894), сделанный по одноименной пьесе Викториана Сарду, стал эмблемой стиля модерн и вдохновил многих художников после него. Он также известен своими изображениями разных сезонов в образе женщин.

Ян Тороп, Delftsche Slaolie, 1893. Courtesy Rijksmuseum

Ян Тороп

Ян Тороп был голландско-индонезийским художником, работавшим в стилях символизма, пуантилизма и модерна.Его стилизованные фигуры и криволинейный дизайн символизируют художественное движение. В своем рекламном плакате «Делфтское масло для салатов» «Delftsche Slaolie» он без особых усилий объединил зарождающийся коммерческий мир рекламы потребительских товаров с изобразительным искусством, изобразив двух красивых, чувственных женщин в плавных изгибах и линиях, поливающих салат маслом. Этот влиятельный плакат является причиной того, что стиль голландского модерна часто называют «slaoliestijl», что означает «стиль салатного масла».

Анри де Тулуз-Лотрек, Джейн Аврил.Courtesy Met Museum

Анри де Тулуз-Лотрек

Анри де Тулуз-Лотрек можно отнести к стилям постимпрессионизма и модерна. Он был особенно известен своими литографиями, изображающими сцены богемной жизни в Париже. Он даже сделал серию плакатов для кабаре «Мулен Руж», которое он часто бывал.

Настольная лампа Tiffany Pond Lily, ок. 1903. Предоставлено Tiffany Lamps и Christies

Louis Comfort Tiffany

Louis Comfort Tiffany стало именем, наиболее ассоциирующимся с ар-нуво в Соединенных Штатах.Он был наследником Серебряной Империи Tiffany & Co., основанной его отцом в 1837 году. Тиффани начинал как художник, но стал наиболее известен своими декоративными работами, в частности изготовлением свинцового стекла. Tiffany произвела витражи с тонко окрашенными деталями, создав революционный декоративный стиль, который до сих пор является синонимом названия компании, и придумал универсальный термин «лампа Тиффани», который используется даже для похожих на внешний вид продуктов, созданных конкурирующими дизайнерами той же эпохи .

Антонио Гауди, Casa Battlo i Casanovas. Courtesy Casa Battlo i Casanovas

Антонио Гауди

Антони Гауди — один из самых известных архитекторов, связанных с модернизмом, каталонским вариантом архитектуры ар-нуво. Каталонский архитектор, наиболее известный благодаря собору Саграда Фамилия и Парку Гуэля в Барселоне, работал с обильными изгибами, яркими плавными формами и яркими цветами в своих зданиях.

Виктор Орта, Лестница в отеле Tassel, Брюссель. Courtesy Hotel Tassel

Victor Horta

Бельгиец Виктор Орта был одним из основоположников движения в стиле модерн и одним из людей, ответственных за расширение движения из визуального и декоративного искусства в область архитектуры.Он известен своим дизайном отеля Tassel (1894 г.) в Брюсселе, который считается первым зданием в стиле модерн.

Вход в парижское метро по проекту Гектора Гимара.

Наследие модерна

Примерно в период Первой мировой войны модерн подвергался критике за чрезмерно продуманную и роскошную отделку. Более того, интенсивное мастерство сделало его практически недоступным для массовой аудитории. Хотя движение не пережило Первую мировую войну, оно продолжало жить в различных движениях, появившихся позже, таких как ар-деко, модернизм и даже некоторые элементы Баухауса.Ар-нуво был определяющим визуальным языком короткого периода времени, и остатки этого прекрасного стиля все еще можно увидеть во многих городах по всему миру, например, в Париже, где входы в станции метро, ​​спроектированные Гектором Гимаром между 1890 и 1930 годы остаются в первоначальном стиле.

Поп-арт. Художники и произведения искусства

Энди Уорхол, Банки с супом Кэмпбелла, 1962. С любезного разрешения MoMA

«Поп-художники создавали изображения, которые любой, идущий по Бродвею, мог бы распознать за доли секунды — комиксы, столы для пикника, мужские брюки, знаменитости. , занавески для душа, холодильники, бутылки из-под кока-колы — все те великие современные вещи, которые абстрактные экспрессионисты так старались не замечать вообще. ”

Энди Уорхол

Определение поп-арта: что такое поп-арт?

Первое определение поп-арта было дано британским куратором Лоуренсом Аллоуэем, который в 1955 году изобрел термин «поп-арт» для описания новой формы искусства, характеризующейся образами потребительства, новых медиа и массового воспроизведения; Одним словом: популярная культура. Благодаря смелым, простым, повседневным изображениям и ярким цветам, поп-арт был одним из первых художественных движений, сокративших разрыв между коммерческим и изобразительным искусством.

Художники поп-арта черпали вдохновение из рекламы, журналов, рекламных щитов, фильмов, телевидения, комиксов и витрин для своих юмористических, остроумных и ироничных работ, которые можно рассматривать как праздник и как критику поп-культуры. Но как появился поп-арт, кто был ключевыми игроками и каковы их художественные цели?

Ключевые даты: 1955-1965
Ключевые регионы: Великобритания и США
Ключевые слова: Популярная культура, СМИ, консьюмеризм
Ключевые художники: Энди Уорхол, Рой Лохтенштейн, Роберт Раушенберг, Клас Ольденбург, Ричард Гамильтон, Дэвид Хокни

Дэвид Хокни, Мы всегда видим памятью.

Истоки поп-арта

Поп-арт, который обычно ассоциируется с Соединенными Штатами, рано нашел свое признание в Великобритании как критическое и ироничное отражение послевоенной потребительской культуры конца 1950-х годов.
Фактически, в 1952 году в Великобритании группа художников, писателей и критиков, которая впоследствии стала известна как «Независимая группа» — или просто «IG» — начала регулярно встречаться, движимая общим восприятием разрыва между искусство и жизнь того времени, чтобы обсудить новые теории и методы включения в художественную практику тех аспектов визуальной культуры, которые традиционно не были ее частью, но которые неизбежно стали элементами повседневной жизни, от упаковки продуктов до знаменитостей кино.

Коллективная выставка группы This Is Tomorrow, , проходившая в лондонской галерее Уайтчепел в 1956 году, стала ключевой отправной точкой для поп-арта и стала беспрецедентным примером интеграции искусства и современной жизни.

За границей, в те же годы поп-арт возник как реакция на доминирующее художественное направление, абстрактный экспрессионизм. Отвергая идею о том, что искусство — это индивидуальное выражение гения художника, поп-арт позволил художникам повторно ввести фрагменты реальности в искусство с помощью изображений и сочетаний повседневных предметов.
Джаспер Джонс и Роберт Раушенберг были одними из первых художников в Америке, которые уловили силу обычного, положив начало движению. Первые исследовали границы между искусством и повседневным миром, буквально включив обычные предметы в окрашенные холсты; последний представляет то, что он определил как «вещи, которые уже знает разум», набор повторяющихся концепций и популярных образов.

Ключевые идеи, лежащие в основе поп-арта

Английский поп-художник Ричард Гамильтон в 1957 году перечислил характеристики поп-арта: «Поп-арт — это популярный (рассчитанный на массовую аудиторию), временный (краткосрочное решение), Расходный (легко забываемый), Низкая стоимость, Массовое производство, Молодежный (нацеленный на молодежь), Остроумный, Сексуальный, Бесподобный, Гламурный, Большой бизнес.
Поп-арт, созданный из эстетики банальной его подписи, отражает времена массового производства и быстрых, банальных развлечений, а также исследует превращение славы в товар. Предметы повседневного обихода, такие как консервные банки Кэмпбелла и знаменитости поп-культуры, такие как Мэрилин Монро, были превращены в искусство и стали иконами движения.

Элементы множественности и воспроизводства — типичные для культуры массового производства — также отражены в художественных средствах и процессах: в то время как акриловые краски позволяли художникам создавать яркие плоские поверхности, техника трафаретной печати создавала ярко окрашенные изображения в виде повторяющихся узоров, разрушающих идея живописи как средства оригинальности.

Энди Уорхол и его коробки с брилло. Предоставлено HBO

British Pop Art v.s. Американский поп-арт

Хотя британский поп-арт в значительной степени вдохновлен американской поп-культурой, это было довольно игривое и ироничное исследование того, что представляют собой популярные американские образы и как они влияют на жизнь и образ жизни людей.
Для американских художников, с другой стороны, поп-арт означал возвращение к репрезентации: теперь царили резкие грани, четкие формы и узнаваемый сюжет, контрастируя с рыхлой абстракцией и символизмом абстрактных экспрессионистов.
Находясь под сильным влиянием практики коммерческого искусства, эти художники черпали вдохновение из того, что они видели и пережили непосредственно. Неудивительно, что многие начинали карьеру в коммерческом искусстве. Энди Уорхол был иллюстратором журналов и графическим дизайнером, Эд Руша был графическим дизайнером, а Джеймс Розенквист начинал как художник-билборд. Их опыт дал им отличный визуальный словарь массовой культуры, а также технические навыки, позволяющие легко переходить между высоким искусством и популярной культурой и объединять эти два мира.

Известные художники поп-арта

Среди ведущих британских художников поп-арта были сэр Питер Блейк (род. 1932), Патрик Колфилд (1936-2006), Ричард Гамильтон (род. 1922), Дэвид Хокни (род. 1937) и Аллен Джонс. (р. 1937).

Среди известных представителей поп-арта в американском искусстве были Роберт Раушенберг (1925–2008), Джаспер Джонс (род. 1930), Рой Лихтенштейн (1923–97) и Энди Уорхол (1928–87). Среди других американских представителей были Джим Дайн (род. 1935), Роберт Индиана (он же Джон Кларк) (р. 1928), Рэй Джонсон (1927-95), Алекс Кац (р.1927), Клас Ольденбург (р. 1929), Эд Руша (р. 1937), Джеймс Розенквист (р. 1933-2017) и Том Вессельманн (р. 1931).

Знаковые произведения поп-арта

Ричард Гамильтон, Что именно делает современные дома такими разными, такими привлекательными? , 1956 Ричард Гамильтон, «Что именно делает современные дома такими разными, такими привлекательными?», 1956. С любезного разрешения Phaidon

Коллаж Ричарда Гамильтона представляет пространство гостиной, наполненное объектами и идеями, которые, по словам Гамильтона, теснились. послевоенное сознание.Внимание зрителя привлекает фигура культуриста, держащего гигантский леденец с нацарапанным на нем словом «ПОП». Неудивительно, что этот коллаж часто называют первым образцом поп-арта.

Энди Уорхол, Мэрилин Диптих , 1962 Энди Уорхол, Мэрилин Диптих, 1962. С любезного разрешения Tate

Увлечение Уорхола популярной культурой и славой привело его к созданию большого количества экранных снимков с портретами знаменитостей и экспериментов с ними. вариации цветов и умножение.
Его Мэрилин Диптих содержит 50 изображений Мэрилин Монро, половина из которых окрашены в цвет, а другая половина — в черно-белые. Работа была завершена через несколько недель после смерти актрисы.

Рой Лихтенштейн, Whaam! , 1963 Рой Лихтенштейн, Whaam !, 1963. Предоставлено Tate

Whaam! Роя Лихтенштейна! — это большая картина на двух холстах, напоминающая полоску комиксов о взрыве ракеты в небе. Лихтенштейн был заинтересован в изображении крайне напряженных ситуаций в этой особенно отстраненной, расчетливой манере.

Кейт Харинг, Сияющий младенец , 1982 Кейт Харинг, Сияющий младенец, 1990. Предоставлено Тейт

В 1980-х годах в Нью-Йорке Кейт Харинг превратил метро в свою студию. Мелом он нанес свой фирменный рисунок на стены. Одним из них был его Radiant Baby , который для него был одним из самых чистых и положительных человеческих опытов. На протяжении многих лет он стал повторяющейся визуальной идиомой Харинга и теперь считается визитной карточкой художника.

Роберт Индиана, ЛЮБОВЬ , 1967 Роберт Индиана, Любовь, 1967. С любезного разрешения MoMA

Роберт Кларк родился в Индиане, Роберт Индиана получил имя своего родного штата, когда переехал в Нью-Йорк в 1954 году. вдохновенное восхищение силой обычных слов никогда не было более явным, чем в его работах LOVE . LOVE Индианы — одно из самых известных образов поп-арта. Первоначально он был задуман как рождественская открытка для Музея современного искусства в 1965 году.С тех пор LOVE приобрела форму гравюр, картин, скульптур, баннеров, колец, гобеленов и марок.

Прием критиков против публики

В то время как многие академики и критики были потрясены тем, как поп-артисты используют приземленные темы и их очевидно неизбирательное использование, поп-арта являются более образными и приземленными образами. обратился к широкой публике и вскоре стал одним из самых популярных стилей искусства, а также одним из первых проявлений постмодернизма.

Коллекционирование поп-арта

Поп-арт смог проникнуть в широкую публику так, как это сделали — или сделали с тех пор немногие направления современного искусства, — и коллекционерам это тоже нравится. Например, картина Джаспера Джонса «Фальстарт» (1959) была продана в 2006 году за 80 миллионов долларов: это 9-е место в списке самых дорогих произведений искусства в истории того времени. Работа Энди Уорхола «Зеленая автомобильная авария» (1963) (синтетический полимер, шелкография, акрил на полотне) была продана на Christie’s, Нью-Йорк, в 2007 году за 71 доллар.7 миллионов, что делает его 14-м произведением искусства по цене, когда-либо проданным в то время. Неплохо для произведения неброского искусства.

Клас Ольденбург, Спунбридж и Вишня, TK. Фото m01229, через Flickr.

Соответствующие источники, чтобы узнать больше

Подробнее о художественных движениях и стилях на протяжении истории здесь

Художественные движения: сюрреализм и художники-сюрреалисты

Сальвадор Дали, «Постоянство памяти», 1931. Фотография любезно предоставлена ​​MoMA

---

«Сюрреализм основан на убеждениях. во всемогуществе снов, в неуправляемой игре мысли.”- Андре Бретон

---

Определение сюрреализма: что такое сюрреализм?

Тающие часы Дали, фигуры Магритта, составленные из облаков, автопортрет Фриды Кало в виде охотящегося оленя… Это лишь некоторые из знакомых образов, которые приходят на ум, когда мы говорим о сюрреализме. Движение в искусстве, которое процветало в 1920-х годах под руководством Андре Бретона, отвергало деспотическую рациональность общества. Вместо этого последователи движения исследовали иррациональное и подсознательное мышление, которое они считали выше угнетающего рационального мышления.На Бретона также повлияли психоаналитические труды Зигмунда Фрейда, который утверждал, что бессознательный разум (который выражался, например, в сновидениях) был источником творчества. Художники-сюрреалисты использовали автоматический рисунок или письмо, чтобы высвободить идеи из своего подсознания, часто изображая элементы из своих пейзажей снов.

Ключевые даты: 1924 — 1966
Ключевые регионы: Париж, Нью-Йорк
Ключевые слова: сюрреалист, подсознание, иррациональность, автоматизм, мечты
Ключевые художники: Андре Бретон, Сальвадор Дали, Андре Массон, Рене Магритт, Жоан Миро, Ив Танги, Макс Эрнст, Фрида Кало, Диего Ривера, Мерет Оппенгейм, Жан Арп, Ман Рэй, Вифредо Лам

Ман Рэй, A l’Heure de l’Observatoire: les Amoureux, 1932-1934.Фото любезно предоставлено Art Basel

• Андре Бретон, «Яйцо в церкви или змея», дата неизвестна. Фото любезно предоставлено The Art Story
• Хуан Миро, Охотник (Каталонский пейзаж), 1924. Фото любезно предоставлено MoMA

---

«Сюрреализм: психический автоматизм в чистом виде, с помощью которого предлагается выразить устно, письменно или» каким-либо другим способом реальное функционирование мысли в отсутствие какого-либо контроля со стороны разума, освобожденное от каких-либо эстетических или моральных забот.”- Андре Бретон, Манифест сюрреализма

---

Истоки сюрреализма

Когда первые формы сюрреализма зародились в конце 1910-х годов, это было, по сути, литературное движение. В 1915 году молодой Андре Бретон уже хорошо разбирался в литературе, современном искусстве, анархизме и медицине. В Европе бушевала Первая мировая война, и он был назначен медсестрой в военный госпиталь Нанта. Ужасы войны произвели на Бретона глубокое впечатление, и здесь он написал свои первые стихи.Он также встретил двух мужчин, которые должны были стать его наставниками — Гийома Аполлинера и Жака Ваша. Оба были госпитализированы из-за ранений на войне. Аполлинер был французским авангардным поэтом, который ввел слово «сюрреалист» в свою пьесу, которая была поставлена ​​в 1917 году. Однако именно Андре Бретон действительно определил сюрреализм как художественное направление в своем сюрреалистическом манифесте 1924 года. Для него сюрреализм был «психическим автоматизмом в чистом виде, с помощью которого предлагается выразить, устно, письменно или любым другим способом, реальное функционирование мысли в отсутствие какого-либо контроля со стороны разума, освобожденного от любое эстетическое или моральное беспокойство.

Основываясь на своих новых убеждениях, Бретон открыл специальную галерею в Париже, Galerie Surréaliste , а также решил организовать серию коллективных выставок, начиная с первой в галерее Пьера Леба в 1925 году. На ней были представлены работы художников. как участники-сюрреалисты, так и другие, несколько родственные художники, такие как Пауль Клее, Пабло Пикассо, Ман Рэй и Марсель Дюшан, которых считали родственными сюрреалистическим художественным устремлениям из-за творческих и провокационных качеств их работ.По мере того, как слава и влияние сюрреализма росли на международном уровне, последовали и другие шоу.

Ключевые идеи, лежащие в основе сюрреализма

Хотя ранние поэты-сюрреалисты не решались заниматься художественным производством, поскольку, по их мнению, механический акт создания искусства — будь то рисование, живопись или скульптура — препятствовал спонтанному выражению бессознательного, Примерно в середине 1920-х годов главный теоретик сюрреализма Андре Бретон в своей основополагающей работе Surrealism and Painting пересмотрел потенциал изобразительного искусства как средства раскрытия силы психики и создания абсурдных образов, отчасти юмористических, а отчасти зловещих: проявление противоречий в повседневной жизни.Немногие другие художественные направления были столь же межсекторальными и всеобъемлющими, как сюрреализм. Не определенная каким-либо конкретным средством или стилем, она охватывала все дисциплины, способные проявлять сверхъестественную сторону реальности, от визуальных искусств до музыки, театра и кино. Вместо этого это повлекло за собой философский подход, поскольку, по словам художника Джойса Мансура, «Сюрреалистична не техника живописи, а художник и его видение жизни» .

Известные произведения сюрреалистов

Сальвадора Дали «Постоянство памяти» (1931)

Пожалуй, самое известное произведение Дали, «Постоянство памяти» , изображает часы, в противном случае твердые объекты становятся необъяснимо слабыми.Здесь время буквально изгибается, и существо, раскинувшееся в центре полотна, кажется одновременно тающим, спящим и умирающим. «Нарисованные вручную фотографии снов» Дали представляют его абсурдные видения и мечты в невероятно ощутимой и реалистичной манере.

Рене Магритт Предательство изображений (1928)

Реалистичная картина Магритта, изображающая простую деревянную трубку, стала одной из самых знаковых картин сюрреалистического движения. Под трубкой находится надпись «Ceci n’est pas un pipe» («Это не трубка»).Магритта вдохновляла метафизическая философия, предлагая зрителю парадокс. Видно трубку, но его слова противоречат этому непосредственному пониманию картины. Если это , а не труба, то что это? Магритт вдохновляет зрителя задуматься об отношениях между языком и повседневными предметами, а также об искусстве и реальности.

Рене Магритт, «Предательство изображений», 1928. Фотография любезно предоставлена ​​LACMA

Жоана Миро «Охотник» (Каталонский пейзаж) (1924)

«Охотник » Миро изображает сюрреалистический пейзаж, вдохновленный Каталонией, откуда родом его семья .Пейзаж пропитан странными треугольными формами, шарами и бесплотными формами людей и животных. Фактически, единственные действительно узнаваемые организмы на картине — это птицы. Формы и фигуры парят, плавают и, кажется, находятся в постоянном движении. На переднем плане написано слово «сард», сокращение от «Сардана», национального танца Каталонии. Сокращенное слово было вдохновлено фрагментированными словами поэзии дадаистов и сюрреалистов.

Картина Фриды Кало Раненый олень (1946)

На этой знаменитой картине Фрида Кало изображена в виде раненого оленя, пронзенного множеством стрел.Она написала картину после неудачной операции на позвоночнике в Нью-Йорке в 1946 году. Представляя этот автопортрет себя в образе преследуемого полу-оленя-полу-человека, она делится своими страданиями со зрителем. Ее выбор изобразить себя оленем, оленем-самцом может указывать на ее бисексуальность.

Фрида Кало, Раненый олень. Фотография любезно предоставлена ​​The Art Story

Мерет Оппенгейм Object (1936)

Мерет Оппенгейм Object , покрытая мехом чашка и блюдце, была вдохновлена ​​беседой с Пабло Пикассо и Дорой Маар.Пикассо восхищался покрытым мехом браслетом Оппенгейма и заметил, что мехом можно покрыть все, что угодно. Тогда Оппенгейм ответил: «Даже эту чашку с блюдцем». Когда Андре Бретон пригласил ее поучаствовать в первой сюрреалистической выставке предметов, она купила чашку, блюдце и ложку и покрыла их мехом китайской газели. Таким образом, Оппенгейм превратил нежные, изящные предметы в нечто чувственное и сексуальное.

Ман Рэя l’Heure de l’Observatoire: les Amoureux (1932-1934)

На знаменитой картине Ман Рэя изображены чувственные красные губы Ли Миллера, его бывшего любовника и протеже.Рэй нарисовал его после того, как их отношения закончились в 1932 году. Гигантские губы парят в небе и также представляют два тела Мана Рэя и Ли Миллера.

Сюрреализм в Европе и Америке

Сюрреализм зародился в Париже, Франция, и он оставался главным центром движения на протяжении 20-30-х годов. Основными художниками, связанными с движением в Европе, были Андре Бретон, Сальвадор Дали, Андре Массон, Рене Магритт, Жоан Миро, Ив Танги, Макс Эрнст, Мерет Оппенгейм, Жан Арп, Ман Рэй и Вифредо Лам.Первоначально Андре Бретон связался с движением Дада через переписку с Тристаном Царой. Однако эти два отношения разорвались из-за различных различий, и Бретон затем основал сюрреализм в 1924 году со своим Манифестом сюрреализма . Во время Второй мировой войны многие художники-сюрреалисты (в том числе Андре Бретон и Макс Эрнст) бежали из Европы. Многие оказались в Соединенных Штатах, где оказали влияние на целый ряд американских художников. Случайные элементы, занимающие центральное место в сюрреалистическом искусстве, способствовали развитию нового типа искусства в Америке.В частности, абстрактные экспрессионисты с их антивоенным, спонтанным, незапланированным искусством многим обязаны сюрреалистам.

Вифредо Лам, Грохот земли, 1950. Фотография любезно предоставлена ​​Гуггенхаймом

Сюрреализм в Центральной и Латинской Америке

Хотя великие мексиканские художники Фрида Кало и Диего Ривера никогда официально не были частью сюрреалистического движения, они часто ассоциируются с сюрреализмом . Кало сказала: «Они думали, что я сюрреалист, но это не так.Я никогда не рисовал снов. Я нарисовал свою реальность ». Тем не менее, Андре Бретон посетил Кало и Риверу в Мексике. Он также организовал Четвертую Международную выставку сюрреалистов в Мехико, на которой были представлены работы двух художников. Хотя официально они не связаны с движением, они, безусловно, работали со многими сюрреалистическими темами, такими как подсознание, сны и символика. Художник кубинского происхождения Вифредо Лам (который имел смешанное афро-китайско-кубинское происхождение) был еще одним важным художником в сюрреалистическом движении.Лам учился в Мадриде и Париже, где он подружился с Пикассо и познакомился с сюрреализмом. Картины Лама отражают социальную несправедливость и духовность.

Сюрреализм в кино и литературе

Сюрреализм не ограничивался только изобразительным искусством. Напротив, с тех пор, как Бретон начинал как поэт, сюрреализм, естественно, стал влиятельным в литературных кругах. Важными сторонниками сюрреалистической литературы были Андре Бретон, Поль Элюар, Роберт Деснос, Жорж Батай, Филип Супальт, Луи Арагон и Антонен Арто.В кино Луис Бунюэль произвел фурор своими сюрреалистическими фильмами, такими как Un Chien Andalou (1929, сделанный с Сальвадором Дали). Сюрреалисты в кино использовали новые техники и подходы, чтобы освободить искусство кино от традиционного повествования. Вместо этого они хотели превратить среду в среду, которая могла бы исследовать и раскрывать внутреннюю работу подсознания.

Влияние сюрреализма

Сюрреализм оказал глубокое влияние на абстрактный экспрессионизм и на незаписанные хеппенинги 1950-х годов, продвигаемые Алланом Капроу.Ситуационистский Интернационал 1960-х годов также обязан сюрреалистическим идеям и методам. Считается, что сюрреализм закончился со смертью Андре Бретона в 1966 году. Тем не менее, это движение продолжает вдохновлять бесчисленное количество современных художников и сегодня. Такие художники, как Дэвид Линч, Джули Кертисс и Мэри Рид Келли, и это лишь некоторые из них, работают с большим количеством сюрреалистических образов и техник.

Рене Магритт, La Decalcomanie, 1966. Фото любезно предоставлено Phototeque R. Magritte

Соответствующие источника, чтобы узнать больше

Подробнее о художественных движениях и стилях на протяжении всей истории здесь
Фантастические женщины сюрреализма
Проклятые изображения: краткая история Uncanny
Женщины-иконоборцы: Леонора Каррингтон
Les Dîners de Gala : Сюрреализм в меню с поваренной книгой Сальвадора Дали

29 Примеры художественных стилей

Художественный стиль — это набор отличительных характеристик, общих для произведений искусства.Это позволяет классифицировать искусство таким образом, чтобы оно было по своей сути значимым для людей, поскольку стиль узнаваем, когда у вас есть идея, лежащая в его основе. Ниже приведены распространенные примеры художественных стилей. Искусство эпохи Возрождения Искусство эпохи Возрождения периода европейской истории 14-17 веков. Это был период перемен и принятия новых смелых идей, таких как гуманизм, ставящий человека выше всего остального. В то время Италия была доминирующей силой в мире искусства. Вскоре это переместится во Францию ​​в современную эпоху.Итальянские художники эпохи Возрождения включают Леонардо да Винчи, Микеланджело и Сандро Боттичелли. Романтизм Романтизм был художественным движением XIX века, в котором подчеркивались эмоции и индивидуализм. Это рассматривается как реакция на механизацию и систематизацию промышленной революции, которая кардинально изменила мир в то время. Романтизм прославлял прошлое и имел тенденцию изображать средневековую историю в противоположность античности. Неоклассицизм Неоклассицизм — это искусство, основанное на искусстве, культуре и истории древности, особенно Древнего Рима и Греции.Это было долгое направление в искусстве, которое длилось с конца 18 до начала 20 века. Эти работы не особенно популярны среди энтузиастов современного искусства, которые могут посчитать недостоверным для одного возраста подражать другому. Академическое искусство Академическое искусство — это искусство XIX века, соответствующее стандартам и ожиданиям Академии изящных искусств в Париже. Это были исключительно неоклассические и романтические работы, которые рисовали идеалистический взгляд на историю, наполненный красивыми людьми с ярким, очень изысканным стилем.Большая часть лучших произведений искусства XIX века была реакцией на академическое искусство с его чрезмерно ностальгическим содержанием и отсутствием смелых экспериментов. Академическое искусство имело высокий социальный статус в XIX веке, и многие художники, которые были посторонними, стремились его сломить. Древнее искусство Древнее искусство включает в себя любое искусство, созданное до падения Западной Римской империи в 476. Великие цивилизации Древнего Рима, Древней Греции, Древнего Египта, Вавилона, Древней Индии и Древнего Китая создали значительное искусство. Реализм Реализм — это изображение реальности мира без окрашивания эмоциями, идеализмом, пессимизмом, идеологией или воображением. Гиперреализм Современный стиль искусства, в котором используются чрезвычайно реалистичные детали для создания работ, которые трудно отличить от реальности. Поп-арт Поп-арт стилизован под элементы потребительского общества и поп-культуры, такие как реклама, дизайн продуктов и комиксы. Это считается типом капиталистического реализма, который углубляется в иронию, пародию и аллегорию, ставя под сомнение направление общества и культуры. Укиё-э Укиё-э — это японское искусство эпохи Эдо, которое было широко распространено среди масс с использованием техники печати на дереве, так что оно представляло собой раннюю форму поп-культуры. Сюда входили популярные темы, такие как сцены путешествий, история, текущие события, сумо, мифология и смешные лица актеров кабуки. Укиё-э также включает жанр, известный как бидзинга, что буквально означает «изображение красивого человека», на котором изображены гейши и другие модные женщины. Японизм В 1850-х годах военно-морской флот Соединенных Штатов фактически заставил Японию открыться для американской торговли.Европейские державы быстро последовали примеру Америки, и вскоре Япония заключила торговые соглашения с Россией, Великобританией, Францией и Голландией. Это погрузило японское общество и экономику в хаос, поскольку дешевые иностранные товары наводнили внутренний рынок, а Япония боролась за индустриализацию и милитаризацию, чтобы защитить себя. Одним из первых экспортных товаров, которые Япония смогла вывести в мир, были гравюры укиё-э. Внезапная доступность этих потусторонних произведений искусства в Европе и Америке повлияла на многих художников того времени, создав движение, известное как японизм, посредством которого художники включали японские темы и стили в свои работы. Барокко Барокко — очень богато украшенный и экстравагантный стиль, возникший в Европе в 17 веке. Католическая церковь поощряла его как реакцию на простую строгость протестантского искусства. Стиль барокко делает все возможное, чтобы вызвать чувство благоговения за счет эмоций, деталей, контраста, хаоса и насыщенных цветов. Золотой век Голландии Золотой век Голландии — период в истории Голландии, примерно во время Восьмидесятилетней войны 17 века, когда они создали ряд чрезвычайно талантливых художников, таких как Йоханнес Вермеер и Ян Стин.В то время Голландская республика была самой процветающей страной в Европе. Голландский золотой век произошел в то же время, что и барокко, но имел противоположные характеристики, поскольку голландцы были склонны к реализму и избегали яркости барокко. Голландские мастера также выбирали преимущественно нерелигиозные темы и стремились изображать повседневную жизнь. В то время это было несколько редкостью за всю историю живописи. Импрессионизм Импрессионизм стремится к реалистичному изображению мира с акцентом на цвет и свет.Он фиксирует течение времени, а не мгновение, в результате получается мягкий нечеткий вид. Технически это достигается за счет приоритета свободных мазков кисти над линией и формой. Импрессионизм потряс мир искусства и поначалу был плохо воспринят. Термин «импрессионизм» возник в издевательской рецензии критика и юмориста Луи Лероя, который пренебрежительно использовал этот термин, чтобы выразить свое мнение о том, что работы импрессионистов похожи на незаконченные наброски. Неоимпрессионизм Неоимпрессионизм — это разделение цвета на отдельные точки, что очень похоже на работу современного принтера или цифрового экрана.Несмотря на свое название, неоимпрессионизм по сути противоположен импрессионизму. Там, где импрессионизм использует плавные и хаотичные мазки кисти, неоимпрессионизм использует механические и систематически спланированные цветные точки. Неоимпрессионистское искусство широко использовало теорию цвета, чтобы спланировать, как точки цветов, близкие друг к другу, будут восприниматься с расстояния. Художники-неоимпрессионисты, хотя и представлялись как научные, обычно имели псевдонаучный взгляд на теорию цвета. Фовизм Фовизм — это направление искусства начала 20-го века, создавшее картины, похожие на картины, с явными мазками кисти и смелым использованием нереалистичных цветов.Это была реакция на художественные движения того времени, такие как реализм и неоимпрессионизм, которые создавали картины, которые выглядели фотографическими или систематическими. Экспрессионизм Экспрессионизм изображает мир чисто субъективным образом, так что художник может свободно выражать эмоции, воображение и абстракцию. Хотя художники-экспрессионисты теоретически свободны выражать то, что хотят, они склонны выражать тревогу. Абстрактный экспрессионизм Американское художественное движение после Второй мировой войны, основанное на чисто субъективных и абстрактных произведениях, таких как краска, которую бросают на холст в момент вдохновения, или картина, состоящая из одного сплошного цвета.Такие работы были призваны вызвать и вызвать критику за неквалифицированность, совершенно случайную и бессмысленную. Тем не менее абстрактный экспрессионизм стал рассматриваться как высокая культура. Кубизм Кубизм можно описать как трехмерную абстракцию. Концептуально это предполагает изображение объекта с разных точек зрения. Это начало проявляться в 1907 году с работой Пабло Пикассо Les Demoiselles d’Avignon (ниже), которая считается первой кубистической работой, хотя позже стиль станет гораздо более абстрактным.Кубизм потряс мир искусства и вдохновил десятки художественных движений начала 20 века. Футуризм Футуризм был художественным движением начала 20-го века, в котором фигурировали темы, считавшиеся футуристическими в то время, такие как скорость, молодежь, автомобили, самолеты и промышленные города. Стилистически футуризм часто напоминал кубизм. Символизм Художественное движение конца 19 века, которое опиралось на мифологию, иконографию и элементы воображения для создания богато символических произведений. Модерн Чрезвычайно декоративный стиль искусства, который считался современным и модным в период с 1890 по 1910 год.Ар-нуво часто фигурировал в архитектуре, дизайне интерьеров, декоративных элементах и ​​рекламе, но, тем не менее, получил уважение как изобразительное искусство. Обычное определение изобразительного искусства требует, чтобы искусство производилось без коммерческих ограничений. Сюрреализм Сюрреализм — это искусство, которое воображает различные реальности, которые могут быть преднамеренно нервирующими, мрачными, нелогичными или парадоксальными. Сюрреализм также часто вдохновляется популярной психологией с такими темами, как визуальные представления подсознания.Хотя сюрреализм обычно считается направлением в искусстве 20-го века, он также явно присутствует в работах голландского художника 15-го века Иеронима Босха. Anti-art Anti-art — это искусство, которое пытается высмеять нелепости высокой культуры и мира искусства. Это часто нападает на случайность и культ личности, лежащие в основе множества успешных направлений в искусстве. Например, движение Дада в начале 20-го века представило случайные коллажи, сделанные из газетных вырезок в качестве произведений искусства и скульптуры, созданные из найденных предметов, таких как общественный писсуар.По иронии судьбы мир высокой культуры теперь рассматривает многие из этих предметов как бесценные произведения искусства. Это подтверждение того, что высокая культура ценит любое искусство, способное спровоцировать большое количество современных и постмодернистских художников на поиски противоречий по поводу эстетики. Наивное искусство Искусство, созданное художником с небольшим формальным образованием или погружением в художественное сообщество, так что он может развивать уникальные стили и методы, не зависящие от художественных течений своего времени. Например, Анри Руссо был выдающимся французским художником конца 19 века, который работал сборщиком налогов до 49 лет.Руссо не начинал серьезно заниматься живописью до 40 лет. Народное искусство Искусство, созданное для целей культуры и традиций, в отличие от свободного выражения изобразительного искусства. Современное искусство Современное искусство относится к любому искусству, произведенному между 1800 и 1970 годами. Это может быть расширено в будущем, потому что современное искусство сегодня может быть названо современным в будущем. Одно современное искусство принимает идеологию модернизма, в то время как другое современное искусство отвергает ее. Например, современное минималистическое искусство согласуется с модернистским идеалом «меньше значит больше», в то время как движения современного искусства, такие как кубизм, экспрессионизм, романтизм, импрессионизм и неоклассицизм, явно не соответствуют. Современное искусство Современное искусство — это любое искусство, созданное с 1970 года. Это обозначение должно применяться к работам ныне живущих художников, так что этот период будет переименован в будущем. Пока никто не знает, каким будет этот лейбл, поскольку это зависит от того, какие артисты сегодня будут выделяться с точки зрения будущего. Искусство постмодерна Искусство постмодерна — это собрание современных движений, которые придерживаются идеологии постмодернизма или в целом стремятся бросить вызов современному искусству.Такие движения разнообразны, но общие тенденции в постмодернистском искусстве включают в себя иммерсивный опыт, вызовы элитарности высокой культуры и работы, стирающие грань между искусством и популярной культурой. Постмодернистское искусство часто носит политический характер и критикует общество или культуру. Stuckism Stuckism — это движение в современном искусстве, которое стремится к аутентичным, но не обязательно реалистичным представлениям о мире. Это можно рассматривать как реакцию на тенденцию к абстракции, антиискусству и постмодернизму в современном искусстве.Штукизм очень стилизован и часто напоминает современное искусство 20-го века. Движения Многие из вышеперечисленных стилей также связаны с определенным периодом времени. Это отражение того факта, что искусство — это артефакт времени и культуры, которые его создали. На следующей временной шкале указаны приблизительные даты перемещений, связанных с указанными выше стилями. 9018 905 905 905 905 Экспрессионизм Механизм Период времени (приблизительный) Связано с Древнее искусство До 476 Великие цивилизации истории, такие как Древний Рим. Возрождение 1300 — 1600 Италия Франция Германия Барокко 1600 — 1750 Первоначально спонсировалась католической церковью в рамках Контрреформации. Золотой век Голландии 1620 — 1672 Голландская Республика Укиё-э 1661-1868 Япония эпохи Эдо Популярные произведения торгового класса впервые появились около 1661 года 1760 — 1900 Широкое направление в искусстве, архитектуре, литературе, моде и музыке.Начал с искусства около 1760 года и продолжил в архитектуре до 20 века. Романтизм 1790–1850 ЕвропаСША Современное искусство 1800–1970 Современное искусство определяется временем и не обязательно соответствует идеологии модернизма. Реализм 1840-1900 Франция США Импрессионизм 1860-1900 Франция Клод Моне Эжен ДелакруаJ.MW Turner Японизм 1860 — 1890 Европа Соединенные Штаты Неоимпрессионизм 1886-1910 Франция Жорж Сёра 1893-1930 Немецкое движение, во многом вдохновленное норвежским художником Эдвардом Мунком. Фовизм 1904-1910 Франция Анри Матисс Кубизм 1907-1918 Пабло Пикассо Жорж Брак Вторая волна футуризма 905 Италия 905 1960-е годы. Дада 1914-1922 Считается антиискусством, но тем не менее считается высокой культурой. Сюрреализм 1917-1950 Примечательно, что сюрреализм также появился в творчестве Иеронима Босха в 15 веке. Абстрактный экспрессионизм 1946-1970 Нью-Йорк Поп-арт 1950 ~ Америка Энди Уорхол Современное искусство 1970 ~ Современное искусство 1970 ~ Живое искусство 1970 ~ В основном применяется к работам современных художников и художников.Однако художники, такие как экспрессионисты, приняли определенные постмодернистские идеалы еще в конце 19 века, доказывая, что художники часто опережают широкие культурные тенденции. Stuckism 1999 ~ Соединенное Королевство Арт Это полный список статей, которые мы написали об искусстве. Если вам понравилась эта страница, добавьте в закладки Simplicable. Обзор основных стилей современного искусства с примерами каждого.Список художественных терминов. Определение мастер-копии с примерами. Определение и общие характеристики постмодернизма. Список концепций теории цвета. Большая коллекция цветовых палитр. Основные характеристики цветов. Самые популярные статьи о Simplicable за последние сутки. Последние сообщения или обновления на Simplicable. Карта сайта © 2010-2020 Простое. Все права защищены. Воспроизведение материалов, размещенных на этом сайте, в любой форме без явного разрешения запрещено. Просмотр сведений об авторах и авторских правах или цитировании для этой страницы.

7 шагов к развитию вашего художественного стиля

Чтобы создать профессиональный имидж художника, вы должны уметь отличать себя и свое искусство от множества других талантливых художников. Для этого сначала необходимо выработать свой художественный стиль.

Большинство художников пришли к выводу, что разработать собственный художественный стиль проще, чем кажется.Это означает, что ваша работа не похожа на работу вашего инструктора, но она также является связной, когда демонстрируется вместе.

© Trudy Rice, Пчела, любящая летний сад . Бумага, монотипия и солнечные пластины, 60 х 80 см. Узнаваемый стиль Труди сочетает в себе флору и фауну Австралии.

Что такое художественный стиль?

Стиль — это слово, которое мы используем свободно и не задумываясь. Но что это значит?

В своей книге Living With Art Рита Гилберт пишет, что «стиль — это характеристика или группа характеристик, которые мы можем идентифицировать как постоянные, повторяющиеся или последовательные.Она продолжает: «Художественный стиль — это сумма постоянных, повторяющихся или последовательных черт, отождествляемых с определенным человеком или группой».

Стиль художника ни хорош, ни плох. Это просто ЕСТЬ. Исполнение может быть подвергнуто критике, цвета могут быть восприняты как некрасивые, а композиция — как слабая, но стиль остается таким, какой он есть.

Ваш стиль — это сочетание выбранных вами средств, техники и тематики. Дело не только в том, что вы делаете современные одеяла или рисуете пейзажи.Это сами по себе медиумы и жанры. Нет, стиль — это та дополнительная мелочь, которую вы делаете, чтобы отличить свою работу от работ других художников.

© Lisa Call, Round and Round . Для текстильных полотен Лизы характерны сильно прошитые и сверхплоские поверхности.

Каждый из двух мастеров лоскутного шитья может создавать абстрактные красочные композиции, используя один и тот же традиционный блок. Однако если оба являются зрелыми художниками, мы, вероятно, сможем отличить работы одного художника от другого.Например, художник по волокну может использовать одно или несколько из следующих при создании лоскутного одеяла.

• Ткани, окрашенные вручную из органических красителей
• Свободные нити свисают на поверхности (а не скрывают их)
• Особая ткань, которая становится своего рода визитной карточкой
• Текст, написанный чернилами поверх лоскутного одеяла

Другими словами, она становится известной по произведениям, которые содержат определенную характеристику. Для художника это могут быть свободные мазки, импасто или повторяющееся изображение.Кехинде Вили, нарисовавший официальный портрет президента Обамы, известен своим очень декоративным фоном вокруг своих предметов. Сара Сзе объединяет сотни и тысячи найденных объектов для создания детальных мультимедийных ландшафтных инсталляций.

Чем вы известны?

© Линда Хьюг, Планы на субботу. Холст, масло, 12 х 12 дюймов. Картины торговой марки Линды основаны на местной архитектуре сцены, к которой она добавляет прохожих, чтобы запечатлеть момент времени.

Несколько художественных стилей

Вы можете работать в любом количестве стилей, но отдельные работы могут означать разные аудитории. Это также может означать, что если у вас есть два совершенно разных направления работы, вы сделаете в два раза больше работы, чем маркетинг. Три разных стиля могут означать втрое больше маркетинговых усилий.

3 разных стиля искусства = [возможно] 3 разные аудитории = в 3 раза больше маркетинговых усилий

[ Руководство для успешного художника по написанию заявления художника ]

Некоторые художники предпочитают иметь очень узкий стиль и, кажется, создают почти одни и те же произведения искусства снова и снова, но с различиями в цвете или масштабе.Адольф Готтлиб, например, снова и снова рисовал свои фирменные «Взрывы». Некоторые были лучше других, но все они имели одни и те же основные элементы.

Его близкий друг, Марк Ротко, прославился большими полосами тонкого пигмента, плавающими на поверхности холста. Цвета разные, но мы узнаем Ротко, когда видим его.

Style v. Subject Matter v. Medium

Стиль не следует путать с предметом или средой.

Необязательно придерживаться одного образа, как это делали Готлиб и Ротко в зрелом возрасте.Вам даже не нужно оставаться верным одной среде.

© 2019 Лаура Петрович-Чейни, Т . Дерево, 12 х 36 дюймов. Фото: Алан Райдаут, Лексингтон, Кентукки. Лора использует найденную древесину с неповрежденным первоначальным цветом, поэтому ее деревянные одеяла легко идентифицировать как ее работу.

Развитие узнаваемого художественного стиля не означает, что вы должны создавать одну и ту же работу снова и снова. Это просто означает, что вы создали работу, которую другие идентифицируют с вами.

Нет лучшего комплимента, чем воскликнуть: Эй! Это похоже на картину Линды Хьюз! через комнату.(Если, конечно, вас не зовут Линда Хьюг.)

Ваш стиль рождается не в начале вашей студийной практики. Вы не найдете этого, желая или думая об этом. Вы можете развить свой художественный стиль только упорным трудом в студии и преданностью своему делу.

Вы должны делать много искусства. Много. А потом сделайте еще.

Я могу сказать, что художник не готов к арт-бизнесу, когда его работы выглядят как мешанина стилей, возможно, напоминающая искусство их преподавателя.

Если вы пытаетесь понять, кто вы как художник и в чем заключается ваша работа, рассмотрите эти 7 шагов к развитию вашего художественного стиля.

1. Будьте преданы своей студийной практике.

© Брук Харкер, Hollywood In Stride . Холст, тушь, масло и акрил, 60 х 40 дюймов. Как и Линда Хьюз, Брук запечатлевает момент времени в своих картинах. Очертания черными чернилами, которые она использует для структурирования холстов, позволяют легко идентифицировать ее работу.

Я уже сказал это, но это должно быть в верхней части списка.

Это самое важное, что вы можете сделать, чтобы стать профессиональным художником. Если вы не можете посвятить время студии, не подлежащей обсуждению, вы не уйдете далеко. Вам нужно заниматься искусством. Вам нужно делать больше искусства!

Без искусства ты не художник.

Без искусства у вас нет арт-бизнеса.

Большинству художников, у которых есть другая работа для оплаты счетов, будет трудно справиться с этим, но обязательство очень важно. Каждый отказывается от чего-то, чтобы осуществить свою мечту.

Если вам сложно выполнить свое обязательство, выделите время в своем календаре (чернилами!) На неделю. Относитесь к этому, как к любому другому назначению, и уважайте данное себе обещание. Скажите нет тем, кто просит вашего внимания в это время.

Это первый шаг к профессионализму.

2. Ничья. Каракули. Писать.

Куда бы вы ни пошли, чем бы вы ни занимались, войдите в привычку. Набросайте сцену, запишите свои отзывы другим художникам. Цель состоит в том, чтобы держать карандаш на бумаге и запечатлеть свой блеск до того, как он исчезнет.

Многие художники узнают о своем искусстве, ведя блог. Я снова и снова слышу от художников, что самая важная причина вести блог — это самопознание.

Если вы не представляете себе, как вести блог, по крайней мере, научитесь четко формулировать свою работу. Я могу помочь вам найти слова в моем курсе Magnetic You.

3. Посмотрите искусство.

Посмотрите на множество произведений искусства! Некоторые люди боятся копировать других художников. Не надо. Как вы думаете, как учились старые мастера?

Если вы достаточно много смотрите и копируете, вы справитесь с влияниями и найдете свой собственный голос.

© 2020 Хизер Робинсон, От моря до неба . Акрил и ткань на панели, 12 х 12 дюймов. Картины Хизер скреплены повторяющимся рисунком ткани или обоев, на который она отвечает множеством толстых слоев узоров и текстур.

Но здесь есть нюанс. НИКОГДА не пытайтесь продавать произведения искусства, скопированные с работы другого художника или слишком полагающиеся на работу вашего преподавателя. Это неуместно. Вы учитесь. Как только вы найдете свой стиль, вы можете подумать о том, чтобы превратить свое искусство в бизнес.

Если вы пропустили уроки истории искусств, подумайте о том, чтобы записаться на несколько в общественный колледж или высшее учебное заведение. Вы также можете посмотреть фильмы об искусстве и истории искусства в местной библиотеке или на Netflix.

Посмотрите мой обновленный список художественных документальных фильмов.

4. Позвольте себе поэкспериментировать в студии.

Принимайте уроки, чтобы получить навыки работы с новыми средствами и методами или учиться у нового учителя.

Не нужно создавать искусство, чтобы продавать.Вы можете и должны заставлять искусство расти как художник.

Попробуйте новый материал, практикуйте новый стиль, скопируйте любимую историческую работу, увеличьте или уменьшите размер или используйте цвет за пределами вашего обычного диапазона палитры. Вы делаете искусство только для себя. Больше никто не должен это видеть.

5. Отойдите от искусства.

Трудно оценить прогресс, когда вы находитесь в процессе производства.

Знайте, когда пора сделать шаг назад, уйти и вернуться свежим взглядом.

© 2016 Кэти Рид, Карты Лондона . Акварель и акрил, 56 х 76 см. Акварель Кэти, еще одного городского художника, легко заметить по замаскированным белым областям и по поверхностному натяжению, создаваемому липкой пленкой и рисованием мокрым по мокрому.

6. Оцените работу до этого момента.

После того, как вы сделали перерыв, критически оцените свою работу, чтобы определить свои сильные и слабые стороны.

Что тебе нравится? Не как?
Что можно настроить? Добавлять? Вычесть?
Передает ли сообщение, которое вы хотите донести?

Спросите у разных людей (друзей, родственников, незнакомцев, других художников, нехудожников и т. Д.)) те же вопросы. Это диалоговое упражнение — процесс, который я проведу с вами в Magnetic You.

7. Повторить.

Развитие своего художественного стиля и создание хороших произведений искусства — это результат полной отдачи своему ремеслу.

Продолжайте делать все вышеперечисленное. Очередной раз. Очередной раз.

Этот пост был первоначально опубликован 23 марта 2010 г. и был обновлен с сохранением исходных комментариев.

Художественный стиль не статичен — он развивается

Многие из моих эссе связаны с художественным стилем и голосом.Эта ментальная сторона рисования — голос, стиль, оригинальность и аутентичность — это то, что меня больше всего увлекает и интересует. Я считаю, что это самая важная вещь в творчестве.

В предыдущем эссе, Как развить свой уникальный художественный стиль , я заложил основу для своих убеждений:

«Ваш художественный стиль — это то, что делает вашу работу похожей на вас. Это то, что заставляет Пикассо чувствовать себя Пикассо, а Хичкока — Хичкоком ».

«Ваш художественный стиль полностью индивидуален.Фактически, это ты ».

Далее по эссе я упомянул этот небольшой лакомый кусочек, который я хочу расширить:

«Так же, как вы развиваете свое Я и становитесь более похожими на« себя »по мере взросления, ваш артистический голос делает то же самое. С каждым новым опытом ваше «Я» меняется и растет, и с каждым произведением искусства ваш стиль меняется и растет ».

Вы это уловили? Потому что это важно: ваш стиль не стоит на месте. Определенно может произойти прорыв в вашей творческой жизни, когда вы почувствуете, что нашли свой стиль, приобрели больше уверенности в своей работе и почувствуете, что ваша работа сплочена.

Но вам не обязательно придерживаться одного статичного, неизменного художественного стиля на всю оставшуюся жизнь.

Ваш стиль может и должен меняться и развиваться по мере того, как вы меняетесь и развиваетесь. Потому что я не знаю как вы, но Я совсем другой человек, чем был 10, 5 или даже 1 год назад.И мое искусство тоже.

Ваш художественный стиль создан из кусочков

Ваш художественный стиль — это не что-то одно. Он включает в себя все виды элементов, мировоззрений и аспектов создания искусства, о многих из которых вы, вероятно, даже не подозреваете. Если вы пишете картины маслом, ваш стиль создается не маркой масляной краски или конкретной кистью. Инструменты и средства, которые вы используете, — лишь часть вашего стиля.

Ваш стиль также включает в себя все маленькие элементы, которые появляются и повторяются в вашей работе — цветовые палитры, линии, текстуры, голос, предметы, эмоции, рассказывание историй, особые техники рисования и общее чувство трудно описать .

Когда выбрал мой стиль

Я совершил прорыв, и в конце 2014 года я начал чувствовать себя более уверенно и уверенно в своем художественном стиле. Я начал последовательно рисовать в моем альбоме для рисования, и я начал создавать эту странную текстуру карандаша в виде шеврона в своей работе:

Я начал замечать, что он появляется снова и снова в моей работе, и в конце концов я принял это. Это стало осознанным решением рисования и важной частью моего художественного стиля. Я также искренне воспринял карандаш как свой любимый инструмент.

Какое-то время я рисовал исключительно этим карандашным стилем текстуры. Я влюбился в нее, был одержим ею, и думал, что это моя вещь , мой художественный стиль. Но это был 2014 год.

С тех пор я понял, что художественный стиль — это постоянное развитие, которое продолжает развиваться на протяжении всей вашей жизни. Стиль гораздо глубже, чем отдельный инструмент или отдельный элемент. Инструмент не диктует стиль. Ваш стиль будет применен к любому инструменту, который вы держите в руке.

Я больше не делаю этот узор шеврона, потому что с тех пор у меня появились другие причуды, так как я изменил , и мое искусство изменилось. Тот факт, что этот элемент шеврона стал важной частью моего стиля, не означал, что я застрял в нем навсегда.

Это было только начало.

Когда мой стиль начал развиваться

Первоначально я думал, что для того, чтобы иметь сильный художественный стиль, мне нужно придерживаться единственного средства — и я уже выбрал карандаш. Но после нескольких месяцев рисования текстур карандашом мне стало скучно. Я хотел исследовать новые инструменты и экспериментировать с ними.

После долгой борьбы я сдался и позволил себе исследовать. Я полностью поменял инструменты и начал рисовать. Я делал это в течение нескольких месяцев, думая, что нашел свою вещь (снова), но потом мне стало скучно (снова).

Итак, я вернулся к рисованию, но на этот раз работал многострочным пером с разной толщиной линий. В тот момент я начал понимать, что все три из этих групп работы по-прежнему похожи на меня , даже несмотря на то, что они были совершенно разными инструментами и процессами.

С этого момента я решил следовать своей интуиции и своим навязчивым идеям, куда бы они меня ни вели. Теперь я меняю инструменты каждые несколько месяцев, переходя от одержимости к навязчивой идее, позволяя одному инструменту переходить к другому и не вступая в брак с каким-либо одним процессом, инструментом или статическим художественным стилем.

Это освобождает исследовать новые среды, и это совсем не сдерживало меня и не смущало мою аудиторию, как я когда-то опасался. Теперь я знаю, что могу создавать искусство, похожее на меня, с помощью любого инструмента, , несмотря на то, что другие люди советуют придерживаться чего-то одного или остановиться на нише.

Новые инструменты, которые научат вас узнавать ваш врожденный стиль

Я редко полностью прекращаю пользоваться инструментом, когда перехожу от него. Я часто возвращаюсь к инструменту снова после перерыва или включаю и комбинирую его с новым инструментом . По мере развития моего стиля я добавляю новые инструменты в свой набор инструментов, изучаю, что каждый из них может делать, как работает и когда лучше всего использовать.

С каждым новым инструментом, который я исследую, мой стиль и уверенность возрастают по мере того, как я узнаю больше о врожденных закономерностях и причудах моего стиля, которые переносятся от инструмента к инструменту .

Новый инструмент также может намекнуть на новые направления, в которых может развиваться ваш стиль , которые иначе вы, возможно, никогда не нашли бы.

Потому что, в конце концов, инструменты — это всего лишь инструменты. Карандаш, ручка или кисть — это не то, что делает ваше искусство. Вы. Неважно, какой инструмент вы используете — вы все равно можете пройти через него.И я обнаружил, что , использующий новые инструменты, заставляет меня расслабиться в моей работе, экспериментировать и исследовать новые способы рисования и распознавать общие элементы моего стиля, которые сохраняются каждый раз.

Я настоятельно рекомендую не жениться на одном инструменте, художественной среде или статическом способе создания своего искусства. Если вы любите акварель или фотошоп — отлично! Если вы любите рисовать реалистично — отлично! Вы не должны отказываться от этого. Но время от времени пробуйте что-нибудь новенькое. Возьмите новый инструмент и посмотрите, что произойдет.Кто знает, что из этого могло получиться?

Ты всегда будешь собой

Ты остаешься собой, даже когда меняешься. И ваш стиль остается вашим, даже когда он меняется. Ваш стиль — это то, как вы создаете свое искусство. Все, что вы когда-либо делали, всегда будет в вашем стиле, если вы позволите ему течь естественно. Наслаждайтесь творчеством, будьте в зоне и следуйте своему любопытству.

Этот процесс всегда будет создавать искусство в вашем стиле, , даже если ваш стиль меняется, развивается и растет — точно так же, как и вы.

.