Барокко это стиль: Барокко — что это за стиль в архитектуре, живописи и музыке

Барокко в архитектуре, предпосылки возникнтовения

Историческая справка 

Барокко начал свое триумфальное шествие по миру в XVII-XVIII веках прямиком из Италии. Остановить его были не в силах ни дипломатические отношения, ни предрассудки. 

Предназначался стиль для церковной архитектуры, чтобы производить особенное впечатление на верующих, показывать величие Бога и ничтожность человека по сравнению с небом.

Наибольшего расцвета стиль достиг при дворе Людовика XIV, Короля-Солнца, того самого, кто изрек «Государство – это я» и увековечил себя в каждом учебнике истории.

Карлскирхе в Вене на фото выше – выдающийся пример венского барокко. Поверхность фасада слоится, все время прерывается выступами и пилястрами. 

Площадь перед собором Святого Петра в Риме, архитектор П.Бернини (1663). 

Пример русского барокко – Екатерининский дворец, архитектор Б. Ф. Растрелли. Посмотрите, сколько на фасаде колонн, лепнины и статуй.

Взгляд все время перескакивает с детали на деталь. 

Барокко в архитектуре – это, прежде всего, размах, простор и динамика. Этот стиль подобен сложносочиненному предложению. Для которого характерно изобилие декора фасадов скульптурами, барельефами, колоннами и пилястрами. Купола зачастую многоярусные, как у собора Св. Петра в Риме на фото ниже. 

Собор Святого Петра в Риме. Изучите фасад: окна, портик, скульптуры, пилястры, арки, лепнина. Взгляду всегда есть, на чем остановиться. 

Детали 

Изобилие и пышность интерьера в стиле барокко. Азамкирхе — интерьер церкви в Мюнхене, арх. братья Азам (1733—1746 гг.). Кругом фрески, лепнина, золотые лучи, позолоченные элементы, благородные камни, витые колонны, сглаженные формы (любимая форма барокко – овал, острые углы практически отсутствуют) 

Когда оказываешься внутри барочных построек, внешняя отделка уже не так впечатляет, как настоящее буйство роскоши, позолоты, красок, фресок со всех сторон.

Чтобы стиль барокко проявил себя в полной мере нужно, как вы видите, очень много квадратных метров и, пожалуй, еще больше декора. 

Интерьер Екатерининского дворца тоже в стиле барокко: зеркала, сусальное золото, скульптуры, овалы, арки, завитки, наборный художественный паркет – на стене и потолке нет свободного места. 

Интерьер кафедрального собора Святого Стефана (Пассау, 1668—1693) немного скромнее предыдущих примеров, потому что лепнина, колонны, пилястры былого цвета. Яркие пятна – только фрески на потолке. 

Потолок в монастыре Этталь – одного из крупнейших памятников барокко – на юге Германии. Просто изучите детали. 

Жемчужина неправильной формы и Король-Солнце 

С итальянского языка barocco — «причудливый», «странный». А с португальского и вовсе «жемчужина неправильной формы». 

Но в интерьере и архитектуре это не значит – асимметричная. Для стиля барокко, такого фактурного и чрезмерного, все же характерна симметрия, как и для любого классического стиля (с другими можно познакомиться в

этой статье).  

Иллюстрация из книги по истории мебели, от самого раннего до настоящего времени, показывает, как выглядит мебель в стиле барокко – это ножки кабриоль (изогнутые и резные), обилие декоративных элементов, плавные формы. 

Плавные линии и изгибы характерны для всего в барокко – от фасадов зданий до рам зеркал и изгородей. 

Самыми яркими представителями в архитектуре барокко были итальянцы. Но пышные барочные интерьеры ярче всего расцвели во Франции и Германии. 

В XVII веке во Франции идеалом мужчины был Людовик XIV, Король-Солнце, искусный наездник, стрелок и законодатель мод. Это было время абсолютизма и безграничных возможностей короля. Это находило свое отражение во всем. Поэтому можно встретить много примеров символики Короля-Солнца. 

Судя по отношению французов к жизни, праздникам и архитектуре, Людовик все еще их герой. 

Пожалуй, искусство барокко – самое бурно обсуждаемое направление в искусстве. Его можно либо любить, либо ненавидеть, но оставаться равнодушным нельзя. Барокко критикуют за излишнюю театральность и им восхищаются за богатство, роскошь фактур и динамику. Как говорит искусствовед Анастасия Постригай, “барокко набрасывается на тебя”. 

Нам нравится идея того, что искусство вызывает эмоцию. Нам кажется, что интерьеры – это тоже искусство и они тоже должны транслировать эмоцию. Пусть барочные интерьеры показывают это немного более явно, чем многим хотелось бы. Но то, что они не оставляют равнодушными, вдохновляют и откладываются в памяти – огромная заслуга стиля. Барокко научил нас тому, что “так тоже можно”.

Барокко | Homy

Барокко (итал. barocco — “склонный к излишествам”)

— стиль в европейской культуре XVII—XVIII веков, центром которой была Италия.

Общая характеристика стиля Барокко

Барокко – дворцовый стиль. Вечная молодость стиля обьясняется просто, во все времена пользовались спросом элементы, подчеркивающие изобилие и роскошь.

Стиль Барокко стал воплощением своей эпохи. Барокко впервые в истории искусства соединил два понятия – стиля и образа жизни. Чувственно-телесная радость бытия, трагические конфликты составляют основу прекрасного и источник вдохновения стиля. В дизайне интерьера Барокко стремится к величию, пышности, пространственному размаху. Чрезмерно пышный и изобилующий богатством отделки, разнообразием используемых материалов и сложным в исполнении декором стиль.

Стиль Барокко, фото

Основные элементы стиля Барокко, так же, как и Ренессанса, восходят к Античности; главное же, что отличает Барокко, – это повышенная динамичность форм, беспокойный ритм кривых линий.

История стиля Барокко

Стиль Барокко появился в Италии в конце XVI – начале XVII века, как папский стиль. Но вскоре Барокко стал популярным за пределами Рима и Ватикана. Наиболее яркие образцы архитектуры этого стиля были созданы в Италии, Испании, Португалии, Южной Германии, Чехии, Польше, Литве, испанских и португальских колониях в Латинской Америке. Он использовался для оформления дворцов знатных семей. Во всех этих странах католическая церковь имела очень большое влияние и, таким образом, барокко стал стилем, который она взяла на вооружение.

Во Франции во времена Людовика XIV, Барокко получил особенное распространение. Но уже к концу XVII века гораздо большее внимание при отделке стали уделять комфорту и функциональности.

Происхождение термина “барокко” неясно. Самая распространенная версия – термин “барокко” происходит от испанского слова “barruecco”, которое означает жемчужину неправильной формы. Некоторые исследователи находят примеры популярного, народного, применения термина “barocco” в итальянской сатирической литературе XVI века в смысле “грубый”, “фальшивый”. На жаргоне французских художников слово “baroque” означало смягчать, растворять контур. Примечательно то, что все эти признаки и свойственны стилю Барокко.

XVII век называют эпохой Барокко. Патетика скульптурных и живописных композиций, множество украшений, переизбыток декора отвечали пышной Барочной архитектуре.

Особенности стиля Барокко

Стиль Барокко невозможно перепутать ни с каким-либо любым другим стилем. Барокко – это воплощение той эпохи, в которой он появился. В Барокко объединены два понятия, а именно: стиль и образ жизни.

Стиль Барокко, фото

Отличительными чертами стиля Барокко являются пространственный размах, пышность, великолепие и роскошь. Следует отметить, что изменчивость и игру образов этого стиля можно сравнить с морской раковиной, в честь которой и был назван этот стиль. Изысканная роскошь, великолепие и превосходство вновь возвращается в убранство домов после простоты и минимализма в декоре помещений. Барокко – это пластичность раз форм используемых при декорировании украшений, причудливые витиеватые орнаменты и узоры, а также возвышенность, объемность и превосходство. Кроме того, доминирующим элементом декора в стиле интерьера барокко является фресковая роспись. Такой росписью обильно декорировались потолки и стены. А также для убранства и украшения стен в этом стиле интерьера используются тканые ковры, спускающиеся по стене от потолка до самого пола.

Стиль Барокко, фото

Центральным и главным элементом всего декора являются зеркала, отличающиеся большими размерами, которые украшаются лепниной и позолотой. В орнаменте барокко используются витиеватые растительные мотивы, а именно: ветви деревьев, большие листья, а также крупные цветы.

Стиль Барокко, фото

В интерьере повсеместно получает распространение инкрустация драгоценными металлами – золотом, серебром. Активно используются медь, мрамор, кость, мозаика, которые можно увидеть на самых разнообразных предметах обстановки. Очень популярны зеркала, скульптура и живописные полотна, на которых изображаются полуобнаженные тела в сильном движении, в физическом усилии, напряжении борьбы. Востребованы также пейзажи – разнообразные природные мотивы, на фоне которых часто появляются сцены из крестьянской жизни.

Стиль Барокко, фото

В отделке мебели применяются богатые ткани, бахрома, тканью драпируются также и стены, повсеместно используется лепнина.

Мода на изогнутые линии переносится и в сферу изготовления мебели. Ножки приобретают затейливо изогнутые формы. Широкое распространение получают комоды с выдвижными ящиками, бронзовые напольные часы, постаменты для скульптур.

Спинки кресел и диванов представляют собой волнистую линию. Диваны похожи на конструкции из собранных вместе кресел. Столы снабжаются достаточно мощной столешницей, зачастую круглой формы, декорированной цветным мрамором, мозаикой, перламутром.

Стиль Барокко, фото

Кровать в эпоху Барокко становится похожей на шатер с большим количеством занавесей, драпировок, бахромы.

Драматизм бытия был для приверженцев стиля Барокко естественной формой существования природы и человека. Поэтому Барокко – это стиль патетический.

Стиль Барокко, фото

Заключение

Интерьеру с тиле Барокко присущи яркие краски, богатая игра света и тени, сложные изогнутые очертания элементов интерьера. Барокко открывает совершенно новые возможности стены.

Стена как бы лишается самой главной своей черты – надежности и монументальности, приобретает небывалую прежде пластику и динамику. В интерьере появляется изысканная усложненность: изогнутые линии, красивые камины, красочная инкрустация, динамичные по формам стулья, кресла, диваны, кровати-шатры с балдахинами и большие, опускающиеся до самого пола, зеркала – все это придает интерьеру роскошность и помпезность богатых аристократических дворцов. На фасаде и в интерьере можно видеть очень много таких декоративных элементов, как барельефы, скульптурные группы, вазы, картуш и т.п.

Похожие материалы:

Как отличить стили барокко и рококо: dombusin — LiveJournal

Если барокко достаточно легко отличить от классики по трем характерным признакам, то с рококо не все так однозначно.

По сути, стиль рококо – это вырождающееся барокко, на излете царствования, его даже не всегда отделяют от барокко. И это потому, что стиль рококо касается, в основном, интерьеров и живописи, в архитектуре он не так значителен.

Стиль рококо начался после смерти Короля-Солнце Людовика XIV. Если слово «барокко» пошло от названия жемчуга неправильной овальной формы, то рококо – от французского «рокайль», что значит – скальный или ракушечный.

Это от того, что стиль рококо зародился как оформительский для декора вошедших в моду парковых дворцовых гротов и павильонов. Барокко – стиль широких гуляний знати, а рококо – камерных собраний утонченного общества.

В целом, для рококо характерны все черты, присущие барокко – раскреповка ордера, овальные формы, много скульптуры. Но есть три достаточно простых признака, по которым можно уверенно сказать, что интерьер дворца относится уже к стилю рококо, а значит, датируется после 1720 года.

Во-первых, цвет. Барочные цвета – насыщенные, тяжелые, темные: бордово-красный, темно-изумрудный, горчично-бежевый.
Цвет рококо – пастельный, прозрачный: сиреневый, розовый, салатовый, голубой.

Слева — барокко (Зимний дворец), справа — рококо (Гатчинский)

Во-вторых, настроение интерьера и качество лепнины. Барочные формы крупные и контрастные, все эти завитки, волюты, картуши, огромные массивные скульптуры, покрытые широкими мазками позолоты. Масса, строгая симметрия, напыщенность во всем, огромные помещения, массивная мебель.

Лепнина рококо – тонкая, ажурная, преобладают изящные асимметричные растительные мотивы, линии позолоты тонкие и деликатные. Небольшие комнаты с низкими потолками, камерность, игривость и легкость.

В интерьерах появляется много деревянных панелей, покрытых тончайшей резьбой, мебель тоже причудливая, витиеватая, с ломаными линиями и асимметрией, прихотливо гнутыми ножками и мелким растительным декором.

Слева — барокко (церковь Папы Климента), справа — рококо (Ораниенбаум)

В-третьих, живопись, отражающая настроения и моду своего времени. Интересная и простая деталь – в живописи рококо появляется яркий румянец на лицах героев, ранее считавшийся неприличным, а теперь символизирующий юность.

Рококо – это пасторали, галантность и игривость. Небольшие парички, стройность, женственность, жеманность, часто чуть более короткие юбки, не скрывающие щиколотки дам.

Стиль рококо в живописи. Франсуа Буше, «Геракл и Омфала» (1730) и Маркиза де Помпадур (1759)

Стиль Барокко в одежде, фото и характеристика

Стили есть везде – в живописи, архитектуре, музыке, декоративно-прикладном искусстве, интерьере и в одежде, в моде. Говоря о стилях в искусстве, всегда упоминают стили в архитектуре и живописи, но мода также искусство и если в мире «большого» искусства, та самая архитектура и живопись, господствует какой-то определённый стиль, то он обязательно отразится и на моде той эпохи. Причём возникнув однажды, стиль никогда не исчезает, он остаётся в памяти поколений и рано или поздно к нему возвращаются вновь, пускай уже и не в такой буйной, полной, яркой форме как раньше, но какие-то его элементы, его тень, нет-нет, да и появятся вновь.

Сегодня мы поговорим о барокко. И это, несомненно, стиль – лето, стиль – праздник, стиль – сплошной театр. И, наверно, совсем не случайно именно в эпоху барокко в Европе театр развивался активнее всего. Никак не можете понять, что же такое барокко – сходите в оперу, классическую оперу: костюмы, декорации, атмосфера – вот оно истинное барокко.

Если вы любите роскошь и яркие краски, и никогда не остаётесь в стороне светской жизни, если вы запросто можете представить себя на аллеях Версаля или Петергофа в роскошных платьях и напудренных париках той поры, когда они были только что выстроены, если вы любите театр и гротеск, то этот стиль для вас. Но прежде чем говорить о современном барокко, поговорим о том, откуда же он возник, в какую эпоху, и что для него, для этого стиля, было характерно.

Стиль барокко. Самый пышный, самый роскошный, самый яркий, самый театральный. Театральность, роскошь, пышность – вот главные его характеристики.

Стиль барокко неправилен, вызывающ, громоздок. Это стиль богатства, богатства, которое не прячут, роскоши, которой не стесняются. Больше золота и больше красок!

Сначала было Возрождение, XV век, век, в который вспомнили культуру Древней Греции, Древнего Рима. Вспомнили о пропорциях, о симметрии, о композиции. Потом пришла эпоха классицизма – всё должно было следовать правилам, всё должно было быть упорядочено, гармонично, выверено, математически точно. Всё должно было быть спокойно и строго. Классика красива, идеально красива, математически красива, но скучна. И миру надоело скучать. В конце XVI века на смену классицизму приходит барокко.

Стиль барокко итальянцы называли «странным» и даже «пошлым». А само слово «барокко» происходит от португальского «жемчужина неправильной формы». Классицизм был правильным во всём, барокко стало не правильным, совершенно и ужасно не правильным. Слишком. Слишком, вот главное слово для стиля барокко.

Своего расцвета барокко достигнет во Франции при «короле-солнце» Людовике XIV, XVII век, короле, который говорил, что «государство – это я». Абсолютизм – абсолютная, ни чем не ограниченная власть короля, вот ещё одна характеристика той эпохи, эпохи барокко, полная власть и полная роскошь. Плюс церковь. Эпоха Контрреформации, в прошлые века церковь осмелились критиковать, в том числе и за излишнюю роскошь, теперь она вновь встаёт с колен, теперь вновь эпоха роскоши.

Хотите увидеть барокко в архитектуре, мы уже упоминали архитектуру той поры – Версаль, Петергоф, сюда же можно отнести Лувр, сюда же можно отнести Зимний дворец в Петербурге.

Барокко в живописи – это Рубенс, Рембрандт, Веласкес.

Вспомните картины Рубенса – там далеко не худенькие девушки, нет, на них пышные женщины. Пышность в зданиях, на картинах, в одежде, пышность и в теле. Но при этом талия должна быть осиной – пышная грудь и бёдра, но осиная талия. И для этого служили корсеты.

Так при Екатерине Медичи, конец XVI века, придворные дамы при французском дворе должны были иметь талию не более 33 см. Корсеты из китового уса служили и ещё для одной цели – для декольте, в то время в моде было максимально смелое, максимально открытое декольте. В то время в моде также совершенно белая кожа. Никакого загара, ни в коем случае! Дамы даже на улицу выходили со специальной маской, закрывающей лицо, такие маски чаще всего держались в зубах. Кожа должна быть белой, неестественно белой, а платье неестественно ярким. Плюс красная, максимально яркая красная помада на губах.

Идеал женской красоты эпохи барокко полностью воплощает мадам де Монтеспан (фаворитка короля-солнце Людовика XIV), про которую даже в её эпоху иронично говорили, что она одета в «Золотое золото на золотом».

Собственно в литературе эпоху барокко, эпоху роскоши и дворцовых интриг, а также любовных приключения неплохо описывают романы Анн и Серж Голон из серии «Анжелика», есть и несколько фильмов, снятых по этим романам, которые также являются не плохой иллюстрацией эпохи полнейшей и не ограниченной роскоши, эпохи барокко.

Наряд женщины эпохи барокко в первую очередь состоял из корсета, без него просто ни как, потом шла нереально пышная нижняя юбка на китовом усе, именно с помощью него она держала свой объём, китовый ус выступал здесь и в роли каркаса. Такие юбки иногда были объёмны до смехотворности, а кавалеры уж точно теперь вынуждены были держаться на почтительном расстояние от своей дамы, ближе они просто не могли подойти. Поверх одевалось платье с длинным шлейфом. Причём нижняя юбка, обязательно более светлая, была видна из под верхней, более тёмной, ведь она, нижняя юбка расходилась в стороны от лифа платья. В эпоху барокко в моду входят туфли на каблуке, а также перчатки, веера, зонтики и ювелирные украшения – обязательно с драгоценными и обязательно с крупными камнями.

Мужчинам в эпоху барокко также приходилось не сладко. Они носили штаны до колена, щедро украшенные кружевом рубашки. Кружево, вот ещё один символ эпохи барокко. Плюс длинные и обтягивающие ноги чулки. Мужчины также носили кафтаны длиной до колена с отложенным воротником или жабо. Банты – не мужской атрибут? Поверьте, в эпоху барокко и банты, и кружево были обязательны для мужского костюма. Туфли и те носились с бантами, а также пряжками.

Плюс парики, пышные, напудренные парики носили как женщины, так и мужчины. Такие причёски были неимоверно пышны и не менее неимоверно высокими. А ещё в этих париках очень часто заводилась мошкара или даже мыши, всё зависит от объёма головного убора. И голова в таком одеянии неимоверно чесалась, а для этого были специальные палочки, с помощью которых и дамы, и кавалеры, могли чесать себе голову во время балов и официальных приёмов.

Кстати, также хорошей иллюстрацией к одежде, да и самому духу эпохи барокко могут послужить картины испанского художника Веласкеса, его многочисленные портреты испанских принцесс-инфант. Вот уж истинно барокко.

К XVIII веку стиль барокко изначально сойдя до рококо, затем совсем выходит из моды.

Сегодня, что же сегодня мы имеем от стиля барокко.
Во-первых, наряды, пошитые из парчи и бархата, тканей, которые всегда служили лишь стилю барокко.
Во-вторых, многие современные дизайнеры часто обращаются к таким элементам барокко, как пышные рукава и не менее пышные юбки. Так, неимоверно пышная мини-юбка, украшенная бантами и кружевами, будет юбкой в стиле барокко, и никак иначе.
Ну да, конечно, кружева, банты, рюши, драпировки – всё это и желательно побольше также явный признак одежды в стиле барокко. Обувь с пряжками, украшения с огромными камнями, муфты, веера – это всё также заимствовано из стиля барокко.

Из дизайнеров второй половины ХХ века предпочтение стилю барокко всегда отдавал Кристиан Лакруа. Что ж, неудивительно, его дипломная работа была посвящена истории костюма.

Его первая коллекция «Прекрасная арлезианка» также имеет очень много отсылок к стилю барокко. Коллекция была посвящена области Камарг, юг Франции, и отличалась изобилием ярких цветов, пёстрых узоров. Она была весьма близка к барокко, как и многие последующие его коллекции. Яркость, пышность и это пресловутое «слишком», так характерное для барокко, всё это присутствует и в его коллекциях.

Сегодня стиль барокко по-прежнему роскошен и эксцентричен. А одежда в таком стиле может подойти для светских мероприятий и торжественных событий, но при условии, что вам свойственна яркость и вы не боитесь выглядеть «слишком» и «чересчур».

Барокко | Архитектура и Проектирование

Обычно, говоря об искусстве XVII века, отмечают два основных стиля — барокко и классицизм, а также третье, внестилевое реалистическое направление.

Все эти стилевые направления существовали одновременно, а иногда соединялись в одном памятнике, что не всегда позволяет говорить о чистоте стиля в том или ином произведении.

Родиной барокко считается Рим, а наиболее яркие образцы архитектуры этого стиля были созданы в Италии, Испании, Португалии, Южной Германии, Чехии, Польше, Литве, испанских и португальских колониях в Латинской Америке. Во всех этих странах католическая церковь имела очень большое влияние и, таким образом, барокко стал стилем, который она взяла на вооружение.

Началом нового стиля обычно считают строительство небольшой церкви ордена иезуитов — Иль Джезу в Риме, начатое в 1568 г. по проекту Джакомо Виньолы.

Процесс рождения нового стиля можно наблюдать на выходящем на небольшую площадь главном фасаде, выполненном в 1575 г. по проекту Джакомо делла Порта: колонны и пилястры сдвигаются друг к другу, группируются попарно, разрывается антаблемент, поверхность фасада перегружается сильными ритмическими элементами.

Самыми выдающимися мастерами барокко в Италии были Лоренцо Бернини, создавший грандиозный ансамбль Площади Святого Петра в Риме и другие постройки, включая многочисленные скульптуры и фонтаны, и Франческо Борромини, по проектам которого были построены церкви Сан Карло алле Кватро Фонтане, церковь Сант- Иво алла Сапиенца в Риме и др.

В архитектуре барокко нарушаются равновесие масс и пространства, гармония несомых и несущих частей, спокойный мерный ритм, характерные для архитектуры Возрождения. Массы здания оживают, приходят в движение, архитектурные формы начинают теснить друг друга, разрывают границы четких геометрических очертаний, твердый материал превращается в податливую массу, декоративные детали создают причудливую игру света и тени. Планы барочных зданий получают сложные очертания сопряженных овалов и других неправильных форм. Как внешнее, так и внутреннее пространство включается в эту неистовую борьбу. Фасады барочных зданий, причудливо изгибаясь, вовлекают в свое бурное движение прилегающие улицы и площади. Архитектура барокко — это архитектура масштабных городских и загородных ансамблей, давших мощный импульс для дальнейшего развития градостроительства.

Во Франции, создан один из самых замечательных барочных дворцовых ансамблей — Версаль (1668-1689), ставший образцом для роскошных загородных резиденций европейских монархов, включая и русских.

Здание Дворца, построенного по проекту архитекторов Луи Лево и Ардуэна Мансара, сочетает классическую ясность и строгость объемов с барочной организацией внутреннего пространства главной Зеркальной галереи, рамки которого иллюзорно расширяются за счет зеркал и росписей. Обилие позолоты, скульптуры и живописи в интерьерах в дальнейшем станет излюбленным приемом архитектуры барокко. В плафонной живописи изображение небесного свода с ангелочками и облаками в перспективе передано настолько точно, что трудно определить, где проходит граница реального пространства, а где начинается иллюзия реальности.

Для барокко характерно создание огромных ансамблей, в которых архитектура, живопись, скульптура, театр, музыка, декоративно-прикладное и садово-парковое искусство сливаются в единое целое, отмеченное печатью торжественности, пышности, парадности.

В XVIII веке барокко приживается и в России. Новые манеры царского двора и нового русского дворянства, которые со времен Петра I настойчиво вводили в обиход на Руси, требовали и европейского типа дворцов, где можно было устраивать роскошные балы, торжественные приемы, давать богатые обеды. Сам Петр I больше тяготел к протестантской сдержанности архитектуры Голландии, но его дочь, Елизавета Петровна, склонялась к формам пышного итальянского барокко. В годы ее правления (1741-1761) были созданы лучшие образцы русского барокко, отличавшегося от итальянского мирской жизнерадостностью и отсутствием религиозного мистицизма, а от немецкого или австрийского — подчеркнутой масштабностью и монументальным размахом архитектурных ансамблей.

Самым выдающимся архитектором русского барокко был Франческо Бартоломео Растрелли. Его предки родом из Флоренции, отец — скульптор и архитектор Бартоломео Карло, приехал в Петербург еще при Петре. Только Франческо Бартоломео Растрелли смог построить для Елизаветы такой дворец в Царском Селе, который соответствовал бы ее запросам и вкусу. Сам фасад дворца настолько сильно ритмически расчленен мощными «ударами» белых колонн, выделяющихся на голубом фоне, что ни о какой монотонности не может быть и речи. Только присмотревшись, можно увидеть за хором колонн и пилястров традиционное трехризалитное построение здания дворца.

Внутренние помещения расположены на трех этажах, что также соответствует принятой схеме: в нижнем, невысоком этаже находятся служебные помещения, на втором — высоком — анфилады парадных залов и покоев, а на третьем — жилые комнаты царской семьи.

Главный зал дворца — Большая галерея (17 м шириной, 47 м длиной, 7 м высотой, общей площадью 800 кв. м) без единой внутренней опоры. Помимо настоящих окон, здесь еще есть фальшивые — зеркала, искусственно расширяющие огромное внутреннее пространство. Узоры наборного паркета, деревянная позолоченная резьба, роспись плафона — все в этом зале поражает изысканностью, выдающей руку гениального мастера. Все комнаты во дворце разные, есть и китайская, и малиновая, и знаменитая янтарная комната — чудо света, подаренное Петру I в 1716 г. прусским королем.

Из других построек Растрелли нельзя не упомянуть знаменитый Зимний дворец с великолепной парадной лестницей, где архитектор использовал те же эффекты фальшивых окон — зеркал для зрительного расширения пространства, и Смольный собор в Петербурге. Стиль Растрелли невозможно не узнать. Даже в небольших постройках, таких, как собор Смольного монастыря, он сумел создать яркое, жизнерадостное, приподнятое настроение, живую игру света и цвета, торжественный ритм форм, изысканный силуэт пятиглавого завершения.

В разных странах барокко проявлялось по-разному, но свойственные ему характерные черты и формальные признаки можно обнаружить повсеместно. Это сложные криволинейные планы, загущенные колонны, заменившие плоские пилястры Возрождения, разорванный антаблемент, ритмическое разнообразие и насыщенность, мощная пластика стен, бурное движение, борьба масс и пространства, вовлечение в него и внешнего пространства, создание синтеза искусств, объединенных общим замыслом и стилем, создание величественных архитектурных ансамблей в городах и дворцово-парковых — в загородных резиденциях, обилие золота, деревянной и каменной резьбы, пышных декоративных деталей и скульптур, богатая игра цвета и света. Это стиль, основанный на применении классических архитектурных ордерных форм, приведенных в состояние динамического напряжения, иногда доходящего до конвульсий.

ФОРМИРОВАНИЕ СТИЛЯ БАРОККО

Формирование исторического стиля Барокко, прежде всего, связано с кризисом идеалов Итальянского Возрождения в середине XVI в. и стремительно меняющейся «картиной мира» на рубеже XVI- XVII вв.

Вместе с тем, новое искусство стиля Барокко выросло на формах Классицизма эпохи Возрождения. Предыдущее столетие в Италии было в художественном отношении настолько сильным, что его идеи, несмотря на все трагические коллизии, не могли исчезнуть внезапно, они продолжали оказывать значительное влияние на умы людей. А шедевры искусства «Высокого Возрождения» — произведения Леонардо да Винчи, Микеланжело, Рафаэля — казались недосягаемыми. В этом — суть всех противоречий «эпохи Барокко». Это было время болезненных изменений мировоззрения, неожиданных поворотов человеческой мысли, отчасти вызванное великими географическими и естественно-научными открытиями.

В 1445 г. И. Гутенберг положил начало книгопечатанию, в 1492 г. X. Колумб открыл Америку, Васко да Гама в 1498 г.- морской путь в Индию. В 1519- 1522 гг. Магеллан совершил первое кругосветное плавание, к 1533 г. открытие Коперником движения Земли вокруг Солнца стало завоевывать признание. Исследования Галилея, Кеплера и ньютоновская «небесная механика» разрушали прежние привычные представления о замкнутом и неподвижном мире, в центре которого находится Земля и сам человек.

То, что раньше казалось абсолютно ясным, незыблемым и вечным, стало буквально рассыпаться на глазах. До этого времени человек, к примеру, был абсолютно уверен, что Земля — плоское тело, а Солнце заходит за его край, отчего становится темно ночью. Теперь стали убеждать, что Земля — не блин, а шар, да еще вращается вокруг Солнца. Это противоречило зрительным впечатлениям. Человек продолжал видеть по-прежнему: плоскую неподвижную землю и движение небесных тел над головой. Он ощущал твердость материальных предметов, но ученые стали доказывать, будто это всего лишь видимость, а на самом деле — ничто иное, как множество пульсирующих центров электрических сил. Было от чего прийти в смятение.

Правда, законы Кеплера согласовывались с пифагорейской теорией музыки Небесных Сфер, а Ньютон не спешил обнародовать свои открытия. Но, так или иначе, данные науки приходили в противоречие с опытом и видимым образом мира. Произошел бесповоротный психологический надлом — основа будущего стиля Барокко. В конце XVI — начале XVII вв. открытия в области естественных и точных наук значительно пошатнули образ завершенного, неподвижного и гармоничного мироздания, в центре которого — «венец Творения» — сам человек. Если совсем недавно, в эпоху Возрождения ученый- гуманист Пико делла Мирандола утверждал в «Речи о достоинстве человека», что находящийся в самом центре мира человек всемогущ и может «обозревать все… и владеть, чем пожелает», то в XVII столетии Паскаль написал свои знаменитые слова: человек всего лишь «мыслящий тростник», удел его трагичен, так как, находясь на грани двух бездн «бесконечности и небытия», он неспособен разумом охватить ни то, ни другое, и оказывается чем- то средним между всем и ничем…

Он улавливает лишь видимость явлений, ибо неспособен познать ни их начало, ни конец». И это слова великого математика! Какие противоположные суждения по одному и тому же предмету! Две эпохи, два мировоззрения. Английский поэт Джон Донн, современник Шекспира, написал в 1610 г. :

Так много новостей за двадцать лет
И в сфере звезд, и в облике планет,
На атомы Вселенная крошится,
Все связи рвутся, все в куски дробится.
Основы расшатались, и сейчас
Все стало относительным для нас.

Еще раньше, в первой трети XVI в., человек стал остро ощущать противоречия между видимостью и знанием, идеалом и действительностью, иллюзией и правдой. Именно в эти годы складывались взгляды, согласно которым, чем неправдоподобнее произведение искусства, чем резче оно отличается от наблюдаемого в жизни, тем оно интереснее, привлекательнее с художественной точки зрения.

Но эта эстетика уже не согласовывалась с «Божественным идеалом» искусства Рафаэля, это было нечто иное, искусство, получившее позднее название Маньеризма.

БАРОККО В РОССИИ

Термин «Барокко» в России долго не мог утвердиться. Например, еще в середине XIX в. русская критика, ниспровергая стиль Классицизма в архитектуре, тем не менее, «не видела альтернативы колоннам и куполу».

Обсуждались достоинства стилей неоготики и «неоренессанса», но термин «барокко» избегали употреблять.

Архитектор А. Брюллов во время пенсионерской поездки 1822 г. в Италию возмущался «развращенным вкусом» и нелепостью построек Ф. Борромини. Только в 1880- х гг. исследователь древнерусского зодчества Н. Султанов ввел термин «русский Барокко», обозначив им допетровскую архитектуру Руси XVII в. С тех пор существует устойчивая концепция, согласно которой первая фаза стиля «русского барокко» сложилась в 1640- х гг. и этот стиль развивался «в непрерывной последовательности, вплоть до завершивших его произведений В. И. Баженова».

По определению Дмитрия Лихачева, «русское барокко приняло на себя многие из функций Ренессанса, поскольку… настоящий Ренессанс ранее так и не сумел достаточно полно проявиться на Руси». Этот вывод следует из «особенной уплотненности» развития художественных стилей на Руси, в корне отличающих их духовное содержание от западноевропейских прототипов. «Русское барокко в целом, выполняя свою возрожденческую функцию, исторически противостояло средневековью, а не Ренессансу. Отсюда его жизнерадостность и его умеренность, чуждая патетичности западного Барокко». Термин «русское барокко» принимается не всеми, в любом случае он условен и его следует брать в кавычки. По формальным качествам этот стиль ближе к Маньеризму; в нем выделяют стадии «голицынского» и «нарышкинского барокко» — архитектуру «русского узорочья» конца XVII в., «петровское барокко» первой четверти XVIII в., «зрелое русское барокко» елизаветинского времени. Последний стиль получил наиболее яркое воплощение в творчестве выдающегося зодчего Ф. Б. Растрелли Младшего в Петербурге. В эти годы Россия стремительно догоняла Европу и в оригинальной архитектуре, созданной Растрелли, соединились композиционные приемы европейского Классицизма, Барокко и французского Рококо. Поэтому исследователи справедливо отмечают, что сохранение элементов Классицизма, рационализм и прагматизм архитектуры петровского времени обеспечили легкость и естественность перехода к Классицизму второй половины XVIII столетия, «почти минуя стадию истинно- европейского Барокко».

Также своеобразно проявился стиль Барокко, экспортированный из Испании в страны Латинской Америки. В архитектуре Мексики, Аргентины, Уругвая складывался фантасмагоричный стиль, именуемый «ультрабарокко». Он впитал элементы мистического испанского Барокко, напитанные декоративностью испано-мавританского зодчества, и местные фольклорные традиции. В этом стиле все доводилось до бурлеска. «Здесь развивалась архитектура еще более барочная, варварская и фанатичная, безумная в наращивании декора, перед чрезмерностью которого бледнеют даже самые смелые произведения европейского Барокко». Отмечают также, что «благодаря особенности формообразования именно стилю Барокко легко удавалось внедрять классическую ордерную архитектуру в иную культурную среду» и в этом проявлялась важная «цивилизующая роль» стиля Барокко. Даже если учитывать только это, есть все основания считать Барокко великим стилем.

Но в середине XVIII в. с началом эпохи Неоклассицизма и французского Просвещения барокко стало внушать ужас. Французский просветитель Жан Жак Руссо считал этот стиль проявлением дурного вкуса и «искажением прекрасного», да и не он один… Так разительно отличались барочные формы от классицистических и мало кто тогда замечал их внутреннее единство. Тем не менее, господство стиля Барокко, хотя и не полное во всех странах, охватывает огромный исторический период, часто называемый «эпохой Барокко» — около двух столетий (1550- 1750 гг.). В этом случае именем Барокко называется «та особенность целостности в культуре эпохи, которая позволяет рассматривать ее как художественный феномен, так как это период гегемонизма стиля, завоевания им одной из главных функций в культуре». Немецкий архитектор и историк культуры К. Гурлитт на примере личности саксонского курфюрста Августа II Сильного предложил в начале XX века термин «Человек Барокко». По определению Гурлитта, это понятие выводится «в силу особого способа существования личности», когда возникает «попытка реконструкции средневекового христианского единства. .. соединения им персонализма и субъективизма и… выдвижение личности на сверхличностную роль». Культура эпохи Барокко оказывается «специализирующейся на порождении гениев… возникновении нового типа человека». В таком контексте Август II Сильный — «человек неуравновешенной художественной фантазии», достойный представитель своей эпохи, когда «культ богатства, роскоши, придворности и взрывоопасной радости жизни» противопоставляется гармоничной и уравновешенной личности «человека Ренессанса». В то же время, «магистральный путь развития задан Ренессансом — освобождение внутреннего человека». А через «усиление внешнего», в единстве мировоззрения люди эпохи Барокко «находили свободу духа».

В качестве примера барочного мироощущения приводится и архитектура ансамбля Цвингер в Дрездене (можно добавить творения Растрелли в России), и музыка И. С. Баха с ее «соединением остро субъективного духовного переживания, иногда мягчайшего, сентиментального, с укрупненностью чувственной подачи, пышной наглядностью». Подобный подход к «эпохе Барокко» при всей его эффектной широте способен, однако, увести в тень другие, развивавшиеся параллельно с Барокко художественные течения и стили.

Даже в Италии XVII столетия, несмотря на всепоглощающую силу, Барокко не было единственным стилем искусства и жизни. Об этом в 1966 г. в Нью- Йорке опубликована книга Р. Вентури «Сложность и противоречие в архитектуре». Философ X. Ортега- и- Гассет, писатель А. Карпентьер провозгласили барочность человеческой константой, особенно в отношении латиноамериканского мира. Авторы призвали покончить с заблуждением, представляющим Барокко как стиль, порожденный эпохой XVII- XVIII вв. А. Карпентьер писал: «Дух Барокко может возродиться в любой момент… Ибо это дух, а не исторический стиль… Барочность — более чем стиль Барокко… Это своеобразный творческий импульс, циклично повторяющийся на протяжении всей истории искусства в любых его проявлениях, будь то литература, скульптура, архитектура или музыка. ..

Существует дух Барокко, так же как существовал имперский дух. Этот последний можно применить, перескакивая через столетия, к эпохам Александра Македонского, Карла Великого или Наполеона. В истории наблюдается постоянный возврат к имперскому духу, точно так же мы видим постоянный возврат к барочности в явлениях искусства на протяжении длительного времени». Эта барочность, по убеждению А. Карпентьера, знаменует собой «кульминационную точку, расцвет определенной цивилизации». Даже если не согласиться с этим, то нельзя отрицать, что барочность как тенденция нарушения норм, границ, установленных тем или иным историческим типом, искусства, методом, художественным направлением, действительно проявлялась во все эпохи.

Своеобразную «фазу барокко» проходило античное искусство в III- II вв. до н. э. Поэтому античным, или «эллинистическим барокко», называют искусство Малой Азии, Сирии, скульптуру мастеров пергамской школы того времени. Характерной чертой этого стиля является стирание границ между классической эллинской, римской и восточной, азиатской культурами. Не случайно X. Зедльмайр назвал формы искусства Барокко «агрессивно-телесными». Композиции, проникнутые «духом барочности» легко «втягивают в себя» и классический ордер, и античные статуи, и египетские обелиски, и готические фасады с башнями и шпилями, мавританский орнамент, восточные ковры, венецианские кружева и богемское стекло…

Барокко — это эпоха, великая своими грандиозными разрушениями и столь же грандиозными созиданиями, она осталась в истории переломным моментом развития мирового искусства. В то же время, художественный стиль Барокко навсегда вошел в жизнь людей таких стран как Италия, Испания или Австрия. Барокко стало стилем жизни целых народов и культур до такой степени, что, к примеру, Рим, несмотря на свое универсальное значение Вечного города, теперь всегда будет восприниматься барочно. Испанская литература или немецкая философия и музыка в нашем представлении, прежде всего, барочны. Поэтому мы никогда не сможем установить, где начинается стиль Барокко и где он заканчивается. Возможно лишь определить основные принципы и закономерности формообразования, тенденции исторического развития. Во избежание неясности и противоречий толкования термина «барокко» лучше использовать не краткие, а более развернутые формулировки. Например: «художественный стиль итальянского Барокко XVII века» или «историко- региональный стиль немецкого барокко», «барочные тенденции в русской архитектуре конца XVII столетия», «черты барочного мышления в творчестве Рембрандта», «идеи Барокко в творчестве Ф. Борромини» «барочно-маньеристский стиль скульптуры в Польше XVII- XVIII вв.» и т. д.

Остается только удивляться, каким поразительно мощным, грандиозным явлением обернулось в истории искусства стремление художников разных эпох и народов к свободе мышления, высвобождению Духа из оков материи — явлением, изначально названным смешным и глупым жаргонным словечком «барокко». Своеобразной эмблемой Барокко можно считать фантастическую композицию И. Б. Фишера фон Эрлаха «Памятник Александру Великому», отражение юношеской мечты великого Микеланжело — сделать огромную скульптуру, превратив в нее горный пик в Карраре.

МАНЬЕРИЗМ И БАРОККО

Существуют две концепции развития искусства Маньеризма и Барокко. Согласно первой, сторонником которой был М. Дворжак, эстетика Маньеризма, разрушив классицистические нормы искусства Возрождения, заложила основы будущего стиля Барокко. По иной концепции Маньеризм и Барокко, два художественных стиля, развивались параллельно и были во всем противоположны.

Композиции в стиле Маньеризма характерны деструктивностью, эклектичностью и отсутствием определенных принципов организации формы. Произведения стиля Барокко, напротив, отличаются ясностью закономерностей формообразования, целостностью, только иной, чем в искусстве Классицизма. В 1541 г. в Риме была основана «Академия гнева» — для «борьбы с Классицизмом», следующему исключительно «канонам древних». Все новое, необычное, призрачное, динамичное стало казаться красивым. Ясное, уравновешенное, гармоничное — вялым и скучным. Как это ни парадоксально покажется на первый взгляд, именно в стенах итальянских Академий зарождались новые теории «вымышленной гармонии», никак не связанной с реальностью видимого мира.

Так, одним из главных теоретиков искусства Барокко стал живописец- маньерист Ф. Цуккаро, основатель в 1593 г. Академии Св. Луки в Риме и автор трактата «Идея живописцев, скульпторов и архитекторов» (1607), в котором изложены принципы «субъективного видения мира художником». Причем субъективность творчества трактовалась Цуккаро крайне религиозно, мистично, потому мы и относим его «Идею» к теории Барокко, а не Маньеризма.

Искусство Маньеризма носило откровенно гедонистический и светский характер; Барокко — религиозно, возвышенно. Самое замечательное в стиле Барокко, что, возникнув на основе художественных форм, в первую очередь архитектурных, эпохи Возрождения, это искусство вложило в них иное содержание. Впервые в истории в этом стиле соединились две, казалось бы, несоединимые тенденции художественного мышления: Классицизм и Романтизм. Именно с «эпохи Барокко» эти тенденции в дальнейшем тесно взаимодействуют, порождая широкий спектр историко-региональных художественных стилей XVII- XIX вв.

В искусстве итальянского Барокко классицистические формы, сложившиеся еще в античности и «возрожденные» на рубеже XV- XVI вв., стали трактоваться по- новому, необычно, «неправильно» (соответственно названию стиля) — романтично. Поэтому и стиль Барокко с полным основанием может быть соотнесен с романтическим мироощущением. Эта новая духовная особенность искусства Барокко была усилена в Италии, а позднее и в Испании, религиозным католическим мироощущением, приобретавшим в XVI- XVII вв. необычайно мистический, экзальтированный оттенок. Именно здесь, а не в искусстве «Высокого Возрождения» мистика католицизма и изобразительное творчество «нашли друг друга». Поэтому и Барокко иногда называют «стилем католицизма», или «искусством иллюзии.

Стиль барокко в интерьере – богато и колоритно

Основные черты стиля барокко – это тяготение к великолепию

Когда упоминается стиль барокко, то с ним сразу ассоциируется пышность, вычурность, помпезность, которые в этом стиле раскрываются в полной мере. Главная цель и предназначение такого интерьерного стиля – показать статус, солидность хозяина квартиры. Основные черты стиля барокко – это тяготение к великолепию, вычурность, изобилие декоративных украшений, сочетание реального и иллюзорного. Когда декор выполняется в стиле барокко, то в нем обязательно присутствует такой архитектурный элемента как колонны. Также он в изобилии наполнен мрамором, золотом и серебром и всевозможными предметами роскоши.

Гостиная

В гостиной, которая будет выполнена в этом стиле, должно быть много свободного пространства, ведь там будет присутствовать дорогая отделка и роскошная мебель. К месту придутся колонны, лепнина или фрески на стенах и потолке. Стены всегда украшены коврами с длинным ворсом, большими зеркалами в крупных позолоченных или золотых рамах, различными гобеленами.

Если речь заходит о мебели, то она непременно стоит на изящных изогнутых ножках, тахты и диваны имеют округленные плавные формы и мягкую бархатную обивку. В саму обивку могут быть вшиты золотые нити. Уместны будут глубокие кресла и много разных пуфиков, табуретов, стульев, журнальных столиков и так далее. Если гостиная выполнена в стиле барокко, обязательно должен быть большой стол с резным узором, на которой изящная настольная лампа. Тахта или канапе с шестью или восемью ножками в виде консолей очень характерны для барокко. Помимо всего прочего, в гостиной могут стоять комоды с многочисленными ящиками и другая мебель с массивными ручками и различными элементами декора. Люстры для гостиной вы можете с легкостью подобрать в нашем каталоге.

При упоминании всего вышеперечисленного заметно, что в гостиной, обставленной в стиле барокко присутствует много мебели, но следует обратить внимание на размеры самой квартиры. Если она слишком маленькая, то обильное количество мебели сделает из богато обставленного помещения безвкусное скопление вещей.

Последние штрихи – это разнообразные аксессуары и предметы декора. Например, массивная хрустальная люстра, роскошные напольные часы, торшер, портьеры, красивые вазы, скатерти с золотыми кисточками, миниатюры и многое другое. Тем не менее, не стоит забывать, что помимо роскошного и пышного интерьера, гостиная должна быть уютной и элегантной.

Кухня

Кухня, оформленная в стиле барокко, непременно должна быть в меру торжественной и нарядной. Когда будете входить в нее, вам, может быть, будет казаться, что вы перенеслись в средневековье, и являетесь членом знатной и богатой семьи. К сожалению, вам вряд ли удастся в полной мере оформить интерьер в стиле барокко, ибо современные кухни слишком малы, тесны и не могут поместить в себе большое количество пышной и вычурной мебели. В этом случае часть стандартов можно не соблюдать, дабы сохранить функциональность и практичность интерьера. Например, большие шкафы для посуды можно не ставить, а заменить на стандартный гарнитур, бежевый или белый, с множеством резьбы. Столешница может быть сделана из камня, отделку стен можно выполнить из этого же материала.

В такой кухне лучше использовать встроенную бытовую технику, тогда она не помешает вам и не нарушит атмосферу средневековья. Еще один способ спрятать технику – использовать отделку стен деревом под старину. По поводу обеденной зоны можно сказать, что здесь обязаны быть стол с красиво изогнутыми ножками и богато отделанные стулья. Дизайн будет выглядеть более оригинально, если дополнить его красивыми тяжелыми занавесками, большими настенными часами и различными фарфоровыми статуэтками. А люстры для кухни предоставлены в нашем магазине.

Спальня

В спальне непременно должен находиться огромный шкаф, обязательно с резьбой, небольшой туалетный столик с внушительным зеркалом в вычурной крупной раме. Можно добавить цветы, красивые ковры и крупную люстру.

Шикарная и роскошная комната, в которой присутствует атмосфера торжественности – именно такой является спальня, выдержанная в стиле барокко. В данном интерьере используются мрамор, атлас, шелк, редкие породы дерева – красивые и дорогие материалы. Кровать обязательно должна находиться в центре. Лучше всего подходит высокая кровать из ценного дерева. Само дерево должно быть украшено, например, дорогой тканью или витиеватой резьбой. Покрытая лаком кровать тоже будет неплохо смотреться. Оригинальным дополнением может стать балдахин. Изящно будут смотреться небольшие прикроватные тумбочки и настенное бра.

Ванная комната

Санузел тоже можно оформить в стиле барокко, но знайте, что помещение непременно должно быть просторным. Пол должен быть выложен каменными или мраморными пластинами. Стены также украшаются лепниной или колоннами. В помещении должны находиться массивные, вычурные полотенечные стойки, мягкие и удобные пуфы. Одной из самых важных частей в этой комнате является очень большое зеркало, оправленное в широкую позолоченную раму.

Сама ванна может быть выполнена в виде купели из любого материала с небольшими ножками, в форме звериных лап. Ванную комнату можно дополнить, украсив массивными шторами из бархата и роскошными люстрами и подсвечниками.

Дизайнерам возможно купить люстру в интернет магазине ОгниСвета с хорошей скидкой! Только у нас более 16000 товаров от 200 брендов. Для предоставления индивидуальной скидки вам необходимо направить нам ваш запрос в свободной форме на персональную скидку, наш менеджер свяжется с вами и откроет вам, на сайте, личный кабинет!

Роскошный стиль барокко в интерьере

Торжественность и помпезность – вот те основные характеристики, которыми можно описать настроение и атмосферу стиля барокко. Эпохой расцвета и максимальной популярности этого стилевого направления принято считать 18 век. Тем не менее, и в наши дни дизайнеры широко используют его узнаваемую манеру для создания эксклюзивных интерьеров.

История возникновения стиля

Как самостоятельное направление в архитектуре и внутреннем оформлении интерьеров стиль барокко зародился на рубеже 16-17 вв. как противовес классицизму и рационализму. Родиной этого течения стала Италия, а именно ее крупные центры Рим, Мантуя, Флоренция, Венеция.

Известно, что в 16 в. Италия выступала в качестве культурного и духовного центра средневековой Европы. При этом страна достаточно быстро теряла ведущие позиции в экономическом и политическом плане. Желая упрочить свое положение в условиях уменьшившихся материальных возможностей, церковь и аристократия стремятся доказать свою состоятельность при помощи иных средств. Одним из них стало искусство, создающее видимую иллюзию достатка и могущества. В интерьерах иконы уступают место пейзажам, в жизни на смену паломничествам приходят прогулки-променады, в качестве развлечений появляются балы-маскарады, карточные игры, прогулки на лошадях, фейерверки.

Происхождение самого термина «барокко» не имеет единозначного прочтения, но в большинстве случаев именно его применяют для обозначения чрезмерности, вычурности, необычности и даже странности.

Отличительные черты

Естественно, что новый стиль нашел воплощение во всех областях человеческой деятельности.

Архитектура в стиле барокко представляет собой колоссальные сочетания сложных, зачастую криволинейных форм, невероятную масштабность, изобилие скульптурных включений. Колоннады, пилястры, нефы – все это неотъемлемые элементы архитектуры барокко. Именно этот стиль сделал обязательным своим компаньоном «французский» парк (парк с правильной геометрией), который непременно разбивался у роскошных дворцовых комплексов.

Оформление интерьера в стиле барокко также требовало соблюдения определенных канонов. Несмотря на то, что направление противопоставляло себя классицизму, оно широко использовало присущую классицизму симметрию при создании роскошных интерьеров. Невероятно популярной стала настенная живопись, как элемент украшения пространства. В качестве декоративных элементов широко используется лепнина, позолота, мраморные полы с шахматным орнаментом, массивные зеркала и светильники.

Роскошная деревянная мебель в стиле барокко заслуживает отдельного разговора. Гигантские шкафы, комоды, кровати с балдахинами производились из ценных пород древесины. Диваны, стулья и кресла богато декорировались резьбой и позолотой, обивались дорогими тканями со сложным орнаментом.

В заключение хочется сказать, что вычурный, чрезмерный и помпезный стиль барокко не подходит для небольших помещений: в них он не создаст должного впечатления, а только перегрузит пространство. Барокко – направление, которое требует больших площадей. Именно в таких он сможет в полной мере «заиграть» своими красками и привнесет в интерьер особый колорит европейского средневековья.

Барокко: искусство, определение и стиль эпохи

Стиль и характеристики

Движение в искусстве барокко не имело реальной директивы или конкретной школы. Вместо этого он состоял из многих великих школ и художников по всей Европе на протяжении 150 или около того лет эпохи барокко, охватывающих широкий спектр стилей. Кроме того, количество гениального мастерства из разных стран, школ, стилей и областей привносит дополнительный уровень субъективности в то, что барокко может означать для наблюдателя за художественным движением.Поэтому лучший способ приблизиться к отображению характеристик искусства барокко — это часто взаимодействие с конкретными школами, художниками и художественными средами. Как правило, основными чертами проявления живописи барокко являются драматизм, глубокие цвета, драматический свет, резкие тени и темный фон. В то время как искусство эпохи Возрождения стремилось подчеркнуть спокойствие и рациональность, художники эпохи барокко подчеркивали резкие контрасты, страсть и напряжение, часто предпочитая изображать момент, предшествующий событию, а не его возникновение.

Живопись в стиле барокко

Самые выдающиеся художники эпохи барокко родом из Нидерландов, Италии и Испании. Как правило, они были связаны с человеческими субъектами или субъектами и изображали похожие сцены. Ренессансные сферы власти по-прежнему доминировали в художественных направлениях их культур, и, соответственно, большую часть заказов составляли портреты королевских особ, религиозные сцены, изображения королевской жизни и общества. Однако с эпохой барокко произошел подъем истории и пейзажной живописи, а также портретов, жанровых сцен и натюрмортов.

Такие картины процветали именно в Нидерландах. Среди великих голландских художников эпохи барокко были Рембрандт ван Рейн, Йоханнес Вермеер и Питер Пауль Рубенс. Их мастерство в медиуме было востребовано королевскими домами по всей Европе. Таланты голландских художников были настолько велики, что Карл Клаус и Виктория Чарльз заметили, что «он [Рубенс] — единственный, кто приблизился к Микеланджело в разыгрывании драмы» и что «как колорист Рубенс, возможно, даже затмил Микеланджело».

Йоханнес Вермеер, Девушка с жемчужной сережкой , ок. 1665

Соперничая с голландскими и испанскими художниками калибра Диего Веласкеса, итальянские художники эпохи барокко прониклись наследием ренессанса и стиля маньеризма. Двумя ведущими живописными школами Италии были так называемая «эклектика» семьи Карраччи и их академии, с одной стороны, и натурализм, с другой — революционный стиль, основанный Микеланджело Меризи да Караваджо, сломавший барьеры между религиозными и популярное искусство и избегали идеализации религиозных или классических фигур, изображая также обычных живых мужчин и женщин в современной одежде.

Караваджо, Ужин в Эммаусе, 1606.

Барочная скульптура

Многие великие художники эпохи барокко были не только скульпторами, но и архитекторами, и в их творчестве можно увидеть общие черты. Ключевое сходство заключается в отказе от прямых линий, что приводит к появлению все более живописных скульптур, в которых подчеркиваются движение и экспрессия.

Скульптура в стиле барокко в первую очередь была связана с изображением библейских сцен, вдохновленных церковью, но также и с верованиями самих скульпторов, поскольку многие также работали над нестандартными изображениями библейских эпосов.Будь то сцены из Ветхого или Нового Завета, желанием большинства скульпторов эпохи барокко было изобразить пафос, а также движение. Ведущей фигурой барочной скульптуры, безусловно, был итальянский художник Джан Лоренцо Бернини.

Джан Лоренцо Бернини, Экстаз святой Терезы, 1647-1652.

Архитектура барокко

В начале 17 ^го века итальянские архитекторы были доминирующими талантами в Европе. Огромная конкуренция за контракты, предлагаемые церквями и Ватиканом между Джаном Лукой Бернини, Франческо Борромини, Бальдассаре Лонгена и другими, привлекла внимание остальной Европы, вскоре распространив стиль по всему континенту.Королевские дворы отчаянно нуждались в проектах великих итальянских архитекторов. Архитектура барокко характеризуется замысловатыми деталями и чрезмерным декором. Элементы архитектуры эпохи Возрождения были сделаны грандиознее и театральнее, подчеркнуты оптическими иллюзиями и расширенным использованием живописи trompe-l’œil . С началом 18 века центр европейской архитектуры сместился во Францию. Там Жюль Ардуэн-Мансар оторвался от стиля барокко и вернулся к классицизму, а Шарль Лебрен поднял стиль и его традиции на новую высоту, спроектировав Galerie des Glaces в Версальском дворце.

Шарль Лебрен, Galerie des Glaces , Версальский дворец.

Мебель в стиле барокко

Вдохновленные азиатскими декоративными техниками, привезенными в Европу голландскими, португальскими и английскими торговцами и исследователями в начале 17 ^-го -го века, мебельщики Нидерландов (Бельгия, Нидерланды, Люксембург) объединили эти новые техники с традиционными. эпохи Возрождения, чтобы удовлетворить потребности и пожелания своих клиентов.Затем этот технический прогресс распространился на другие центры производства мебели во Франции, Германии, Англии и Италии. Витые колонны, декоративные детали, иностранное или отечественное дерево и тяжелая позолота из различных металлов — все это определяло мебель в стиле барокко, все вместе, чтобы создать гармонию движения и необычности.

В отличие от других художественных средств периода барокко, мебельный стиль барокко был ограничен 17 ^-м -м веком. После этого в мебели преобладали роскошные вкусы короля Франции Людовика XV, который вместе со своими мастерами разработал стили Регентства и рококо.Вкус короля вскоре стал вкусом остальной Европы, даже в Англии, где производители мебели пытались сопротивляться асимметричному дизайну рококо.

Прекрасный образец голландского шкафа, изготовленного в конце 17 века.

Барочная музыка

Эпоха барокко была временем музыкальных инноваций. Сегодня музыка барокко всемирно известна благодаря немецким композиторам Георгу Фридриху Генделю и Иоганну Себастьяну Баху, но в то время на сцене доминировали итальянские композиторы.Их наследие живет в музыке Антонио Вивальди, Клаудио Монтеверди, Арканджело Корелли и их выразительных партитурах. Чтобы создать музыку наравне с классическими греческими и римскими драмами прошлого, итальянские композиторы применили новые способы игры и представили новые аспекты композиции. Ища динамику и эмоции вместо царственной статичности, они разработали новый музыкальный язык, который позволил получить великолепную драматическую интерпретацию. Большая часть этого музыкального языка все еще используется по сей день, а также такие формы, как кантата, концерт, соната, симфония и опера возникли в период барокко.

Соответствующие источники, чтобы узнать больше

Узнайте больше о других важных течениях и стилях в искусстве:
Ар-деко
Дадаизм
Импрессионизм

Барочное искусство и архитектура Обзор движения

Le debarquement de Marie de Médicis au port de Marseille le 3 ноября (ок.

1622-25)

Художник: Питер Пауль Рубенс

На этой картине изображено прибытие королевы Франции Марии де Медичи, одетый в ослепительное серебро, в сопровождении великой герцогини Тосканской и герцогини Мантуанской, высаживается на красный парапет.Солдат в синем плаще с золотым узором геральдической лилии , обозначающим Францию, раскрывает руки, чтобы поприветствовать ее. Над ней мифологическая крылатая фигура, представляющая Славу с двумя трубами, предвещает ее прибытие, чтобы выйти замуж за короля Генриха IV. Диагональ красного парапета, идущего от золотого носа корабля, создает ощущение движения, а также делит картину на два разных мира; элегантный и утонченный мир знати наверху и классическая мифологическая сцена внизу. Три греческие наяды, богини моря, которые обеспечивали безопасные путешествия, заполняют нижнюю рамку.Слева от них Нептун с седой бородой протягивает руку, чтобы успокоить море, а рядом с ним бог Фортуна опирается на лодку, управляя ею. Эти мифологические фигуры придают прибытию королевы величие и аллегорический смысл, но в то же время три обнаженные наяды затмевают событие своей динамичной чувственностью.

Мастерские композиции Рубенса, сочетающие богатство истории и аллегории с изображением знаковых моментов в сценах визуального изобилия, пользовались большим спросом у знати.Беззастенчивая чувственность его обнаженных женских фигур в полный рост также была новаторской и настолько характерной, что их до сих пор называют «рубенесками». Как писал искусствовед Марк Хадсон: «Он импортировал протобарочную живопись Тициана и Микеланджело и суровый реализм Караваджо в Северную Европу, объединив их в физически гигантское, чувственно перегруженное, торжествующее католическое искусство».

Это была одна из 24 картин, заказанных Марией Медичи в 1621 году, после убийства ее мужа Генриха IV, для создания цикла, увековечивающего ее жизнь.Возможно, она также была заинтересована в том, чтобы изобразить свое законное положение, поскольку напряженность между правящими фракциями Франции и «иностранной» королевой привела к ее изгнанию из двора в 1617 году. Рубенс, самый известный художник в Северной Европе, был привлечен к комиссия, поскольку она дала ему разрешение исследовать светскую тему, которую он мог сообщить с помощью аллегорических и мифологических трактовок. Историк искусства Роджер Авермэте писал о произведении: «Он окружил ее [Марию Медичи] таким множеством принадлежностей, что в каждый момент она почти отодвигалась на задний план.Возьмем, к примеру, Высадку в Марселе , где все смотрят только на сладострастных наяд в ущерб королеве, которую Франция принимает с распростертыми объятиями». проинформировал художников рококо, которые последовали за ними, включая Антуана Ватто и Франсуа Буше. Он также оказал влияние на Эжена Делакруа, Поля Сезанна и Пабло Пикассо. Хотя он менее известен, его пейзажи также повлияли на JMW.Тернер, Джон Констебл и Томас Гейнсборо. Как писал Марк Хадсон: «От Рембрандта, Ватто и Делакруа до Сезанна и Пикассо рубенская чувствительность сильно и глубоко пронизывает западное искусство».

Стиль барокко

Хотя термин «барокко» часто является лишь обозначением времени, теперь мы будем использовать его для определения стиля как в живописи, так и в скульптуре. Характеристики стиля барокко следующие:

Глядя на приведенные ниже работы, проверьте эти определения.

Все изображения с пометкой ^MAS были сфотографированы на месте Мэри Энн Салливан. Все остальные изображения были отсканированы из других источников или загружены из всемирной паутины; они размещены на этом защищенном паролем сайте в образовательных целях только в колледже Блаффтон в соответствии с пунктом о «добросовестном использовании» закона U. С. авторское право.

	Бернини Плутон и Персефона 1621-
	Бернини, работы которого мы часто будем видеть на этом сайте в стиле барокко, изображает сюжет из классической мифологии: похищение Персефоны Плутоном, богом подземного мира. Бернини очень драматично показывает кульминационный момент. Работа очень реалистична, что особенно видно по интересу Бернини к текстурам, которые обычно не изображаются так натуралистично в скульптуре.Здесь даже мимолетные слезы запечатлены в камне.
	Бернини Аполлон и Дафна 1622-25
	Еще одна ранняя работа Бернини, эта скульптура также изображает соблазнение, происходящее из классической мифологии, рассказанной Овидием. (Бернини, чрезвычайно религиозный художник, в своей дальнейшей карьере продолжал изображать религиозные сюжеты.) В этой истории Дафна спасена от изнасилования богами, которые превратили ее в лавровое дерево.Хотя эту метаморфозу нелегко передать реалистично, Бернини это удается! Здесь, в кульминационный момент, мы видим, как ее ноги превращаются в стволы деревьев, а руки — в листья. Представьте, как сложно изобразить листья на мраморе.
	Бернини Давид 1623
	Изображение библейского героя у Бернини гораздо динамичнее, чем у Микеланджело.Он изображает кульминационный момент так же, как Дэвид о качелях. Ноги Давида широко расставлены, и он смотрит вперед на Голиафа, находящегося в зрительском пространстве вне зоны скульптуры. Это иллюстрирует еще одну характеристику барокко: скульптура часто вторгается в пространство зрителя.
	Bernini Алтарь св. Терезы с Экстаз св. Терезы 1645-52
	Некоторые работы в стиле барокко трудно охарактеризовать средствами массовой информации — это скульптура, архитектура или и то, и другое? (Также см. Бернини Baldacchino .) Еще одно качество, иногда проявляющееся в искусстве барокко, — это объединение архитектуры и скульптуры. Вся эта часовня от нефа маленькой церкви была задумана как скульптурная картина, целая живописная сцена. Когда зрители стоят в часовне, они вовлекаются в работу, т. е. стираются пространственные границы. Справа и слева от них зрители смотрят в нечто вроде оперных лож. Там они видят рельефные скульптуры членов семьи Коронаро, заказавших работу.Но эти скульптурные фигуры наблюдают за чудом мистического переживания любви Святой Терезы, и это привлекает зрителей в часовне, чтобы они также стали свидетелями чуда. Здесь мы снова видим очень драматичное и эмоциональное произведение. Художники эпохи барокко любят красноречивую драпировку — она объемная и безвольно свисает, чтобы показать изнеможение святого и подчинение божественной любви. Еще одно качество барокко — скрытый источник света, который также помогает передать ощущение откровения. [ Нажмите здесь, чтобы узнать больше о Санкт-Петербурге.Тереза ​​и собственный отчет о ее опыте. ]
Окраска
	Караваджо Ужин в Эммаусе в. 1600
	Караваджо, хотя и недолго, был одним из самых влиятельных художников эпохи барокко. Художники по всей Европе, в частности, копировали его театральные световые эффекты.Подобно барочным скульпторам, Караваджо выбрал здесь самый кульминационный момент в истории — когда ученики узнают воскресшего Христа. Сравните их жестокую и интенсивную физическую реакцию с невежественным трактирщиком. И точно так же, как у Бернини Давид , казалось, вторгается в пространство зрителя, так и здесь укороченные руки как бы прорывают плоскость картины и вторгаются в наше пространство. Хотя это чудесный момент, Караваджо изобразил его правдоподобно. Фигуры не идеализированы, а являются настоящими морщинистыми мужчинами.
	Артемезия Джентилески Юдифь и ее служанка с головой Олоферна 1612-21
	Джентилески, очень известная в свое время художница, была заново открыта учеными-феминистками двадцатого века. Поскольку ее отец был художником, у нее были возможности, недоступные большинству талантливых женщин, которые не могли участвовать в системе ученичества — методе обучения художников.Она была одной из многих подражательниц стиля Караваджо, с одним отличием. Обычно она выбирала истории о сильных, героических женщинах. Какие черты барокко вы можете выделить в этой картине?
	Рубенс Похищение дочерей Левкиппа 1618
	Рубенс, фламандский художник, так же важен, как и Бернини, в распространении стиля барокко.Он был международным художником, написавшим множество картин для покровителей многих европейских стран. Плодовитый художник, он изображал религиозные и мифические сюжеты, писал портреты, придумывал политические аллегории и даже писал пейзажи. Здесь он изображает мифический предмет — одно из тех повторяющихся произведений искусства, в которых мужчина преследует женщину. Сюжет по своей сути драматичен, а нестабильная композиция подчеркивает его драматизм, поскольку элементы вращаются вокруг оси, как вертушка.Цвет Рубенса часто драматичен, и его интересуют реалистичные текстуры — гривы и шерсть лошадей, женское тело и тому подобное.
	Рубенс Снятие с креста 1612-14
	Рубенс жил в католической стране, поэтому ему было поручено написать несколько запрестольных образов. (Художники протестантских стран не имели такой возможности.) На этой большой картине очень эмоционально изображено снятие Христа с креста. Обратите внимание на использование диагонали, обычного средства барокко для подчеркивания драматизма сцены. Сравните этот тип драматической композиции с стабильными композициями Высокого Возрождения, такими как Бракосочетание Девы Марии Рафаэля .

Барокко | Эстетика Вики | Фэндом

Барокко

Десятилетие происхождения

17-18 век

Ключевые цвета

Любой цвет, но популярные цвета включают: темно-фиолетовый, синий индиго, бархатно-красный, изумрудно-зеленый, охристо-желтый, золотой, серебряный, жемчужный, темно-коричневый, черный, белый.

Основные значения

Роскошь, величие, чувственность, экстравагантность, приземленность, напряжение, жизненная сила, страсть, яркость, декаданс

Родственные бренды

Дольче и Габбана
Весаче

Барокко — это термин, используемый для описания преобладающего стиля европейской архитектуры, музыки и искусства 17 и 18 веков.

Термин «барокко» произошел от португальского слова barroco , что означает «бесформенная жемчужина». Barroco впервые использовался для критики чрезмерно богато украшенной музыки эпохи барокко. Позже он также применялся к искусству, моде и архитектуре того периода, но со временем утратил свой уничижительный тон.

Хотя 20-й и 21-й века относительно невелики, в 20-м и 21-м веках возобновился и продолжительный интерес к музыке, искусству и мотивам барокко. Известно, что коллекция Dolce and Gabbana 2012 года, вдохновленная барочной одеждой, подтвердила утонченную многолетнюю тенденцию: возвращение некоторых из самых узнаваемых узоров и цветов эпохи барокко.

История

Известные художники

• Артемизия Джентилески
• Караваджо
• Рембрандт

Зрение

Художественное направление барокко характеризуется мелодраматическими картинами, роскошным орнаментом, использованием глубоких цветов, светотени и асимметрии. На картинах чаще всего изображены сцены из Библии или греческой мифологии и портреты знати.

Общие визуальные эффекты включают:

• Цветы
• Религиозные деятели (святые, ангелы, демоны и т. д.))
• Мифические существа
• Древнегреческие и римские символы
• Небесные тела (планеты, созвездия, солнце/луна и др.)
• Крашеные потолки
• Свечи
• Музыкальные инструменты
• Память о смерти
• Маскарадные шары
• Фонтаны
• Замки
• Большие величественные церкви
• Богато украшенные дворцы
• Оперные театры
• Пасторальные сцены (цветочные корзины, пастухи, влюблённые в лесу и др.)
• Банкеты

Мода:

• Эффектные украшения с крупными драгоценными камнями
• Короны
• Длинные платья со шлейфом
• Бальные платья
• Кружево
• Ленты
• Струящиеся накидки
• Пальто и блейзеры с орнаментом/узором
• Золотая филигрань
• Кисти
• Отделка парчой
• Туфли на остроносом каблуке

Выкройки, ткани и материалы:

• Жаккард
• Дамаск
• Клетчатый
• Туаль-де-Жуи
• Шинуазри
• Флер де Лис
• Мрамор
• Фарфор
• Шелк
• Бархат
• Сатин

Архитектура

В архитектуре период барокко характеризуется величием: позолотой, роскошным убранством, простором. Версальский дворец и работа Бернини в Италии иллюстрируют этот стиль.

Музыка

Музыка в стиле барокко энергична и экстравагантна, как и ее художественные и архитектурные аналоги. Для него характерны извилистые, витиеватые мелодии, а басовая партия часто служит «сердцебиением», которое движет музыку вперед.

Известные композиторы эпохи барокко и некоторые образцы их творчества:

• Иоганн Себастьян Бах
• Антонио Вивальди
• Жан-Батист Люлли
• Джордж Фредерик Гендель
• Арканджело Корелли
• Генри Перселл

Поджанр

Рококо

Рококо , часто называемый поздним барокко, был архитектурным и художественным стилем, разработанным во Франции в первой половине восемнадцатого века.Король Франции Людовик XV часто считается ключевым покровителем и сторонником движения — весьма вероятная гипотеза, учитывая потребность монарха отличаться от короля, который его сменил: Людовик XIV (ключевой покровитель барокко стиль). Рококо берет все тропы и тенденции искусства барокко и преувеличивает их до тех пор, пока не остается ничего, кроме орнамента и искусственности.

Влияние и вклад ЛГБТ

Информацию о ЛГБТ эпохи барокко см. в статьях Википедии о ЛГБТ 17 и 18 веков.

В последние десятилетия некоторые представители ЛГБТ стали использовать эстетику барокко как часть своей сцены или выступления. Певец-новатор Клаус Номи использовал музыку, мотивы и костюмы в стиле барокко в своих выступлениях в 1970-х и особенно 1980-х годах. В настоящее время певец Принц Тупоголовый надевает для выступлений костюмы, стилизованные под барокко. Популярный танцор Карлос Фиттанте специализируется на танцах эпохи барокко и часто выступает в полном костюме; этот танец исцелил его после того, как его партнерша погибла во время терактов 11 сентября 2001 года в Нью-Йорке.

Галерея

Что такое барочная музыка? — Музыка барокко

Что такое «барокко» и когда был период барокко?

Произведенный от португальского barroco , или «жемчужина странной формы», термин «барокко» широко использовался с девятнадцатого века для описания периода в западноевропейской художественной музыке примерно с 1600 по 1750 год. шедевры к деформированной жемчужине могут показаться нам сегодня странными, но для критиков девятнадцатого века, применявших этот термин, музыка эпохи Баха и Генделя казалась чрезмерно украшенной и преувеличенной.Давным-давно избавившись от своих уничижительных коннотаций, слово «барокко» теперь представляет собой просто удобный термин для обозначения одного из самых богатых и разнообразных периодов в истории музыки.

В дополнение к созданию самой ранней европейской музыки, знакомой большинству из нас, включая «Канон» Пахельбеля и «Времена года» Вивальди , эпоха барокко также значительно расширила наши горизонты. Принятие теории Коперника 16-го века о том, что планеты не вращаются вокруг Земли, сделало Вселенную намного больше, а работа Галилея помогла нам лучше познакомиться с космосом.Достижения в области технологий, такие как изобретение телескопа, сделали то, что считалось конечным, бесконечным. Великие мыслители, такие как Декарт, Гоббс, Спиноза и Локк, занимались важными вопросами существования. Такие гении, как Рубенс, Рембрандт и Шекспир, своим искусством предлагали уникальные перспективы. Европейские страны все больше и больше вовлекались во внешнюю торговлю и колонизацию, что привело нас к прямому контакту с ранее незнакомыми частями земного шара. А рост нового среднего класса вдохнул жизнь в художественную культуру, долгое время зависевшую от прихотей церкви и двора.

Наверх

Кто были крупнейшими композиторами эпохи барокко и откуда они?

Многие известные личности первой половины периода барокко родом из Италии, в том числе Монтеверди, Корелли и Вивальди. (К середине восемнадцатого века наше внимание переключается на немецких композиторов Баха и Генделя.) Многие формы, отождествляемые с музыкой барокко, возникли в Италии, включая кантаты, концерты, сонаты, оратории и оперы. Хотя Италия сыграла жизненно важную роль в развитии этих жанров, новые концепции того, что значит быть нацией, усилили императив «национального стиля».«Различия между народами часто слышны в музыке того периода, не только в способах сочинения музыки, но и в условностях исполнения; особенно очевидным был контраст между Италией и Францией. Хотя сегодня может показаться, что некоторые страны претендуют на большую часть нашего опыта музыки барокко, каждая нация сыграла свою роль. Когда музыканты и композиторы путешествовали по Европе и слушали музыку друг друга, новые условности, с которыми они сталкивались, производили на них тонкое впечатление.Некоторые из самых известных композиторов того периода включают следующее:

Италия: Монтеверди, Фрескобальди, Корелли, Вивальди, Доменико и Алессандро Скарлатти

Франция: Куперен, Люлли, Шарпантье и Рамо

Германия: Преториус, Шейн, Шайдт, Шютц, Телеман, Гендель и Бах

Англия: Перселл

Наверх

Какова философия музыки барокко?

Хотя одна философия не может описать 150 лет музыки со всей Европы, в период барокко важны несколько концепций.

Вера в музыку как мощное средство коммуникации

Одно из основных философских течений в музыке барокко происходит от интереса эпохи Возрождения к идеям Древней Греции и Рима. Греки и римляне считали музыку мощным средством общения и могли вызвать у слушателей любые эмоции. В результате возрождения этих идей композиторы все больше осознавали потенциальную силу музыки и культивировали веру в то, что их собственные композиции могут иметь аналогичный эффект, если они правильно имитируют древнюю музыку.Французский ученый-гуманист Артус Тома описал перформанс конца шестнадцатого века:

Я часто слышал, как о сьере Клодине Ле Жене (который, не желая никого обидеть, далеко превзошел в своем понимании этих вещей музыкантов прошлых веков), что он спел арию (которую он сочинил по частям) … и что, когда эта ария была репетирована на частном концерте, это заставило тамошнего джентльмена взяться за оружие и начать громко ругаться, так что казалось невозможным помешать ему напасть на кого-то: после чего Клодин начал петь другую арию… которая передала джентльмен так же спокоен, как и прежде.Это было подтверждено мне с тех пор несколькими, кто был там. Такова власть и сила мелодии, ритма и гармонии над разумом.

В 1605 г. итальянский композитор Клаудио Монтеверди фактически определил «первую» и «вторую» практику: в первой гармония и контрапункт превалировали над текстом; во втором случае необходимость выразить значение слов превзошла всякую другую заботу. В барокко именно дух второй практики — использование силы музыки для общения — стал доминировать над эпохой.

Реалии патронажа
Любое обсуждение художественной философии композитора эпохи барокко должно быть хотя бы слегка смягчено реалиями их жизни. В наше время художники часто зарабатывают на жизнь созданием именно того искусства, к созданию которого они стремятся. Соответственно, мы часто думаем о художнике и степени его или ее творческого вдохновения как о отправной точке для произведения искусства. Однако на протяжении большей части эпохи барокко композиторы зарабатывали на жизнь написанием музыки только в том случае, если им посчастливилось получать заработную плату в политическом или религиозном учреждении. Таким образом, музыкальные потребности этого учреждения диктовали музыку, которую создавал композитор. Бах написал то количество кантат, которое он написал, например, не обязательно потому, что он нашел форму вдохновляющей, а из-за литургических требований лейпцигской церкви, которая его наняла. Если рассматривать музыку барокко в этом свете, она может стать захватывающим окном в историю.

Наверх

Каковы характеристики музыки барокко?

Новый интерес к драматическим и риторическим возможностям музыки породил в эпоху барокко множество новых звуковых идеалов.

Контраст как драматический элемент
Контраст — важная составляющая драматизма композиции в стиле барокко. Различия между громким и тихим, соло и ансамблем (как в концерте), разными инструментами и тембрами играют важную роль во многих композициях в стиле барокко. Композиторы также стали более точными в отношении инструментовки, часто указывая инструменты, на которых следует играть произведение, вместо того, чтобы позволить исполнителю выбирать. Популярность блестящих инструментов, таких как труба и скрипка, также росла.

Монодия и появление бассо континуо
В предыдущие музыкальные эпохи музыкальное произведение, как правило, состояло из одной мелодии, возможно, с импровизированным аккомпанементом, или из нескольких мелодий, играемых одновременно. Только в период барокко понятия «мелодия» и «гармония» начали по-настоящему формулироваться. Стремясь подражать старинной музыке, композиторы стали меньше сосредотачиваться на сложной полифонии, преобладавшей в пятнадцатом и шестнадцатом веках, и больше на одном голосе с упрощенным аккомпанементом, или монодии.Если бы музыка была формой риторики, как показывают писания греков и римлян, то необходим сильный оратор, а кто лучше подходит для этой работы, чем вокалист-солист? Новое слияние между выражением чувств и сольным певцом ярко и ясно проявляется в предисловии Монтеверди к Combattimento di Tancredi e Clorinda из его Восьмой книги мадригалов (1638 г. ), в которой он пишет: «Мне показалось, что главных страстей или привязанностей нашего ума три, а именно гнев, невозмутимость и смирение.Лучшие философы соглашаются, и сама природа нашего голоса с его высокими, низкими и средними частотами указывает на это». Самые ранние оперы являются прекрасной иллюстрацией этой новой эстетики.

Наряду с акцентом на одной мелодии и басовой партии появилась практика basso continuo , метода нотной записи, при котором мелодия и басовая партия выписываются, а гармонический наполнитель указывается в виде стенографии. Как объяснил итальянский музыкант Агостино Агаццари в 1607 году:

С тех пор, как наконец был найден истинный стиль выражения слов, а именно путем воспроизведения их смысла наилучшим образом, что лучше всего удается одним голосом (или не более чем несколькими), как в современных ариях различными способные люди, и поскольку в Риме постоянно практикуется концертная музыка, я говорю, что нет необходимости делать партитуру . .. Достаточно баса с его знаками для гармоний.Но если бы кто-нибудь сказал мне, что для исполнения старых произведений, полных фуги и контрапунктов, одного баса недостаточно, я бы ответил, что вокальные произведения такого рода больше не употребляются.

Поскольку basso continuo, или тщательный бас, оставался стандартной практикой до конца периода барокко, эту эпоху иногда называют «эпохой тщательного баса».

Различные инструментальные звуки
Музыка барокко, которую десятилетиями игнорировали, за последние пятьдесят лет становится все более популярной.В рамках этого нового интереса ученые и музыканты потратили бесчисленные часы, пытаясь понять, как музыка могла звучать для публики 17 и 18 веков. Хотя мы никогда не сможем точно воссоздать спектакль, их работа выявила несколько основных различий между барочными и современными ансамблями:

высота тона: В 1939 году современные оркестры согласились настроиться на а’=440 Гц (нота ля звучала с частотой 440 циклов в секунду), которая заменила более низкую высоту звука (а’=435 Гц), принятую в 1859 году. Однако до 1859 года стандарта высоты тона не существовало. Поэтому нота, на которую настраивались барочные ансамбли, сильно различалась в разное время и в разных местах. В результате музыка, записанная в партитуре, могла звучать на полтона ниже, чем в традиционном исполнении сегодня. Стремясь учесть это несоответствие, многие ансамбли в стиле барокко подстраивают свою настройку под исполняемый репертуар: а’= 415 Гц для музыки позднего барокко, а’= 392 Гц для французской музыки, а’= 440 Гц для ранней итальянской музыки и а’= 430 Гц для классического репертуара.

тембр: В то время как большинство инструментов в ансамбле в стиле барокко знакомы, есть несколько выдающихся участников, которых больше нет в современных ансамблях. Клавесин был основным клавишным инструментом (и важным членом группы континуо), и инструменты, важные в 16 и 17 веках, такие как лютня и виолончель, все еще продолжали использоваться. Вариации на инструментах, популярные и сегодня, также придали ансамблю в стиле барокко другое звучание. Струнные инструменты, такие как скрипка, альт и виолончель, использовали струны из кишечника, а не струны, обернутые металлом, с которыми они натянуты сегодня, например, что придавало им более мягкий и сладкий тон.

техника исполнения : Партитура в стиле барокко содержит мало (если вообще содержит) информации о таких элементах, как артикуляция, орнаментация или динамика, поэтому современные ансамбли должны делать осознанный выбор перед каждым выступлением. Механические различия между инструментами в стиле барокко и современными инструментами также предполагают, что старые инструменты звучали бы по-другому, поэтому такие ансамбли, как «Музыка барокко», часто корректируют свою технику, чтобы учесть это. Поскольку смычки в стиле барокко и современные смычки имеют разную структуру, например, струнники, использующие современные смычки, часто используют более мягкую атаку на струну, а также крещендо и диминуэндо на более длинных нотах.Трактаты об исполнительском искусстве 17-го и 18-го веков также подразумевают, что пальцевое вибрато (техника, при которой струнник качает кончиком пальца по струне, чтобы обогатить тон) использовалось умеренно для выразительных моментов, в то время как вибрато смычка (волнообразное движение смычка) в целом было предпочтительным.

Наверх

Какие музыкальные формы определили эпоху барокко?

В то время как формы более ранних эпох, такие как мотет или определенные танцы, продолжали использоваться, интерес к музыке как к форме риторики вызвал развитие новых жанров, особенно в области вокальной музыки.Многие формы, связанные с эпохой барокко, возникают непосредственно из этого нового драматического импульса, особенно опера, оратория и кантата. В области инструментальной музыки понятие контраста и стремление к созданию масштабных форм породили концерт, сонату и сюиту.

Вокальная музыка

Опера: Драма, которая в основном поется, сопровождается инструментами и исполняется на сцене. Опера обычно чередуется между речитативом , похожей на речь песней, которая продвигает сюжет, и ариями, песнями, в которых персонажи выражают чувства в определенные моменты действия.Хоры и танцы также часто включаются. Появление этого жанра на рубеже семнадцатого века часто связывают с деятельностью группы поэтов, музыкантов и ученых во Флоренции, известной сегодня как Флорентийская камерата. Первой сохранившейся оперой была « Dafne » Якопо Пери, основанная на либретто Оттавио Ринуччини и исполненная во Флоренции в 1598 году; самая ранняя опера, исполняемая до сих пор, — « Orfeo » Клаудио Монтеверди (1607). Все сюжеты первых опер взяты из греческого мифа, отражая тесную связь жанра с попытками воссоздать музыку и драму древних культур, и исполнялись исключительно в аристократических кругах для приглашенных гостей.

Когда в 1637 году в Венеции открылись первые публичные оперные театры, жанр был изменен в соответствии с предпочтениями публики. Сольные певцы приобрели своего рода статус знаменитостей, и в результате больше внимания уделялось арии. Речитатив стал менее важным, а хоры и танцы практически исчезли из итальянской оперы. Сказались и финансовые реалии постановки частых оперных постановок. Захватывающие сценические эффекты, связанные с оперой при дворе, сильно преуменьшались, а либретто были созданы с использованием стандартных сценических приемов. К началу 18 века (особенно в Неаполе) стали очевидны два поджанра оперы: opera seria , в которой основное внимание уделялось серьезной теме, и da capo aria , и опера-буффа , имевшая более легкий характер. , даже комический тон и иногда используются дуэты, трио и более крупные ансамбли. Итальянская традиция оперы постепенно доминировала в большинстве европейских стран. Однако в конце 17 века во Франции уроженец Италии Жан-Батист Люлли и либреттист Филипп Кино создали уникальную французскую версию оперы, известную как tragédie-lyrique .

Оратория: расширенная музыкальная драма с текстом на религиозную тематику, предназначенная для исполнения без декораций, костюмов и действий. Первоначально оратория означала молитвенный зал, здание, расположенное рядом с церковью, которое было спроектировано как место для религиозных переживаний, отличных от литургии. Хотя в репертуаре мотетов и мадригалов есть прецеденты оратории конца шестнадцатого века, оратория как отдельный музыкальный жанр возникла среди превосходной акустики этих пространств в начале 1600-х годов. К середине 17 века оратории исполнялись во дворцах и публичных театрах и становились все более похожими на оперы, хотя тематика, разделение на две части (а не на три действия) и отсутствие сценического действия по-прежнему выделяли их. Некоторые из композиторов, связанных с этим жанром в Италии, включают Джокомо Кариссими, Алессандро Скарлатти и Антонио Вивальди. Популярность оратории росла и в других частях Европы. В протестантской Германии драматическая музыка, сочиненная для использования в лютеранской церкви, постепенно сливалась с элементами оратории, особенно при включении небиблейских текстов.Ораториальная страсть, как ее стали называть, достигла кульминации в великих произведениях И. С. Баха. Другие хорошо известные примеры за пределами Италии включают английские оратории Джорджа Фридриха Генделя, который популяризировал жанр в Лондоне в результате неприязни англичан к итальянской опере. Такие произведения, как « Мессия », « Израиль в Египте » и « Иуда Маккавей », остаются фаворитами публики и по сей день.

Кантата: расширенное произведение, состоящее из последовательности речитативов и стандартных частей, таких как арии, дуэты и хоры.Возникшая в Италии начала 17 века, кантата начиналась как светское произведение, написанное для сольного голоса и бассо континуо, скорее всего, предназначенное для исполнения на частных общественных мероприятиях. Многие из этих произведений были опубликованы, что позволяет предположить, что они были исполнены как профессиональными музыкантами, так и любителями. К середине века кантаты публиковались реже, что свидетельствует о том, что выступления все чаще исполнялись профессионалами. К концу 17 века кантаты начали включать арию da capo и часто сопровождались оркестровым сопровождением.Среди крупных композиторов итальянского жанра кантаты Луиджи Росси, Антонио Чести, Алессандро Страделла, а в первой половине 18 века Алессандро Скарлатти, Гендель, Бенедетто Марчелло и Иоганн Адольф Хассе. За пределами Италии расширяющийся жанр лютеранского мотета начал включать многие элементы итальянской кантаты, особенно приемы драматического выражения, такие как речитатив и ария. Многие кантаты Баха демонстрируют широкое влияние их итальянских аналогов.

Инструментальная музыка

Соната : Используется для описания нескольких типов пьес в эпоху барокко, термин соната чаще всего обозначал произведение в нескольких частях для одного или нескольких инструментов (чаще всего скрипки) и бассоконтинуо; соната для двух скрипок или других скрипичных инструментов плюс бас обычно называлась трио-сонатой.К 1650-м годам сонаты часто классифицировались либо как сонат да кьеза («церковные сонаты»), обычно состоящие из четырех частей, чередующихся между медленным и быстрым темпом и исполняемых в церкви, либо как сонат камеры («камерная соната»). , состоявший из ряда танцев, родственных сюите. Примеры обоих типов можно найти в работах Корелли конца XVII века. В 18 веке Телеман, Бах и Гендель написали множество сонат по образцу сонат Корелли да кьеза .Расцвет сольных сонат для клавишных инструментов начинается в конце эпохи барокко, в том числе для органа (Бах) и клавесина (Гендель, Доменико Скарлатти). Другие известные примеры сольных сонат включают произведения Баха для скрипки без аккомпанемента и виолончели.

Концерт : Произошедший от итальянского Concerto (соединяться, объединяться), концерт принял несколько форм в эпоху барокко. До начала 18 века концерт был просто произведением, объединяющим разнородный ансамбль, состоящий из голосов, инструментов или того и другого.Духовные произведения для голосов и инструментов часто назывались концертами, в то время как подобные светские произведения обычно назывались arie (арии), кантатами или musiche . В то время как масштабные духовные концерты можно найти в творчестве Клаудио Монтеверди, более интимные композиции для одного-четырех голосов, континуо и дополнительных сольных инструментов были гораздо более распространены. В Германии замечательные примеры духовного концерта можно найти в произведениях Иоганна Германа Шейна, Михаэля Преториуса, Самуэля Шейдта и Генриха Шютца (особенно его Kleine geistliche Concerte , или «Малый духовный концерт» 1636–1639 годов).

Позже, в семнадцатом веке, концерт начал принимать свое современное определение: многочастное произведение для инструментального солиста (или группы солистов) и оркестра. Взяв за основу канцоны и сонаты конца шестнадцатого и семнадцатого веков, в которых с большим эффектом использовались контрастные группы инструментов, Concerto Grosso чередует небольшую группу солистов с более крупным ансамблем. Произведения Корелли, особенно его соч. 6, представляют собой, пожалуй, самые известные образцы концерта гроссо конца 17 века.В то время как произведениям Корелли подражали в 18 веке, особенно в сочинении Генделя. 6, многие образцы концерта гроссо 18 века показывают возрастающее влияние сольного концерта (например, Бранденбургские концерты И. С. Баха).

Самым доминирующим типом концерта в 18 веке был сольный концерт, в котором использовался один инструмент, а не ансамбль. Самым плодовитым композитором сольного концерта был Антонио Вивальди, который написал около 350 и установил стандартную трехчастную форму концерта (две быстрые внешние части, одна средняя часть в более медленном темпе). В то время как большинство сольных концертов были написаны для скрипки, концерты для трубы также были популярны, а также концерты для виолончели, гобоя, флейты и фагота. В 1730-х годах Гендель написал 16 концертов для органа, и примерно в то же время Бах также написал несколько концертов для клавесина (большинство из них представляют собой аранжировки ранее существовавших произведений).

Сюита: Основанная на традиционном сочетании танцев эпохи Возрождения, сюита стала первым многочастным произведением для инструментов. По сути, сюита представляла собой серию танцев в одной тональности, большинство из них или все в двухчастной форме.Примерно в середине 17 века в Германии последовательность аллеманды, куранты, сарабанды и жиги стала относительно стандартной, хотя часто вставлялись другие танцевальные движения, такие как дополнительные аллеманды или куранты, бурре, гавоты и менуэты. Большинство сюит также начинались с вводной части, такой как прелюдия, увертюра или фантазия. Для многих композиторов эпохи барокко разные танцы олицетворяли определенных персонажей. В своем « Der volkommene Capellmeister » («Полный музыкальный руководитель»), 1739 г., немецкий теоретик Иоганн Маттесон дал список персонажей каждого танца: менуэт — «умеренное веселье», гавот — «ликующая радость», бурре — «удовлетворенность», courante «надежда», sarabande «честолюбие» и gigue могут обозначать ряд эмоций, от гнева до непостоянства.Сюиты в стиле барокко были написаны как для сольных инструментов, так и для оркестра; те, которые написаны для одного или двух инструментов мелодии и континуо, иногда называют сонатой да камеры. Французские сюиты для клавишных иногда называют ordres (как в произведениях Франсуа Куперена, который вставил множество нетанцевальных движений, включая вызывающие воспоминания зарисовки персонажей придворного персонала.

).

Наверх

Каково было посетить концерт в эпоху барокко?

В наше время посещение концерта — событие. Мы слышим объявление по радио или видим объявление в газете; покупаем билеты; мы идем в концертный зал и тихо сидим, пока не придет время аплодировать. В эпоху барокко такого рода публичные концерты были редкостью. Многие из самых известных композиций в стиле барокко исполнялись в церквях на службе, в рамках частного концерта или праздника в доме богатого покровителя. Однако в эпоху барокко публичные выступления стали более распространенными, особенно в жанрах оперы и оратории, и наша современная концертная традиция начала объединяться во многих европейских городах.Как Роджер Норт описал выступление в одной из первых серий концертов, организованных в Лондоне в 1670-х годах:

Первая попытка была низкой: проект старого [Джона] Банистера, который был хорошим скрипачом и театральным композитором. Он открыл малоизвестную комнату в трактире в Белых монахах; заполнил его столами и сиденьями, а для музыки сделал боковой ящик со шторками. Иногда консорт, иногда соло, скрипка, флажолет, бас-виолончель, лютня и песня all’Italiana , и такие разновидности отвлекали компанию, которая платила при входе. Один шиллинг за штуку, зовите, что хотите, платите по счету, и Добро пожаловать, господа .

Появление публичных концертов сделало растущий средний класс важным источником дохода для музыкантов. К концу барокко это социальное подмножество стало музыкальным покровителем почти таким же могущественным, как церковь или двор.

Наверх

Что пришло после эпохи барокко?

К середине восемнадцатого века барочная идея музыки как формы риторики подверглась нападкам.Музыка обладала удивительно мощной способностью выражать даже самые трудные понятия — но только в ее самой «естественной» форме, которую эпоха барокко якобы запутала. Как сказал Иоганн Адольф Шайбе об И. С. Бахе в 1737 году,

Этот великий человек вызывал бы восхищение у целых народов, если бы он сделал больше приятности, если бы он не убрал в своих произведениях естественный элемент, придав им напыщенный и путаный стиль, и если бы он не омрачил их красоту избытком Изобразительное искусство. Поскольку он судит по своим пальцам, его пьесы чрезвычайно трудно играть; ибо он требует, чтобы певцы и инструменталисты могли делать своими горлами и инструментами все, что он может сыграть на клавире, но это невозможно… Напыщенность привела [его] от естественного к искусственному и от возвышенного к мрачному ; и… восхищаешься тягостным трудом и необычайными усилиями, которые, однако, напрасно используются, поскольку противоречат природе.

Стремление Шейбе к ясности и простоте исполнения намекает на серьезные изменения в музыкальной эстетике: на протяжении всей его обличительной речи окончательным арбитром вкуса являются не Платон или Аристотель, а, в конечном счете, сами слушатели и исполнители. Этот новый акцент на непосредственном мелодическом выражении и ясной музыкальной архитектуре указывает путь к классическому периоду, эпохе Моцарта и Гайдна.

Наверх

Эпоха барокко в Новое время

Хотя период барокко закончился более 250 лет назад, следы той эпохи можно услышать повсюду. Некоторые из самых влиятельных и любимых композиций регулярно исполняются в концертных залах, а множество записей делают барокко доступным по запросу. Многие музыкальные жанры, используемые до сих пор, такие как оратория, концерт и опера, возникли в этот период. Композиторы двадцатого века, такие как Ральф Вон Уильямс, Игорь Стравинский и Бенджамин Бриттен, отдали дань уважения барокко в своих произведениях. Его влияние можно услышать даже за пределами области художественной музыки: свободное движение между соло и группой в джазе иногда сравнивают с музыкой барокко, а фрагменты Баха и Вивальди часто появляются в соло гитаристов хэви-метала.А дух барокко — непоколебимая вера в способность музыки влиять на жизнь людей — навсегда изменил историю музыки.

Наверх

Стиль барокко | Барочные украшения и серебро

Вслед за пиком Ренессанса (который длился с 15 века до начала 18 века) и предшествующим неоклассицизмом (18-начало 19 века) мы находим барокко. Возникнув в начале 1600-х годов в Риме, период барокко считается реакцией на своего жесткого предшественника эпохи Возрождения.Характерные черты барокко включают плавные линии, цветочные мотивы и одержимость симметрией. Он охватывал все элементы культуры: архитектуру, моду, музыку, искусство и (конечно) дизайн ювелирных изделий и серебра. Этот стиль действительно производит впечатление. Он ничем не уступал в плане величия и сложности, о чем свидетельствует его архитектурный стиль. Одним из экстравагантных примеров архитектуры барокко во всей ее красе является Версальский дворец недалеко от Парижа (на фото).Интерьеры церквей в стиле барокко также представляют собой впечатляющие достопримечательности; завитки орнамента заполняют стены и чудесным образом обрамляют впечатляющую фреску. Римско-католическая церковь была одной из первых опор стиля барокко. Чрезмерный, снисходительный стиль послужил отличным протестом против урезанного, сдержанного протестантского стиля, который ранее преобладал по всей Европе. Существовали различные направления этого художественного периода, в том числе рококо, появившееся в 1740-х годах; Рококо было еще более экстравагантным среднеевропейским ответом на итальянское барокко. Стиль барокко царил в Европе примерно до 1750-х годов. Именно в этот момент искусство и культура пережили классический ренессанс: неоклассический стиль. Считается, что этот сдвиг был частично вызван группой французских художников, которых мадам де Помпадур (фаворитка Людовика XV) отправила исследовать Италию. Вечеринка вернулась с возрожденной страстью ко всему классическому, и поэтому стиль барокко оказался на грани гибели. Многие считали неоклассический стиль более достойным по сравнению с причудливым барокко, а некоторые зашли так далеко, что осуждали и высмеивали стили барокко.Неоклассический искусствовед Франческо Милиция, например, писал: «Борроминини в архитектуре, Бернини в скульптуре, Пьер де Кортоне в живописи … это чума хорошего вкуса, заразившая большое количество художников». Ему поддержало утверждение викторианского критика Джона Раскина о том, что барочная скульптура не только плоха, но и морально испорчена. Стиль барокко подвергся упорной критике, но, конечно, какое художественное направление было воспринято совершенно безальтернативно? Сегодня барокко вновь обрело доверие и вызывает восхищение у многих критиков и коллекционеров.В период между двумя мировыми войнами его популярность возродилась, и с тех пор его неизменно ценят. Украшения в стиле барокко Подобно другим элементам эпохи барокко, украшения в стиле барокко отличаются ботаническими мотивами и яркой симметрией. Узор арабески часто использовался в дизайне ювелирных изделий — он состоял из переплетенных плавных линий, часто включающих формы сердца. В соответствии с темой мотивы арабески всегда идеально симметричны.Еще один стиль дизайна, который был известен в ювелирном дизайне того времени, был известен как «мавританский». Как и арабески, он состоял из замысловатого завитка. Он был вдохновлен североафриканским и арабским мавританским орнаментом. Среди других популярных тенденций в ювелирном искусстве того времени были изделия с выемчатой ​​эмалью (исключительные примеры этого можно найти в работах Жана Тутена из Блуа), драгоценные камни в сочетании с желтым золотом и чрезмерное использование жемчуга. Жемчуг вплетали в нити для ношения в виде коротких ожерелий (дополняя моду на платья с низким вырезом), застежек и в женских волосах.В то время жемчуг было относительно легко достать, и большая его часть была добыта в Персидском заливе. В то время также можно было создавать имитации жемчуга, покрывая стеклянные сферы смесью молотой рыбьей чешуи и лака, а затем заполняя сферы воском. Серьги-подвески с жемчугом были особенно популярны в ранний период Барка, и их обычно сочетали с оправой из желтого золота. В качестве классического примера см. культовую картину Вермеера «Девушка с жемчужной сережкой» (на фото).Однако позже предпочтительный стиль серег стал более экстравагантным. Серьги Жирандоль были обожаемы в более поздние годы барокко. Для этих сережек характерна центральная деталь, окруженная свисающими украшениями, создающими эстетику, напоминающую люстру. Бриллианты также были очень популярны в ювелирном дизайне в эпоху барокко. Однако было бы святотатством увидеть ее в бриллиантах в светлое время суток. Они были зарезервированы исключительно для вечеринок и вечеринок при свечах — контекст, в котором их великолепное сияние не пропадало даром.Они стали более доступными в результате расширения торговых соглашений с португальскими и индийскими компаниями. Это позволило английским и голландским торговцам получить доступ к алмазам из месторождения Голконда в районе Хайдарабад в Индии. В эпоху барокко термин «бриллиант» впервые стал использоваться для описания бриллиантов. Бриллианты в стиле барокко чаще всего имели амортизирующую или квадратную форму с крутыми павильонами и коронками. Затем эти бриллианты часто обрабатывали фольгой, чтобы действительно улучшить их сверкающие качества, и помещали в серебро. Одним из неблагоприятных последствий передовых методов огранки, которые разрабатывались в то время, было то, что многие старые бриллианты подвергались повторной огранке, чтобы не отставать от определенной моды. В то время это повышало их ценность. Однако это был позор, так как некоторые вещества из оригинального алмаза будут потеряны. Помимо бриллиантов и жемчуга, другие популярные драгоценные камни периода барокко включали рубин, топаз и изумруд; возможно, за их роскошно яркие цвета, которые дополняли бы экстравагантный стиль.Для людей с меньшим достатком теперь также были доступны высококачественные бижутерия, которые производились в массовом масштабе, в частности, украшения из пасты. Мода на мужские украшения сильно различалась от страны к стране. Французские мужчины были известны тем, что выбирали самые экстравагантные украшения; они, скорее всего, следовали примеру Людовика XIV, у которого была впечатляющая коллекция драгоценностей, в том числе несколько знаменитых бриллиантов. В его коллекцию входил «Бриллиант Надежды» (на фото), которому внушительные 45.52 карата — один из самых известных и желанных бриллиантов в мире. Людовик XIV приобрел это впечатляющее произведение искусства в 1668 году (столетие спустя, в 1791 году, оно было украдено только для того, чтобы снова появиться в 1839 году в собственности семьи Хоуп, но это уже другая история…) На другом конце шкалы находятся испанцы. Им фактически было запрещено законом вообще носить какие-либо украшения в этот период. Ношение украшений также было очень ограничено в Англии из-за пуританского правления. Однако те, кто близок к Оливеру Кромвелю, иногда надевали роялистские украшения с миниатюрными портретами казненного короля Карла I. Серебро в стиле барокко Как и следовало ожидать, в серебре в стиле барокко присутствуют схожие темы и мотивы – цветочные украшения и плавные узоры. Серебру в стиле барокко предшествовал аурикулярный орнаментальный стиль, который был очень популярен в Северной Европе. Аурикулярный (также известный как «лопастной») характеризовался плавными абстрактными рельефными узорами. Основное стилистическое различие между ушной раковиной и барокко заключалось в том, что ушная раковина имела тенденцию иметь асимметричный дизайн; именно эта особенность дала название движениям, поскольку их сравнивали с видом человеческого уха сбоку. Возвращаясь к технике изготовления изделий из серебра в стиле барокко, чеканка была излюбленным методом той эпохи. Это произошло потому, что это техника, с помощью которой легче реализовать сложные конструкции. На серебре в стиле барокко орнамент, как правило, использовался как украшение, а не как неотъемлемая часть самого изделия. Благодаря этому серебряные мастера могли придерживаться довольно простых форм, а затем сильно их украшать. Однако исключением из этой общей практики была чаша-тюльпан, напоминающая богато украшенный кубок, выполненный в форме высокого тюльпана — многие из них были изготовлены семьей Феррн из Нюрнберга. Возвращаясь к технике изготовления изделий из серебра в стиле барокко, чеканка была излюбленным методом той эпохи. Это произошло потому, что это техника, с помощью которой легче реализовать сложные конструкции. На серебре в стиле барокко орнамент, как правило, использовался как украшение, а не как неотъемлемая часть самого изделия. Благодаря этому серебряные мастера могли придерживаться довольно простых форм, а затем сильно их украшать. Однако исключением из этой общей практики была чаша-тюльпан, напоминающая богато украшенный кубок, выполненный в форме высокого тюльпана — многие из них были изготовлены семьей Феррн из Нюрнберга. Иногда мастера-серебряники решали объединить несколько стилей и техник в одном изделии. Впечатляющим примером этого является блюдо, приготовленное Йоханнесом Лутмой; венчик блюда украшали рельефные сельские сюжеты с изображением времен года, а каждый картуш был окружен лопастным орнаментом. Еще одним известным мастером по серебру, воплотившим общее ощущение стиля барокко, был Клас Бердт из Босвальда. Баэрдт мастерски освоил темы украшения в стиле барокко с цветочными мотивами, такими как тюльпаны, которые покрывали целые поверхности столового серебра. Сегодня мы можем найти гораздо больше образцов серебра в стиле барокко, созданных после 1660 года, чем когда-либо прежде. Это связано с тем, что после реставрации Карла II (1660 г.) практика плавки серебра резко сократилась в связи с наступлением более мирной эпохи (излишки металла больше не были отчаянно необходимы для повторного использования в войне или внутренних беспорядках). Однако после этого момента много серебра все еще было переработано, поэтому не все осталось.

Приближение к стилю барокко с современными струнными исполнителями

Введение

В этом интервью с редактором Vox Humana Кристофером Холманом Закари Карреттин, известный американский скрипач эпохи барокко и директор фестиваля Баха в Боулдере, представляет практические методы репетиций, стратегии заключения контрактов и методы дирижирования, которые могут научить современных струнных исполнителей играть музыку в стиле барокко в исторически обоснованным способом.

–––––––––––––––––––––––

Закари, большое спасибо, что согласились на это интервью. Я обнаружил, что многие органисты часто не знают основных исполнителей на исторических инструментах в США и Европе. Для начала, не могли бы вы рассказать о своем пути как профессионального музыканта?

Мне посчастливилось учиться в Хьюстоне в конце 1980-х, благодатном времени для практики исторического перфоманса. Серджиу Лука только что основал Da Camera Society и преподавал в Университете Райса.Кен Голдсмит учился в Университете Хьюстона (позже Университет Райса), и эти двое привезли с собой таких артистов, как Роэл Дилтьенс (виолончель) из Бельгии, Ричард Вулф (альт) из Амстердама, Чарльз Нейдич (кларнет) и многие другие, которые внесли свой вклад на процветающую, но небольшую историческую музыкальную сцену, играющую для публики, желающей стать свидетелем музыкальных путешествий проницательных и любознательных артистов. Затем Серджиу начал «Музыку в контексте», а его коллега Брайан Коннелли исполнил на множестве фортепиано от классического периода до позднего романтизма в камерной музыке в этой серии.

Когда я учился на втором курсе старшей школы, Кен дал мне в руки скрипку в стиле барокко, пару смычков, стопку рукописей, первых изданий, критических изданий, книг и записей и сказал: «Хорошего лета». В старших классах я читал Неймана, Доннингтона, Арнонкура, первоисточники, статьи и вырабатывал стиль орнаментации, который укреплял мое отношение к инструменту.Позже я стал учеником Серджиу, выступал с Брайаном, дважды участвовал в их летнем фестивале камерной музыки. на побережье Орегона, трижды ездил в Италию по исследовательским грантам рукописей в сотрудничестве с Кеном, записывал только что воскресшие квинтеты восемнадцатого века и так далее, и тому подобное.Все это было частью моей средней школы, бакалавриата и магистратуры. Поэтому самая первая соната Брамса, которую я когда-либо играл, была отрепетирована и на струнах из кишки, и на металлических струнах вместе. К 1993 году я уже слышал музыку Чарльза Айвза, исполненную на исторических инструментах начала двадцатого века, и принял вызов, связанный с игрой квартетов Гайдна на современных инструментах, сыграв и услышав их на инструментах звукового мира Гайдна. Все это было только начало, и как же мне повезло!

Во время учебы в аспирантуре я играл на инструментах в стиле барокко в Хьюстоне, а затем на фестивале Моцарта в Сан-Луис-Обиспо, где познакомился с такими светилами, как скрипачка Элизабет Блюменшток и басистка-виртуоз Кристен Зерниг.В конце концов я переехал в Беркли, чтобы играть со многими изысканными артистами в таких ансамблях, как American Bach Soloists и Philharmonia Baroque Orchestra. Я пробыл пять лет в качестве последипломного углубленного профессионального образования, после чего перешел к концертмейстерской и сольной работе, и к дирижированию. Естественно, я продолжал учиться в США и Европе и многим пожертвовал, чтобы иметь возможность это делать. В конце концов я учился дирижированию у Дмитрия Гойи, который был учеником Рабиновича, ассистентом Мравинского и был знаком с Шостаковичем (а Гойя присутствовал на многочисленных мировых премьерах произведений последнего).Мои учителя зажгли огонь в любознательном духе, и моя жизнь до сих пор была чудесно окрашена художниками, которые вдохновляли меня своей философией искусства, их особыми процессами и тем, как они использовали исторические и современные инструменты в качестве инструментов для исследования.

Чем вас привлекла барочная скрипка? Как современные скрипачи интересуются старинными инструментами?

Книга Питера Киви, Аутентичность: философские размышления о музыкальном исполнении , исследует мотивы поиска аутентичных методов исполнения на исторических инструментах.Одна глава посвящена подлинности как звуку. Звуковой мир тех Франца Брюггена (живых) записей симфоний Бетховена, а затем сравнение их с Гардинером открыл двери восприятия. Чувство аффекта, риторические высказывания и восприятие музыки как речи вызывали у меня и моих сокурсников трепет. Кен использовал студийные занятия, чтобы показать всем нам интерпретационные различия, например, воспроизведя запись, на которой Караян дирижирует увертюрой к «Дон Жуану», а затем противопоставил ее Гардинеру.Затем класс обсуждал метр, темп, скорость гармонической деятельности, участвуя в восприятии и диалоге вместе.

Говоря о звуке, я играл на скрипке Санто-Серафино Серджиу, инструменте, который никогда не менялся и поэтому находился в своем первоначальном барочном состоянии. В 1993 году я играл на скрипке Grancino Сигисвальда Куйкена в Бельгии, также в ее оригинальном состоянии, и вскоре после этого услышал Саймона Стэндиджа на его Grancino в Праге, также без изменений. Это также был важный опыт, чтобы услышать силу, глубину, отклик и великолепную кантилену этих инструментов, которые также имели квинтэссенцию «барочного» звука.В эти годы я играл с органистами во многих северных итальянских церквях и был очарован звучанием этих инструментов в их оригинальном акустическом окружении. Слышание полифонических линий легато, звучащих с ясностью и красотой в этих каменных пространствах, произвело впечатление и снова соединило меня с музыкой через особый звуковой мир.

Многие из нас, органистов, в той или иной степени заинтересованы в исполнительской практике, хотя обычно мы не играем на струнных инструментах. Кроме того, в большинстве районов США не так много старинных струнников.S. — Итак, если мы, например, соберем оркестр современных инструментов среднего размера, чтобы исполнить что-то вроде Vivaldi Gloria с нашим церковным хором, что мы можем сказать современным музыкантам на первой репетиции, чтобы помочь им? попасть в «режим исполнительской практики»?

Тот, кого вы нанимаете в качестве концертмейстера, оказывает наибольшее влияние на звучание вашего оркестра, удары смычка, фразировку деревянных духовых и общее чувство ансамбля. Платите больше, чтобы получить на это место подходящего музыканта, и желательно того, кого уважают, так как игроки будут часто смотреть на него/нее.Это может смутить молодого дирижера; просто помните, что музыканты обращаются к концертмейстеру за началом нот и выпусков, а также за тем, какую часть смычка использовать. Им нужно смотреть на него чаще, чем на кондуктора, и более прямо. Исполнители смотрят на дирижера более периферийно, за жестом, звуком, формой фразы / строки, динамикой и характером артикуляции. Когда концертмейстер и дирижер знают друг друга и познакомились по поводу нюансов репертуара, ансамбль играет лучше и выигрывает от «связанного» руководства.

Ваш концертмейстер должен отыграть свою партию за несколько недель до того, как выйдет музыка, а затем второй скрипач, альтист, виолончелист и басист получат PDF-файл или копию партии концертмейстера, чтобы они тоже могли повторить смычки. Если это сделать до того, как партии будут отправлены по почте, ваш оркестр будет звучать так, как будто у них уже была одна репетиция. Концертмейстер может выбрать полную партитуру, что предпочтительнее, потому что, хотя у вторых скрипок одинаковая ритмическая фигура, их может быть смещено — на более слабой гармонии или пульсе, что предполагает, что они должны делать противоположный смычок (возможно).

Часто у нас нет ни роскоши, ни времени, чтобы сделать все, что я сказал. В этом случае вы можете рассмотреть вопрос о том, чтобы концертмейстер провёл полную струнную секцию (три часа, если ваша программа не короткая). Он / она может решить эти проблемы, и можно записать поклоны, не расстраиваясь дирижеру из-за того, что репетиция кажется потраченной впустую. (Обязательно наблюдайте, а то у концертмейстера могут возникнуть к вам вопросы).

В любом случае (заблаговременная отметка партий смычком или секция струнных) дирижер должен либо встретиться с концертмейстером заранее, чтобы пройтись по фразам, и/или должен отметить партитуру динамикой/артикуляцией/темпом поэтому концертмейстер знает, какого стиля дирижера он должен добиться. Делая это много раз в течение многих лет, дирижер-клавишник учится многим важным и тонким аспектам, которые сделают его / ее еще более блестящим в качестве музыкального руководителя. Понимание разницы между идеалом и механикой реальности — вот что заставляет инструменталистов получать удовольствие от игры для дирижера.

Наконец, чтобы ответить на ваш вопрос: нужно прослушать записи многих старинных инструментов, посмотреть видео ансамблей на YouTube и посетить живые концерты в исполнении лучших исполнителей, чтобы знать о возможностях (и ограничениях) .Я когда-то знал дирижера, который отказывался слушать записи, так как боялся чужого влияния как чего-то, что закроет его разум от других идей, которые у него могли бы возникнуть в противном случае. Я не согласен с этим ни в малейшей степени. Во-первых, выслушивание чужих идей — неотъемлемая часть нашей дисциплины; мы просто используем современные средства сегодня, поскольку обычно мы больше не можем долго ходить, чтобы услышать Букстехуде, к сожалению. Конечно, записи — это не тот же процесс создания музыки и не тот же результат, что и живое исполнение, но они все же могут нас информировать.Видео действительно отличные, и в небольшом и ограниченном виде немного похоже на путешествие по миру в течение часа. Вы могли бы наблюдать мастера определенного подхода к историческим практикам игры пальцами или педалирования, кого-то, кого вы, возможно, никогда не имели бы возможности увидеть вблизи, если бы не видео.

Чтобы оспорить чье-либо мнение, мы должны сначала понять, откуда оно исходит. Как бы вы описали музыкальный склад ума струнного музыканта, который никогда не занимался исторически обоснованным исполнением, и какое словоблудие мы можем использовать на репетициях, чтобы мягко побудить их играть более осознанно?

Это сложно.Во-первых, держите смычок по крайней мере на дюйм выше палочки (для скрипки, альта, виолончели и для контрабаса, используя французский захват смычка, это также относится и к контрабасу — это невозможно с немецким захватом) . Скрипки, альты и виолончели также могут нуждаться в том, чтобы натянуть смычки чуть сильнее. Выполнение этих двух вещей создает ощущение, будто вы держите классический лук восемнадцатого века, ощущение легкости в руке. Скажите им, чтобы они позволяли смычку затухать, особенно при ударах вниз, и чтобы звук был тише, не форсируя тон, даже в форте.Энергичная игра должна исходить из « большей скорости лука, меньшего давления/веса. ”

В большинстве барочных музыкальных произведений с чередованием восьмых нот предлагается играть пошаговое движение как легато (не добавляя легато, а скорее плавно, но чередуя удары смычком вниз/вверх, если в этом отрывке не напечатаны легато). Интервалы в терцию и больше могут иметь лишь небольшое расстояние между нотами. Штрих должен быть «чистым», а не стаккато, состенуто или чрезмерно спикатто, если только вы не намеренно добиваетесь этого эффекта.Если у вас есть время и динамики, вы можете воспроизвести на них пару минут записи, даже если она на низком уровне. Это не сработает с большим выбором припева, так как струнные не будут слышать достаточно, чтобы изменить свою игру, но в симфонии или увертюре это может помочь. Деревянных духовых инструментов следует поощрять к более частому дыханию (частичное дыхание), к более коротким фразам в более длинных строках, что приводит к риторическим заявлениям. Медные духовые должны затухать через каждую половинную ноту (и более длинные значения), если только вы не предпочитаете messa da voce или, наоборот, продолжительный эффект.В ноты литавристов дирижер должен добавить крещендо и диминуэндо или, по крайней мере, попросить их на репетиции, если есть время.

Выбери правильный репертуар! Vivaldi Gloria идеально подходит, например, для церковного внештатного оркестра, а две репетиции всегда лучше, чем одна, если у дирижера есть идеи и он хорошо слушает. Тем не менее, Bach Orchestral Suites , как правило, худшая музыка, которую вы можете запрограммировать при ограниченных средствах и времени репетиций с современными проигрывателями (или старинными проигрывателями).

Наконец, интонация. Если вы нанимаете современных исполнителей с органом или клавесином, настройте их на A = 440 (или A = 441) и используйте почти равную темперацию, некоторые из которых сегодня легко доступны через ваши телефонные приложения, такие как Cleartune. Например, если у вас есть каденция в ми мажоре, а соль-диез слишком высока для скрипки или флейты, не играйте ее на клавиатуре несколько раз. Вместо этого пусть игроки настроят аккорд, хорошо сбалансированный и с красивой звучностью. Клавишник может отпустить третью, чтобы она не звучала, если она не так настроена, как струны/флейта.Ваши современные струны должны нормально настраиваться, беря «ля» и настраивая квинты. Если открытая соль плоская, они могут слегка ее перебирать. Если открытая ми диез, они могут избежать использования длинных открытых ми, перебирая ноту на струне ля.

Больше подходит для бассо континуо. Лучший сценарий — нанять континуо-виолончелиста, который на высоком уровне играет как на современных инструментах, так и на инструментах эпохи барокко. Это так же важно, как и ваш концертмейстер, и это будет стоить денег из вашего бюджета. Виолончелист будет играть на современной виолончели, но понимает природу игры басовой партии в унисон с органом и клавесином.Он/она может настроить каждую открытую струну на клавиатуру (но это не значит, что скрипки и альты должны это делать, наоборот). Теперь у вас есть хороший почти равномерный строй, ваши скрипки/альты имеют хорошие квинты, ваш удивительный виолончелист с опытом работы в стиле барокко настроил каждую струну… и появляется контрабас. Вообще это солидный, замечательный исполнитель, который, наверное, ничего не знает о том, что делает виолончелист на барочной сцене, технически и музыкально. Ваша задача состоит в том, чтобы получить от басиста меньше «ядра», больше тени от звука, больше плавности.Исключения составляют случаи, когда поет припев. Если в вашем хоре более 40 участников, басисту потребуется снова получить доступ к этому основному звуку, чтобы заложить основу для звучания ансамбля. Когда вы нанимаете струнных и в идеале ищете потрясающих исполнителей в стиле барокко, которые будут играть на современных инструментах для вашего концерта , я предлагаю следующий порядок приоритетов при найме:

1. Концермейстер/солист виолончели
2. Контрабас
3. Солист Вторая скрипка
4. Первый альт

Я считаю, что если я использую фразу «прямой тон» с хором, певцы звучат не так хорошо.Есть ли подобные фразы, которых следует избегать в данном контексте?

Для струнников и флейтистов: «Пожалуйста, используйте узкую ширину вибрато, но не быструю». Это сложно, потому что обычно мы получаем быстрое/узкое или медленное/широкое. Мы хотим, чтобы звук был медленным/узким (или средним/узким), но не слишком медленным, так как это будет звучать затронуто. По правде говоря, мы хотим прямые тона! Но точно так же, как певцов учили, что вибрато более естественно, чем не вибрато, и техника, которой их учили, подкрепляла это, струнные и флейтисты сталкиваются с той же проблемой. Они научились раскрашивать каждую ноту. Если предполагается использовать вибрато как украшение или особый прием, ансамбли должны научиться играть и петь без него. В результате гармонии (интонация) и контрапункт становятся намного более очевидными (что также приводит к проблемам, поскольку, возможно, группа звучала лучше с вибрато!). Золотая середина — узкое, но не взволнованное вибрато — контролируйте его. В случае с оркестром лучше попросить звук (спросите у концертмейстера или исполнителя на соответствующем инструменте), а технику пусть определяет исполнитель.«Может ли звук затухать на частоте шагов?» лучше, чем «конец поклона, пожалуйста».

Вы также изучали оркестровое дирижирование и играли под руководством некоторых из величайших дирижеров как современных, так и старинных инструментальных оркестров, в том числе Хорди Савалла, Николаса МакГегана, Ричарда Эгаара, Рейнхарда Геобеля, Кристофа Эшенбаха, Дмитрия Китаенко, Рафаэля Фрубека де Бургоса, Джованни. Антонини и др. Большинству из нас, органистов, намного удобнее хоровое дирижирование. Какие жесты помогают хору, но не так полезны оркестру?

Реакция припева на бит обычно происходит на вершине, в то время как многие инструменталисты в США.С. отвечают раньше, сразу после удара по посадке. Когда я дирижирую мессу, мне иногда приходится напоминать оркестру, чтобы он слушал хор. Создается впечатление, что припев позади, но часто это не так. Однажды я сказал оркестру, что припев отвечает на пике (после «доли»), и было общее ощущение «ага, теперь я понял». Тем не менее, я лично презираю чрезмерное избиение и считаю это смертью всего музыкального искусства. Итак, жизнь – это череда вдумчивых переговоров.Оркестру нужны начало, переходы и окончания. В промежутках дирижер может быть частью звука, двигаясь по линии и показывая (заранее) формы небольшими и элегантными жестами. Пальцы могут красиво показывать диминуэндо, а едва двигающаяся рука может заинтересовать игроков и заставить их слушать. Скорость и размер жестов определяют атаку ноты, играется ли она как гласная или согласная, скорость дыхания и смычка, текстура звука и даже баланс тонов аккордов. В хорах информация и жесты могут быть разными, от дикции до стиля фуговых входов. Кроме того, следует отрепетировать иерархию сильных и слабых ударов, а также подкрепить ее жестами. Когда хор умолкает, то либо оркестр устремляется на его место, либо, возможно, музыка становится просторной, мягкой. В последнем случае сразу становитесь маленькими, (пусть играют). В идеале лучше «тренировать» ансамбли на удвоение энергии с поднятием руки, чем заниматься гимнастикой ради достижения результата.Иногда результаты возникают из-за нарушения правил или переговоров со своим идеалом. В конце концов, в хорошо обученном ансамбле дирижер исчезает и является просто элегантным подкреплением того, что слышится. Тем не менее, он / она не следует. Он/она думает наперед, показывает наперед и реагирует по мере необходимости, все время раскрывая идеал посредством чистой воли и присутствия бытия.

При этом оркестры плохо реагируют на дирижерские гемиолы и дирижерские мелодические ритмы. Если ваш хор поет с оркестром, лучше всего репетировать хор, дирижируя правой рукой, а выразительную информацию левой рукой. Конечно, вы всегда можете сделать меньше (или даже поменять руки для входа и т. д.), но исполнение гемиолы вне ритма будет только мешать оркестру чувствовать пульс и ансамбль.

У разных ансамблей разные потребности, и во всем этом играет роль репетиционное время (или его отсутствие). Иногда ритм необходим для ощущения пульса в хоре или оркестре, особенно если слышать друг друга в определенном акустическом пространстве сложно. Однажды я играл полихоральный концерт Генриха Шютца в соборе Грейс (Сан-Франциско), во время которого дирижер использовал светящуюся палочку! И мы были благодарны.

Какие струнные силы вы бы порекомендовали для проекта церковного хора, например отрывки из «Мессии» Генделя с хором из 20–30 певцов-любителей? А как насчет 40–50 певцов?

Струны от скрипки до баса: струнный квинтет может быть прекрасным, особенно если в вашей программе нет духовых.

При последнем варианте из 40 певцов: 3-3-2-1-1 (у вас могут быть две виолончели, но вам может не понадобиться вторая, если у вас, например, есть орган, и если ваша основная виолончель — исполнитель в стиле барокко) кто настраивает открытые струны в соответствии с темпераментом, я не рекомендую вторую виолончель, так как не следует ожидать, что этот музыкант будет настраиваться по-другому на концерте; это приведет только к плохой интонации).

Он основан на современных инструментах, органе и некоторых деревянных духовых.

Конечно, 4-4-3-2-1 прекрасно, но даже с 50 непрофессиональными певцами это может быть слишком. Это действительно зависит от размера хорового звука и среднего возраста певчего. Младшие хоры могут справиться с более крупными инструментами.

Вы недавно взялись за виолончель да спалла. Можете ли вы рассказать нам об этом? И каковы ваши другие текущие исследовательские интересы и проекты?

Плечевая виолончель — это скорее способ держать басовый инструмент, чем сам инструмент, и может относиться к любому количеству инструментов разного размера, разного количества струн и настроек.Исследования, проведенные в середине 1990-х годов Грегори Барнеттом, а затем Дмитрием Бадьяровым, открыли дверь в красочную вселенную игры на виолончели для скрипачей и альтистов! В эпоху барокко на некоторых виолончелях играли с плечевым ремнем (держали как скрипку, без подбородка) на хорах, где пространство было ограничено, в театральных и уличных представлениях, а также скрипачами, которые либо не играли на виолончели и альте да гамба или просто предпочитал виолончель меньшего размера. Маттесон пишет, что при добавлении виолончели да спалла к континуо «бас [линия] не может быть выделен более отчетливо.Существует множество других упоминаний о бассетто, виолончели, виолончели и фаготгейге, и, вероятно, на многих титульных листах и ​​листах списков, в которых упоминается «бассо», в группе упоминается «виолончель», которую держат за плечо. Несколько изображений игроков существуют и в стиле барокко, а инструменты разительно различаются.

У меня есть два таких инструмента: очень большой, который действительно звучит как виолончель-пикколо, настроенный как обычная виолончель, и маленькая виолончель da spalla, настроенная на октаву ниже скрипки. Следующим летом я планирую сделать программу с Гаем Фишманом (основной виолончелист Общества Генделя Гайдна) и Яном Уотсоном (клавесинист и музыкальный руководитель Коннектикутского фестиваля старинной музыки), в которой обе мои виолончели да спалла будут представлены в мелодическом и бассо континуо контексте, разделяя сцена с великолепной римской виолончелью семнадцатого века Гая. Я также планирую записать четыре сюиты Баха для виолончели на барочной скрипке, современной скрипке, электроскрипке и виолончели да спалла.

Вот ссылка на электрическую скрипку, и она может отличаться от ожидаемой:

Мы часто говорим о HIP — исторически обоснованном исполнении. В последние годы я рассматривал RAP как личное кредо: настоящая аутентичная практика. Композиторы-музыканты, которых мы почитаем (особенно в стиле барокко), играли на многочисленных инструментах, пели, сочиняли музыку, импровизировали.Они хорошо знали музыку своего времени и могли читать эту музыку с листа с таким знакомством, к которому мы можем только стремиться сегодня. Я призываю своих учеников-скрипачей играть партии баса, изучать фигуры, читать первоисточники, а также украшать, приукрашивать и импровизировать. Это уводит нас от страницы к музыке. Цитируя название монографии Бартольда Куйкена 2013 года, «Нотация — это не музыка» .

No related posts.