Сообщение о стиле барокко: Искусствоед.ру – сетевой ресурс о культуре и искусстве

28.10.2021 автор alexxlab

Содержание

Искусствоед.ру – сетевой ресурс о культуре и искусстве

Просмотры: 115 690

В основу стиля Барокко, сложившегося в Италии в конце 16 века, легли религиозные идеи Контрреформации: на Тридентском Соборе было объявлено, что человек может воспринять догматы христианства только через мистическое озарение. Основные черты барочных произведений — эмоциональная выразительность, насыщенность движением, сложность композиционных решений, — создавали у зрителя особый духовный настрой, способствующий единению с Богом. Слово «barocco» в переводе с итальянского означает «странный», «причудливый». Оно появилось позднее, как знак удивления буйной фантазией мастеров этого стиля. Вёльфлин впервые определил барокко как живописное, настроенное на глубину, склонное к открытой форме, предпочитающее атектоническое начало и некоторую неясность.

Для художественной культуры барокко характерно стремление найти красоту в дисгармонии, асимметрии, нескончаемом взаимопереходе форм.

Здесь намеренно используются диспропорция, диссонанс и другие нарушения порядка. Главная цель, которую ставит перед собой художник: ошеломить, потрясти воображение зрителя. Эта цель достигается через передачу страстного движения, напряженной борьбы противоположностей, резких контрастов. Текучесть формы обеспечивается специальными художественными приемами: сложными метафорами, аллегориями, анаморфозами (неожиданными переходами одного образа в другой).

В переводе с итальянского «barocco» означает «причудливый», «странный». В средневековой логике этим термином обозначились неправильные умозаключения, логические ошибки. В Португалии аналогичным словом «perola barroca» назывался жемчуг неправильной (овальной) формы. В искусстве его стали применять к различным отступлениям от классических канонов. Первые элементы нового стиля обнаружились в Италии в конце XVI в. Родоначальник – один из «титанов» Возрождения – Микеланджело Буонаротти. В его поздних творениях: скульптурах, олицетворяющих времена суток капеллы Медичи и фреске с изображением Страшного Суда в Сикстинской капелле, — появляются мотивы мучительной скорби и безысходности.

Огромная суггестивная сила барокко стала причиной того, что оно было взято на вооружение католической церковью в движении контрреформации. Его распространению способствовал Орден иезуитов («Общество Иисуса»), которому была поручена борьба с протестантизмом всеми доступными средствами. Иезуитские учебные заведения – коллегии и семинарии – монополизировали образование в католических странах. Благодаря их поддержке идеология и практика барокко утвердилась в странах Западной Европы, не принявших Реформацию: Италии, Испании, Франции, Австрии, Польше и т.д.

Барокко — первый подлинно общеевропейский язык искусства и архитектуры. Возникнув в рамках католицизма, он не может быть вписан в рамки одной конфессии, одной политической системы или одной национальной культуры.

Архитектура

Фасад Мадерна

Италия

В архитектуре наибольшего внимания заслуживают итальянские мастера — ведь именно в их творчестве ярче всего проявилась главная особенность барокко — стремление к созданию ансамбля.

Центром архитектурного барокко стал г. Рим. Первым сооружением этого стиля была церковь Иль-Джезу (1575), построенная архитекторами Джакомо да Виньоли и Джакомо делла Порта для Ордена иезуитов. На фасаде двухъярусного здания использованы волюты, дающие эффект плавного перехода от верхнего яруса к нижнему.

Интерьер характеризуется обилием декоративных деталей, которые задерживают внимание вошедшего в храм, предваряя его восприятие свода. Таким образом символизируется трудность перехода от земной суеты и страстей к небесному блаженству.

Особенно выделяются Карло Мадерна (1556 — 1629), Франческо Борромини (1599 — 1667) и Джан Лоренцо Бернини (1598 — 1680). Именно Карло Мадерна мы обязаны сегодняшним видом Собора святого Петра. К зданию, которое возвёл Микеланджело, Мадерна добавил гигантский притвор с западной стороны. Таим образом, весь храм стал базиликой и приобрёл стремительное движение к подкупольному пространству, где находится могила святого Петра.

Работы по преобразованию Собора продолжил Бернини. С 1657 по 1663 он создавал своё гениальное творение — площадь перед Собором. Это была главная площадь католического мира. Множество паломников из разных стран собиралось и собирается на ней в праздничные

Площадь собора св. Петра

дни, чтобы увидеть Папу. По сути, это не одна, а две площади. Первая, в виде трапеции, сформирована галереями, отходящими от Собора. Второй Бернини придал форму овала. Она обращена к городу и охвачена колоннадами, как двумя огромными руками. В симметричных точках овала расположены фонтаны, а между ними стоит обелиск, помогающий ориентироваться на огромной площади. Это не просто слова — хорошо известен своеобразный эффект площади святого Петра: проходя по ней посетитель периодически ощущает утрату координат. Кроме того, в средокрестии Собора Бернини установил огромный киворий высотой 29 м. Этот колосс на 4-х витых колоннах с имитацией в бронзе тяжёлых складок драпировок потрясает всякого вошедшего в храм.

Церковь Сан-Карло алле Куатро Фонтане

Абсолютным шедевром Франческо Борромини является церковь Сан-Карло алле Куатро Фонтане. Для неё был выделен маленький и неудобный участок на перекрёстке. По углам небольшого храма расположены 4 фонтана (отсюда название церкви). Стена фасада то прогибается, то выступает вперёд, и кажется, что плотная масса камня меняется на глазах. Композиция основана на продуманных сочетаниях выпуклых и вогнутых поверхностей стен, а всё вместе создаёт динамичный, живописный, и вместе с тем логичный образ.

Самые зрелые черты стиль барокко приобрел у Франческо Борромини (церковь Сан-Карло у четырех фонтанов) и Лоренцо Бернини (церковь Сант-Андреа аль Квиринале). Сложились его отличительные признаки:

1. Овальная форма планов и вообще преобладание криволинейных очертаний в зданиях: полукруглый фронтон, волнообразный фасад, характерная декоративная деталь – волюта, соединяющая верхний и нижний ярусы здания.
2. Витые колонны, создающие эффект напряженного движения:
3. Фонтаны, как часть архитектурного ансамбля.
4. Перегруженность декоративными деталями: пышной лепниной, скульптурами и росписями.
5. Иллюзионистские эффекты, создающие впечатление бесконечного пространства, размывающие грань между кажущимся и реальным и др.

Все эти детали имеют символическое значение. Криволинейные очертания, волюты и волнообразность символизируют преображение материи. Тяжелое каменное сооружение как бы на глазах меняет свой облик. Сложная символика выражена и в отдельных архитектурных памятниках. Пространство перед церковью св. Петра в Риме имеет очертания ключа, напоминая о том, что церковь есть ключ к Царствию Небесному.

Испания

Говоря об архитектуре Испании того времени, следует отметить, что в ней сочетались средневековые черты с барочными. Особенно ярко новые веяния отразились в декоративном оформлении зданий — так называемый стиль «платереско» («чеканный», «узорчатый»). В этом стиле строили Мартин

Собор Святого Иакова в Сантьяго-де-Компостела

Виллареаль, Алонсо Кано и другие. На рубеже 17 — 18 веков ясность и ювелирная точность платереско сменились предельной насыщенностью декоративными деталями и пристрастием к обильным украшениям на фасадах. По имени архитектора Хосе Бенито Чурригера и его братьев (1665 — 1725) этот стиль получил название «чурригереск». Созданный ими стилевой вариант характеризовался особо пышным декором фасада. Он оказал влияние на латиноамериканскую архитектуру (мексиканское «ультрабарокко»). В этом стиле был построен знаменитый

собор города Сантьяго де Компостела. Его архитектор, Фернандо Касас де Новоа, использовал такое обильное декоративное убранство, что башни храма кажутся скульптурными произведениями, а не архитектурными.

Франция

Во Франции барокко более строгое, без излишеств. Вершиной французской архитектуры 17 века стал Версаль. Кроме Версаля, следует отметить например, собор Дома Инвалидов, построенный Жюлем-Ардуэном Мансаром (1646 — 1708).

Этот храм стал важной высотной точкой Парижа — его тяжеловесный купол значительно изменил панораму города.

Англия

Великобритания в 17 веке была одним из крупнейших центров европейской архитектуры. Однако большинство английских построек было связано не с барокко, а с иным стилем — классицизмом. Поэтому здесь присутствуют те произведения английских архитекторов, где присутствуют отдельные черты барокко. Безусловно, это Собор святого Павла, построенный Кристофером Реном (1632 — 1723). Нужда в строительстве храма возникла после того, как пожар 1666 года уничтожил старый лондонский собор. Главный фасад нового собора украшен двухъярусным портиком со сдвоенными колоннами и фронтоном. Как и в соборе святого Петра в Риме, в здании Рена есть внутренний купол и внешний, рассчитанный на вид издалека. Чтобы удержать тяжёлый фонарь купола, архитектор придумал конусовидную конструкцию из кирпича между внутренним и внешним куполом. Для 18 века это было уникальное инженерное решение.

Важным произведением английского барокко стала Библиотека Рэдклиффа (архитектор Джеймс Гиббс, 1682 — 1754). Она представляет собой 16-гранное в плане сооружение, окружённое колоннадой из сдвоенных колонн.

Дворцово-парковые ансамбли представлены таким памятником английской архитектуры 17 века, как Вилла в Чизвике, созданная Ричардом Бойлом Бёрлингтоном (1695 — 1753), аристократом и покровителем искусств. Вилла повторяет «Ротонду» Палладио, но её фасады не одинаковы. Садовый фасад украшен портиком с фронтоном, к которым ведёт очень сложная и изысканная лестница. Парк, созданный для этого ансамбля Уильямом Кентом (1684 — 1748) — один из первых образцов английского пейзажного парка.

Германия и Австрия

В Германии и Австрии архитектурное барокко развивалось почти так же бурно, как и в Италии. Здесь необходимо отметить пышные экстатические творения братьев Азам, Фишера фон Эрлаха и других немецких и австрийских авторов.

Дворцово-парковые ансамбли представлены таким замечательным ансамблем, как Епископская резиденция в Вюрцбурге (архитектор Бальтазар Нойман, 1687 — 1753). Это огромный дворец с 4-мя внутренними дворами и очень длинным фасадом — 167 м. В интерьере дворца поражает монументальная и изысканная парадная лестница. И жемчужина немецкого барокко — Цвингер, парадная резиденция курфюрстов Саксонии. Ее создал Маттиас Даниэль Пеппельман (1662 — 1736). Ансамбль возвели у крепостного рва, где в Средние века держали диких животных (по-немецки zwinger означает «клетка для зверей»). Обширный двор, где проходили празднества, с трёх сторон окружён двухэтажными павильонами, соединёнными галереями с застеклёнными арками.

Скульптура

В скульптуре внимание прежде всего привлекают итальянские и испанские архитекторы. Барочным скульптором «par excellence» является Джан Лоренцо Бернини. Широко известно его утверждение: «Я сделал мрамор гибким как воск». И действительно, такие работы, как «Экстаз святой Терезы», «Аполлон и Дафна», «Похищение Прозерпины» свидетельствуют о виртуозном мастерстве скульптора. Он шлифует мрамор, заставляет его играть множеством бликов, передавать тончайшие нюансы: фактуру ткани, блеск глаз. В скульптурах Бернини достигают апогея динамика и дематериализация формы. Он мог соединять в одном произведении мраморы разных цветов и позолоченную бронзу, достигая полной иллюзорности и предельной живописности скульптуры.

В отличие от Бернини и других итальянских скульпторов, воплощавших в своих произведениях некую идею, испанские мастера стремились прежде всего к правдоподобию до мельчайших деталей. В их работах натурализм сочетался со страстностью. Очень распространённой скульптурной формой в Испании было «пасо» (шаг, шествие) — группа, представляющая библейскую сцену. Пасо носили по городу во время праздников. Их делали из дерева, раскрашивали, на фигуры надевали одежду и приклеивали настоящие волосы. Наиболее известные мастера — Грегорио Эрнандес (около 1576 — 1636) и Педро де Мена (1628 — 1688), — соединяют в своё творчестве жёсткий натурализм и обострённую эмоциональность в передаче духовного состояния.

Французские скульпторы, творившие в условиях абсолютизма, любили эффектные, выразительные решения, монументальные формы, торжественность и пышность. Франсуа Жирардон (1628 — 1715), ученик Бернини, подчёркивает в своих работах не драматизм, а красивую композицию. Антуан Куазево (1640 — 1720) даёт психологически тонкие характеристики героев, используя такие барочные приёмы, как неожиданные позы, свободные движения, пышные одеяния. Французская скульптура 17 века соединяет в себе черты классицизма и барокко.

Поражает своей пышностью скульптура немецкого барокко. Основные её черты — парадность, экспрессивность, избыточность деталей, тонкое чувство материала и усложнённость композиций. Всё это как нельзя лучше проявилось в произведениях Андреаса Шлютера.

Живопись

В живописи, гравюре и рисунке Европы были большие и малые мастера барокко. В Италии это болонские академисты — братья Карраччи, Гверчино, Сальватор Роза, — верившие в существование вечного идеала красоты. Их взгляды легли в основу академической системы образования. Известен сонет, приписывающийся Агостино Карраччи, в котором излагаются взгляды академистов:

Кто стремится и хочет стать хорошим живописцем,
Тот пусть вооружится рисунком Рима,
Движением и светотенью венецианцев
И ломбардской сдержанностью колорита,
Манеру мощную возьмёт от Микеланджело,
От Тициана передачу натуры,
Чистоту и величие Корреджиева стиля
И строгую уравновешенность Рафаэля.
(Пер. А. Аристовой и С. Всеволожского)

Во Франции мы видим явление крестьянских живописцев — Луи Ленена (1600/1610 — 1648) и Жоржа де Ла Тура (ум. 1652). Картины Ленена продуманны и упорядочены по композиции, строги по колориту. Его герои полны достоинства и внутреннего покоя. На полотнах Ла Тура, благодаря особому художественному приёму (противопоставлению тёмного пространства и потока яркого света) заурядные события превращаются в мистические и таинственные. Представлено и творчество Клода Лоррена (1600 — 1682) — основоположника французского пейзажа.

Из немецких живописцев того времени самым талантливым был Адам Эльсхеймер (1578 — 1610). Его творчество повлияло на многих современников яркостью колорита, оригинальным подходом к сюжетам, смелыми экспериментами в изображении света.

Но на первый план в области живописи и графики выходят мастера Испании, Голландии и Фландрии. В Испании 17 век называется золотым веком живописи. И действительно, именно в эту эпоху жили и творили такие замечательные художники, как Хусепе Рибера (1591 — 1652), разрабатывавший тему страданий и мученичества; Франсиско Сурбаран (1598 — 1664), чьи многочисленные циклы из жизни святых погружают нас в тайну мистического общения человека с Богом, и Бартоломео Эстебан Мурильо (1618 — 1682) — деликатный и искренний художник, своими образами вызывавший умиление у современников.

Но, конечно, самым выдающимся испанским живописцем эпохи барокко был великий Диего Родригес де Сильва Веласкес (1599 — 1610). В искусстве достижения иллюзии реальности он следовал испанской национальной традиции. Но, в отличие от вышеперечисленных художников, иллюзорность у Веласкеса принимает не религиозно-мистический, а простонародно-бытовой оттенок. Его поздние картины поражают мастерством композиции и невиданной ранее свободой пространственного мышления и обыгрывания темы «картина в картине». Мастер писал блестящие психологические портреты, с поразительной глубиной проникая во внутренний мир своих героев. Папа Иннокентий Десятый назвал свой портрет кисти Веласкеса «слишком правдивым». Парадные портреты художника скорее скрывают внутреннюю жизнь героя, демонстрируя аристократическую сдержанность. Но именно они позволяют во всём блеске развернуть живописное мастерство — зритель обнаруживает головокружительные заливки жидкой краски, непринуждённые движения кисти, вольно переливающиеся открытые цвета, смелые опыты с цветными тенями… В своём творчестве Веласкес соединяет духовное богатство с редким техническим мастерством.

Во Фландрии, где господствовали испанцы, и в Голландии, которая стала независимой, тоже наблюдался небывалый расцвет изобразительного искусства. «Королём художников и художником королей» называли фламандца Питера Пауля Рубенса (1577 — 1640). В его антверпенской мастерской безостановочно кипела работа — среди заказчиков Рубенса числились не только дворяне и богатые купцы, но и королева Франции Мария Медичи, испанская королева Изабелла… Он подарил миру около 3 тысяч картин и множество рисунков. Работам художника свойственны необыкновенная любовь к жизни и энтузиазм. Они отличаются удивительной изобретательностью построений, сверканием ярких тонов.

Рубенс достиг изумительного совершенства и лёгкости в искусстве владения кистью — и этим поразил романтиков. Вот как написал о нём Эжен Делакруа: «…он подражал Микеланджело, но так, как только он умел подражать! Он был переполнен величайшими образцами, но следовал тому началу, которое носил в самом себе… Он имеет смелость быть самим собой… Я дуюсь на него порой! Я ссорюсь с ним из-за его грузных форм, из-за недостатка изысканности и изящества… Но даже промахи Рубенса не ослабляют впечатления от его картин, до того они проникнуты совершенно особым свойством истинной смелости… Рубенс гораздо родственнее Гомеру, чем многие античные мастера. У него был сходный гений по самому своему духу…». Художник ценил живописную ткань тициановской традиции, но разрушал то величавое равновесие, которое было ей свойственно. Освоив всё неповторимое богатство итальянской живописи, художник, по сути, основал фламандскую школу.

Славу этой школы составляют утончённые портреты Антониса Ван Дейка (1599 — 1641), простодушно-грубоватые жанровые произведения Якоба Йорданса (1593 — 1678), горькие и язвительные картины Адриана Браувера (1605/1606 — 1638).

Вершиной голландской школы было творчество Рембрандта Харменса ван Рейна (1606 — 1669). О его произведениях Эжен Делакруа сказал: «правда — самое прекрасное и редкое на свете». Можно утверждать, что Рембрандт был самым необыкновенным и загадочным мастером 17 века. В молодости он быстро приобрёл репутацию вундеркинда. За свои портреты, в которых он схватывал выражения лиц, погружая их трепетную светотень, Рембрандт получал неплохие гонорары. Художник счастливо женился, у него появились ученики. Однако уже в начале 1640-х годов его живопись становится слишком необычной для голландских бюргеров. Вот как пишет Эжен Фромантен о картине Рембрандта «Ночной дозор»: «Рембрандту надо было изобразить роту вооружённых людей. Не было ничего проще, как показать нам, что они собираются делать; но он выразил это так небрежно, что даже в самом Амстердаме до сих пор ничего не могут понять. Он должен был придать фигурам портретное сходство — оно сомнительно; изобразить характерные костюмы — они большей частью фантастичны; создать живописный эффект — но этот эффект оказался таков, что картина стала неразрешимой загадкой. Страна, место, время действия, сюжет, люди, вещи — всё исчезло в бурной фантасмагории палитры… странности фигур, и их внезапное появление среди полной темноты — всё это случайный результат эффекта, задуманного вопреки правдоподобию, осуществлённого вопреки всякой логике». Недоумение вызывала слишком вольная трактовка портретов и нехарактерный для Голландии интерес к евангельским и библейским сюжетам. Умирает любимая жена Рембрандта, исчезают ученики и заказчики, тает богатство. В конце концов, художник становится банкротом и переселяется в еврейское гетто. В работах последних лет Рембрандт достигает величайшей человечности. Его «ночной мир» пронизан, по выражению Вальтера Беньямина, «непредумышленными смыслами». Картины мастера изобилуют световыми вспышками и потоками, полупрозрачными сгустками и материальными уплотнениями, принимающими вид предметов и фигур. Художник создаёт яркие и запоминающиеся образы стариков, женщин, влюблённых, отцов и детей. Великий Рембрандт умер в 1669 году, пережив своего сына Титуса. Мистические свойства материи его произведений, несомненно, составляют ещё одну грань стиля барокко.

Что касается офортов Рембрандта, то в них оригинальность индивидуального стиля художника проявилась еще сильнее. Свет и тень создают в них поистине ирреальное, мистическое ощущение. Штрихи образуют густую трепещущую сетку и вибрируют серебристым или золотистым цветом, создавая особую атмосферу.

Вторым великим голландским художником эпохи барокко был Ян Вермеер Делфтский (1632 — 1675). Перед его работами у зрителя возникает смешанное чувство восхищения и беспомощности. Всё ясно и понятно, но, в то же время, драгоценная световоздушная живопись Вермеера придаёт художественному пространству загадочный оттенок. Если у Рембрандта материальность исчезает и растворяется в свете и тьме, то у Вермеера, наоборот, подчёркивается материальная значимость каждого предмета. Писал Вермеер очень медленно и оставил потомкам всего около 40 картин. Он тщательно накладывал мелкие плотные мазки, завершая работу лёгкими, незаметными касаниями кисти.

Кроме этих двух гигантов нидерландской живописи в эпоху барокко в Голландии жили и творили Фрас Халс и так называемые «малые голландцы»: Герард Доу (1613 — 1675), Адриан ван Остаде (1610 — 1685), Габриэль Метсю (1629 — 1667), Герард Терборх (1617 — 1681) и другие. Они разрабатывали различные вариации бытового жанра, причём особенно любимой темой стали сцены «весёлого общества». «Малые голландцы» были наблюдательны, порой остроумны и умели нравиться публике.

Гравюра

В гравюре представлены, в основном, работы тех же мастеров, что и в живописи. Но есть там и такие мастера, которые стали известны именно как гравёры. Таков, например, голландец Херкюлес Сегерс (1589/1590 — 1638), много сделавший для развития техники цветного офорта. Каждый его лист — неповторимое, оригинальное произведение искусства. В ночных пейзажах яркие блики образуют на тёмном фоне сложный рисунок и создают иллюзию серебристого мерцания лунного света, а грандиозные ландшафты вызывают космические ассоциации.

Французский рисовальщик и гравёр Жак Калло (1592 — 1635) узнал славу ещё при жизни — его эстампы печатались большими тиражами и продавались во многих городах Европы. Замечательно изображал Калло массовые сцены со множеством мелких фигурок. В общую композицию прихотливо вплетаются бродяги, комедианты, разбойники. На одной из гравюр Калло Тенирс насчитал 1138 человек, 45 лошадей и 137 собак. Дерзкий гротесковый стиль художника отразился не только в изобразительном искусстве, но и в литературе — одна из самых знаменитых книг Э. Т. — А. Гофмана называется «Фантазии в стиле Калло». На весь мир прославился своими гравюрами и рисунками Джованни Батиста Пиранези (1720 — 1778). Он создал сотни гравюр с видами Рима, проектов воображаемых зданий и архитектурных фантазий. Самой загадочной была его серия «Тюрьмы» — одни видели в них изображение ада, другие — наркотические галлюцинации, третьи — театральные декорации. Сам себя Пиранези называл «венецианским архитектором», и хотя за всю свою жизнь он построил всего лишь одно здание, заслуживает такого названия, ибо оказался родоначальником «бумажной архитектуры». Фантастические образы гравёра оказали столь большое влияние на князя В. Одоевского, что тот вывел образ Пиранези в своём романе «Русские ночи», и вложил тому в уста следующую тираду: «Духи, мною порождённые преследуют меня: там огромный свод обхватывает меня в свои объятия, здесь башни гонятся за мною, шагая верстами… иногда заключают они меня в мои собственные темницы, опускают в бездонные колодцы, куют меня в собственные мои цепи».

Отдельного упоминания заслуживают и такие гравёры и рисовальщики, как Абрахам Блумарт (1564 — 1651), Стефано делла Белла (1610 — 1664), Карел Дюжарден (1622 — 1678), Жорж Лаллеман (ок.1580 — ок.1640).

Заключение

Барокко экспериментально и исполнено здравого смысла. Оно мистично и рационально, иронично и серьёзно, виртуозно и естественно. Нередко встречаются в барочной архитектуре опыты с пространством и движением, массой и цветом. Излишества и декоративная преизбыточность интерьеров дворцов может вызвать упрёки строгих эстетов. В парках и садах встречаются нам павильоны с причудами, зловещие гроты, фонтаны со странными фигурами и чудищами. Барокко регулярно сбивает зрителя с толку. В архитектуре и скульптуре, живописи и гравюре, глаз перестаёт различать большое и малое, далёкое и близкое, лёгкое и тяжёлое, материальное и имматериальное. Барочные мастера словно специально подчёркивают неуловимость и неподотчётность человеку стихий и субстанций, несоразмерность мира и людей.

Искусство барокко тесно связано с рождением принципиально нового способа мышления, с появлением научной картины мира. Именно в 17 веке Галилей демонстрирует изумлённой общественности виды новых небес, с их многочисленными звёздами и планетами. Это и подобные ему открытия приводят не только к ужасу и трепету перед затерянностью человека в просторах космоса, но и к желанию осваивать новые пространства. После Кеплера у астрономов не возникало сомнений в подвластности физической вселенной измерению, и та же картина наблюдалась в биологии, географии, химии, медицине.

Стиль барокко — порождение нестабильной эпохи. Художники расшатывают прежние представления о том, каким должно быть искусство. Они осваивают новые темы и мотивы, способы выражения, хотят увидеть невидимое и запечатлеть невозможное. Как бы мы ни относились к искусству барокко, мы должны осознавать, что именно оно стало первым стилем Нового Времени. В нём — ключ к пониманию искусства дня сегодняшнего.

Д. Харман.

Вконтакте

Facebook

Twitter

Google+

LiveJournal

Одноклассники

Мой мир

`краткая характеристика стиля. Новости компании`

Архитектура барокко всегда ассоциировалась с дворцовым и королевским стиле, хотя с итальянского языка переводится как «странный» и «причудливый». Стиль барокко пришел на смену эпохе Ренессанса и стал своеобразным протестом против канонических правил и правильных форм, правивших в то время.

`История возникновения архитектуры барокко`

Родиной барокко стала Италия, а именно Ватикан, ведь именно там появилось первое строение, выполненное в этом причудливом и странном стиле. Речь идет о величественном ансамбле – дворе Бельведер, воздвигнутом в самом сердце Ватикана. Его создателем стал гениальный архитектор дизайнер того времени – Донато Браманте. Хотя многие и утверждают, что двор Бельведер с его спокойной и уравновешенной архитектурой мало чем напоминают классический стиль барокко, все же именно этот ансамбль послужил толчком к развитию и созданию нового стиля. Последователями Браманте были Джакомо да Виньоло и Микеланджело, который считается основателем стиля барокко.

`Характерные черты архитектуры барокко`

Изначально барокко создавался как церковный стиль, чтобы показать людям всю красоту и заворожить невероятным размахом строений. Позже этот стиль унаследовали королевские дворцы и загородные резиденции.

Главной идеей стиля барокко является создание сложных и неправильных форм, сливающихся в единое целое. Частое чередование выпуклых и вогнутых линий создает интересный эффект, а также замысловатую игру света и теней. Кроме этого, для архитектуры барокко характерно использование скульптур, пилястр, колонн, а также маскарон – мраморные головы животных или людей в анфас.

Звание дворцового стиля барокко оправдывает использованием сложных декоративных элементов гипсовой лепнины, фресок, витражей, массивных предметов мебели и элементов декора. В качестве цветовой палитры для барокко характерно использование золотых, красных, белых и светлых цветов и оттенков.

Подчеркнуть стиль барокко возможно и при помощи отделочных материалов: натуральный камень, гранит, мрамор, полудрагоценные камни, позолота – все это неотъемлемые элементы стиля.

`Гений барокко`

Джованни Лоренцо Бернини создал невероятные шедевры, которые легли в основу стиля барокко. Современники видели в его творениях слишком много театральности, хотя сам творец говорил о себе, что смог сделать мрамор гибким, как воск и объединил скульптуру с живописью.

`Главная идея барокко`

Главной идеей стиля барокко является поражение сознания людей, ведь, чем больше человек ошеломлен, тем больше это барокко!


Стиль Барокко — Все об эпохе искусства
На закате эпохи Возрождения, в конце XVI века появился новый стиль – барокко. Именно о нем пойдет речь в данной статье.
Барокко (итал. barocco — «причудливый», «странный», «склонный к излишествам», порт. perola barroca — дословно «жемчужина с пороком») – это стиль в искусстве вообще и архитектуре в частности.
Родиной этого стиля принято считать некоторые итальянские города: Рим, Венецию и Флоренцию. Сразу нужно подчеркнуть, что эпоха барокко с самого начала резко противопоставила себя классицизму и рационализму.
Эпоха барокко
Условно считается (как и все исторические периоды), что эпоха барокко продолжалась в течение XVI-XVIII вв. Интересно, что все началось с Италии, которая к 16 веку стала заметно ослабевать на международной арене в экономическом и политическом плане.
Французы и испанцы активно проводили свою политику в Европе, хотя Италия по-прежнему оставалась культурным центром европейского общества. А силу культуры, как известно, определяет ее умение приспосабливаться к новым реалиям истории.
Вот и итальянская знать, не имея денег на постройку богатых дворцов, демонстрирующих их мощь и величие, обратилась к искусству, чтобы с его помощью создать видимость богатства, силы и процветания.
Именно так наступила эпоха барокко, ставшая важным этапом в развитии мирового искусства.
Важно подчеркнуть, что жизнь людей в это время начала основательно меняться. Для эпохи барокко характерно много свободного времени. Горожане предпочитают рыцарским турнирам (см. интересные факты о рыцарях) прогулки на лошадях («карусели») и игру в карты, паломничествам – гуляние в парке, мистериям – театры.
Старые традиции, основанные на суевериях и предрассудках, отпадают. Выдающийся математик и философ Рене Декарт (см. интересные факты о Декарте) выводит формулу: «Я мыслю, следовательно, существую». То есть общество перестраивается на другое мышление, где здраво не то, что сказал какой-то авторитет, а то, что можно математически точно объяснить любому разумному существу.
Интересен факт, что в профессиональной среде вокруг самого слова «барокко» происходит больше споров, чем об эпохе, как таковой. С испанского языка barroco переводится, как жемчужина неправильной формы, а вот с итальянского – baroco обозначает ложный логический вывод.
Этот второй вариант выглядит наиболее правдоподобным вариантом происхождения спорного слова, так как именно в эпоху барокко в искусстве наблюдалась какая-то гениальная нелепость, и даже причудливость, поражающая воображение своей напыщенностью и величием.
Стиль барокко
Для стиля барокко характерны контрастность, динамичность и напряженность, а также отчетливое стремление к пышности и внешнему величию.
Интересно, что представители данного направления чрезвычайно органично объединяли разные стили искусства. Одним словом, Реформация и учение Коперника (см. интересные факты о Копернике) сыграли ключевую роль в закладке фундамента стиля барокко.
Если для эпохи Возрождения свойственно было воспринимать человека, как меру всех вещей и разумнейшее из существ, то уже Блез Паскаль иначе осознает себя: «чем-то средним между всем и ничем».
Искусство барокко
Искусство барокко отличается, прежде всего, необыкновенной пышностью форм, оригинальностью сюжетов и динамизмом. В художестве преобладает броская цветистость. В живописи наиболее выдающимися представителями этого стиля были Рубенс и Караваджо.
Глядя на некоторые картины Караваджо, невольно поражаешься динамичности его сюжетов. Игра света и тени невероятно тонко подчеркивает различные эмоции и переживания героев. Интересен факт, что влияние этого художника на искусство было столь большим, что появился новый стиль – караваджизм.
Некоторые последователи сумели перенять от своего учителя натурализм в передаче на холст людей и событий. Питер Рубенс, обучаясь в Италии, стал последователем Караваджо и Каррачи, освоив их технику и переняв стиль.
Видным представителем искусства барокко были также фламандский живописец Ван Дейк и голландец Рембрандт. В Испании этому стилю следовал выдающийся художник Диего Веласкес, а во Франции — Никола Пуссен.
К слову сказать, именно Пуссен начал закладывать основы нового стиля в искусстве – классицизма.
Барокко в архитектуре
Архитектура, выполненная в стиле барокко, отличается пространственным размахом и сложными, криволинейными формами. Множественные скульптуры на фасадах и в интерьерах, различные колоннады и масса раскреповок создают пышность и величественный вид.
 Архитектурный ансамбль «Цвингер» в ДрезденеКупола приобретают сложные формы, и нередко имеют несколько ярусов. Пример может служить купол в соборе Святого Петра в Риме, архитектором которого был Микеланджело Буонарроти.
Наиболее значимыми произведениями барокко в архитектуре считаются Версальский дворец и здание Французской Академии в Париже. К крупнейшим в мире ансамблям барокко относят Версаль, Петергоф, Цвингер, Аранхуэс и Шёнбрунн.
Вообще надо сказать, что архитектура этого стиля распространилась во многих европейских странах, в том числе и в России, под влиянием Петра Великого.
 Стиль «Петровское Барокко»Музыка барокко
Говоря об эпохе барокко, невозможно обойти стороной музыку, так как она в этот период также претерпевала значительные изменения. Композиторы объединяли масштабные музыкальные формы, одновременно пытаясь противопоставлять хоровое и сольное пение, голоса и инструменты.
Возникают различные инструментальные жанры. Наиболее видными представителями музыки барокко являются Бах, Гендель и Вивальди.
Подводя итог можно с уверенностью сказать, что эта эпоха породила гениев мирового значения, которые навсегда вписали свое имя в историю. Творчеством многих из них до сих пор украшены лучшие музеи разных стран.
Если Вы любите интересные факты обо всем на свете — рекомендуем подписаться на InteresnyeFakty.org. С нами всегда интересно!
Понравился пост? Нажми любую кнопку: 
    Интересные факты:
Стиль барокко в интерьере ▷ особенности дизайна интерьера в стиле барокко
 Пост о самом пышном стиле интерьера.
Барокко как стиль в интерьере появился ещё в XVII веке в Италии, но его элементы до сих пор находят своих обожателей. Если вы в их числе — устраивайтесь поудобнее, нам есть, чем поделиться.
Две работы Джованни Лоренцо Бернини. Слева — церковь Сант-Андреа-аль-Квиринале, открытая в 1670 году в Риме. Справа — кафедра Святого Петра в соборе Святого Петра в Ватикане, открытая 1666 году
Возникновение стиля барокко
На эту тему у нас даже отдельная статья есть. В начале XVII века религия в Риме играла огромную роль в жизни простых граждан. В ответ на протестантскую Реформацию Католическая церковь стремилась установить эмоциональный контакт с итальянцами/ И если в эпоху Возрождения архитектурное искусство позиционировало себя элитарным и «не для всех», то барокко был призван заставить даже необразованные массы поверить в силу и грандиозность церкви.
Римские папы нанимали лучших архитекторов, художников, дизайнеров интерьеров для постройки бесчисленных церквей и дворцов, что меняло облик города, делало Рим визуально богаче и роскошнее. Этот стиль быстро подхватили во всей Европе. Вслед за экстерьером менялось и внутреннее убранство состоятельных граждан. Великие художники своего времени занимались разработкой нового стиля мебели и декора, пытаясь переплюнуть друг друга и самих себя. Давайте посмотрим, что у них получилось.
Основные принципы
В барокко принято преувеличивать выражения и жесты, создавать драму, напряжение, величие. Стиль барокко —  это символ силы. Большие и детально продуманные предметы мебели, украшенные золотом рамы и стены, резные потолки —  стиль дворцов и огромных резиденций. В современном мире воссоздать атмосферу правильного барокко очень сложно из-за масштабов стиля. Но аккуратный микс современных линий и основных элементов традиционного барокко может отлично вписаться даже в городское жилье. 
Попробуйте добавить в свой интерьер:
Мебель, украшенную изысканной резьбой, покрытую золотом или бронзой
Богатую отделку: молдинги на стенах и потолке, гобелены, лепнину
Скульптуры и изящные статуи, часто изображающие детей, музыкантов и красивых женщин
Роскошное постельное белье (из парчи, шёлка, бархата)
Посмотрите, как можно добавить отдельные элементы стиля в современный дизайн. Детали остаются те же – лепнина, высокие окна и двери, но несколько невесомых предметов полностью меняют пространство.
Цветовая гамма
Основной цветовой акцент барокко —  золото, которым часто украшены зеркала, предметы декора, мебель и аксессуары. Чтобы подчеркнуть металл, выбирайте светлые нейтральные оттенки или, наоборот, тёмные и богатые: бордо, насыщенный синий или глубокий зелёный.
Оформление стен
Главное правило — стены должны быть рельефными. Стиль барокко предполагает динамику: огромное количество вставок, бордюров, молдингов, гобеленов, лепнин, ниш, колонн, и даже пилястров. Приветствуются картины времен Ренессанса на стенах. Для придания объема используются также текстильные обои, гипс, окрашенные деревянные панели. Смело смешивайте декор друг с другом: лепнину, позолоту, фрески — в этом стиле не бывает понятия «слишком роскошно».
Оформление потолка
Правила те же, что и у стен: потолки не могут быть однородными. Они часто расписаны, обрамлены лепными украшениями. В классическом барокко потолок — продолжение стены, он должен дополнять, но не контрастировать. Декор в виде позолоты также остается уместен. Идеальное решение, если вы хотите передать дух эпохи — потолок, украшенный фресками.
Оформление пола
Цвет пола обязательно должен сочетаться с цветовой гаммой пространства. Материалы: чаще всего дерево, уместен будет искусственный паркет под дорогую древесину. Можно использовать камень. Частый гость в интерьере ковер, но (обращаем на это особое внимание) ковры не должны занимать всю поверхность пола.
Мебель в стиле барокко
Основная особенность мебели в стиле барокко — сложный орнамент. Вся мебель украшена множеством деталей, с обильным, очень часто преувеличенным декором. При этом композиции отличаются тонким балансом и гармоничной интеграцией всех элементов. Части мебели симметричны, все детали повторяются одинаково с обеих сторон.
Мебель того времени часто изготавливалась из экзотических материалов: красное и эбеновое дерево, слоновая кость, импортированные металлы. Распространены были мраморные столешницы, особой популярностью пользовалась позолота.
Такая мебель обязательно должна быть презентабельной и роскошной. Мебель часто украшают:
Тканевой обивкой
Лаками и позолотой
Изогнутыми изящными ножками
Сложной резьбой
Текстиль
Текстиль необходим для поддержания чувства богатства и роскоши. Этот эффект достигается при помощи пышных драпировок, подвесок и кисточек, золотых вставок. Большое значение имеют шторы. Как правило, шторы шьются из бархатной ткани, золотой парчи, атласа или шёлка, их расшивают золотой нитью или люрексом. В современных интерьерах популярны ткани, имитирующие натуральные материалы: такие как оникс, мрамор, малахит и др. Очень важно наличие роскошного ламбрекена, дополнительно украшенного вышивкой. Допускается использование контрастных цветов.
Освещение
В комнатах в стиле барокко обязательны большие окна, дающие много дневного света. Также используются широкие зеркала, которые наполняют пространство светом и визуально его увеличивают. Искусственное освещение представлено хрустальными массивными люстрами с лампами, имитирующими свечи. Используются также настенные светильники и эффектные торшеры с резными ножками.
Барокко сегодня
Конечно, повторить дворцовый стиль каноничного барокко сегодня не очень-то просто: приходится думать о том, как сэкономить квадратные метры и не устраивать пир на весь мир. И всё же вдохновляться изяществом XVII века можно и нужно: добавьте немного лепнины на стены, поставьте пару стульев с резными ножками или хотя бы повесьте золотое зеркало на стену.
что это такое, стиль картин, эпоха раннего в живописи и искусстве, примеры скульптуры, элементы художников, хаус
В переводе с итальянского языка, barocco – «странный, удивительный, причудливый». Стиль барокко зародился в период становления монархического строя правления в Италии. Он получил широкое применение в области изобразительного искусства, скульптуры, музыки и архитектуры. Его призванием стало прославление могущества церкви и аристократического общества того времени. Барокко смог выразить новое представление о безграничности и многообразии окружающего мира, его единстве и драматичной изменчивости, пробудил интерес к стихиям природы.
История возникновения барокко – новая эпоха в Европе на смену Возрождению
Именно в Италии на смену Высокого Возрождения возник барочный стиль (16-й век). Не смотря на тяжелое политическое положение страны, где господствовали иностранцы (испанцы и французы), Италия продолжает оставаться культурным центром Европы. В этот период итальянцы не могли позволить себе выстраивать новые шикарные замки (романские или готические, как он назывался ранее, по стилю) .
Появление барокко позволило создавать иллюзию богатства, обходясь без дорогостоящих материалов.
Активное развитие культуры началось по причине недостатка средств. Возведение шикарных палаццо было не по карману знати и представителям церковной власти, но они все же нуждались в подтверждении собственной состоятельности и мощи. Высшие сословия обратились за помощью к искусству – появившееся направление их возвышало и за счет этого набирало все большую популярность.
Витиеватость узоров и массивность дерева в стиле барокко
Черты и особенности стиля
Для направления барокко присущи контрастность образов и их динамичность, совмещение иллюзорных форм и реальности, великолепие композиций. В интерьерах и экстерьерах построек применяются скульптурные элементы, рустованные колонны, волюты и раскреповки, а также пилястры. Нередко можно было встретить развернутые колоннады значительных масштабов. Стиль барокко от маньеризма унаследовал тенденцию поражать воображение. Это можно наблюдать в сложных купольных формах, выполненных в виде многоярусных конструкций. К отличительным чертам также относится использование кариатид, атлантов и маскарон.
Тенденции вычурности и напыщенного богатства также можно проследить еще в стиле Викторианской эпохи.
Кариатиды, атланты и маскароны
Интерьер
В моду барочного интерьера широко входят необычные композиции ассиметричных рисунков декора, изображения вогнутых и выпуклых форм. Четко выражены вертикальные линии колон и членений горизонтального типа, что присуще еще и колониальному стилю.
Стиль барокко идеально сочетается с интерьером помещений значительного размера – многообразные украшения и мебельные гарнитуры занимают невероятно большое пространство комнаты.
На фото представлен один из ярчайших примеров интерьера в направлении барокко.
Интерьер в стиле барокко
Мебель
Мебель в стиле барокко – уникальное произведение искусства, поэтому она использовалась чаще всего для создания интерьерной композиции помещения. Мягкие гарнитуры (диваны, кресла с деревянными ножками, стулья) обивались дорогостоящими материалами насыщенных оттенков. Гигантские шкафы из дерева украшались резными гравировками и однотонными рисунками. Очень популярны были громадные кровати с нарядными навесами, с которых струились вниз красочные покрывала. Гостиным помещениям во времена барокко уделялось особое внимание – в шикарных залах принимали гостей и устраивали балы.
Мебель в стиле барокко
Оформление стен
В интерьере барокко использовалась настенная роспись. Высокие мраморные стены были покрыты крупными многоцветными изображениями, дополненными обильной позолотой и фресками на потолках. А картины невероятных размеров и обрамленные богатыми рамами (с позолотой или лепниной), довершали общую композицию невероятного великолепия.
Изображения на стенах в стиле барокко описывали сцены из мифологических сказаний.
Классическое представление барокко в современном интерьере
Оформление полов
Мраморный пол служил гармоничным контрастом общему интерьеру гигантских залов. Он оформлялся в виде плиток, расположенных в шахматном порядке. Цветовая палитра не отличалась особенным разнообразием – использовались однотонные цвета. На фото выше можно и просмотреть, как оформлялись полы в стиле барокко.
Живопись
К характерным особенностям становления живописи в барочный период относятся:
Броская цветовая палитра.
Динамичность композиции.
Пышность «плоских» форм.
Яркие примеры картин эпохи барокко можно наблюдать в творчестве Рубенса («Распятие», «Страшный суд», «Битва греков с амазонками») и Караваджо («Больной Вакх», «Отдых на пути в Египет», «Призвание апостола Матфея»).
“Страшный суд”, Рубенс
Архитектура и ее представители
Отличительными чертами архитектуры барокко стали текучесть криволинейных и сложных форм, а также невероятный размах стилистического пространства. Изобилие скульптурных творений декорируют фасады здания церквей и соборов.
Во многих странах стиль барокко в архитектуре получает огромную популярность. Только во Франции он был не настолько выражен – к барочным памятникам даже употребляется термин «классицизм».
Классицизм – это направление в искусстве (17-19 вв). Характеризуется возвращением к античному искусству и культуре, которая считалась идеальным образцом.
Неоценимый вклад в области архитектуры внесли:
Донато Браманте – основоположник барочного зодчества.
Джакомо Делла Порта, Карло Мадерна и Доменико Фонтана – архитекторы раннего периода барокко.
Франческо Брромини – представитель радикального зодчества.
Сантино Солари – создал первый барочный собор в Зальцбурге.
Архитектура барокко
Скульптура
Лоренцо Бернини
Органически присущей частью искусства барокко являлась скульптура. Самым знаменитым скульптором 17-го столетия был признан Лоренцо Бернини. Его наиболее популярные работы на мифологическую тематику:
Плутон (бог подземного царства), похищающий Прозерпину.
«Экстаз святой Терезы» – алтарная группа, расположенная в одном из храмов Рима.
Аполлон (бог света), преследующий нимфу Дафну, которая чудесным образом превращается в дерево.
На фото изображена скульптура в стиле барокко, выполненная из дерева. Именно этот материал преобладал при создании скульптур, а для большей реалистичности с хрустальной срезкой и стеклянными глазами.
Мода
Эпоха барокко развивается во времена правления Людовика XIV (2-я половина 17-го века), когда при дворе царил безукоризненный этикет. Законодателем модных тенденций в Европе была Франция, и другие страны строго следовали французским направлениям в моде.
Для европейских нарядов характерна невероятная пышность, дополненная многочисленными украшениями.
Модные веяния барокко
Платья прекрасных дам видоизменились – в отличие от эпохи Раннего Ренессанса они были на китовом усе. Наряд книзу юбки плавно расширялся, а сзади платья прикреплялся шлейф. Глубокий вырез декольте открывал плечи, а вошедшие в моду высокие прически покрывались косынками и чепчиками из тонкой ткани.
Мужчины носили длинные кафтаны, украшенные кружевами и красочными бантами. Высокие ботфорты носили исключительно во время военных походов или в полях. В гражданской же обстановке представители сильного пола носили туфли. Обувь украшалась аграфами (пряжки), но со временем более популярными стали банты.
Головы кавалеров покрываются элегантными париками, распускающимися кудрявыми локонами по плечам и торчащими вверх. Как женщины, так и их кавалеры стали использовать косметику в непомерном количестве. Лица и парики тщательно напудривались. Кроме того, появились мушки – они придавали яркий контраст невероятной белизне кожи.
Пример нарядов времени барокко можно наблюдать на фото.
 
Искусство: художественные картины в барочном стиле
И.С. Бах
В самом конце эпохи ренессанса появляется музыка барокко, которая становится предшественником культуры классицизма. Наблюдается противопоставление инструментов и голосов, солистов и хора, а также сочетание форм значительных масштабов. Возникают инструментальные жанры, а ведущее положение занимают опера, жанры кантаты и оратории.
Известные музыканты и композиторы:
Ч. Бернелли, Г. Рейтер, И.И. Фукс, Д. Фантини, У.Г. Руэ, И.Г. Вюлькен – знаменитые трубачи.
И.С. Бах, Ф. Джеминиани, Жан-Батист, А. Вивальли, С. Шейд – известные композиторы.
Человек
Люди эпохи барокко считали естественным поведением проявление бесцеремонности, дикого невежества и даже самодурства. Женщины придерживаются безукоризненной белизны кожи и очень дорожат ею. Они украшают свои головы замысловатыми прическами и появляются в высшем обществе в элегантных туфельках на невысоких каблучках.
Олицетворением мужского идеала становится “джентельмен” – образ спокойной, мягкого, уравновешенного мужчины. Усы и бороды теперь сбривают, напудривают парики, пользуются парфюмом. Споры между представителями сильного пола проявляются в дуэлях.
Именно во время барокко начинают появляться элегантные салфетки и вилки, что относится к изысканности столового этикета.
Бог представляется людям не как спаситель человеческих душ, а как Величайший Архитектор, сотворивший мир подобно часовому механизму.
В столицах европейских государств открываются научные сообщества и многочисленные Академии наук. Исаак Ньютон в 1689 году создает труд под названием “Математические начала натуральной философии”, а также открывает “Закон всемирного тяготения”. Карл Линнец публикует в 1735-м году известную работу по систематизации биологии “Система природы”. Галилей доказывает предположение о том, что Земля вращается вокруг Солнца. Начинается период открытия новых земель и парусники невероятных размеров путешествуют по просторам мировых океанов.
Символы литературы: искатели удивительных приключений и предприимчивые путешественники (Барон Мюнхаузен, Робинзон Крузо, Гулливер). Нормой в художественной лексике считаются иносказания.
Иллюстрация “Путешествия Гулливера”
Виды обоев для стен: как их правильно подобрать и как правильно поклеить.
Какими бывают современные серванты для гостиной читайте в этой статье.
Состав ламината: https://trendsdesign.ru/materialy/napolnye-pokrytiya/laminat/laminat-sostav-osnovnye-osobennosti-pokrytiya.html
Краткий видео-обзор на стиль Барокко
Выводы
Век барокко возник в 16-м столетии и приобрел широчайшую популярность на территории Западной и Восточной Европы. Этот период развития культуры и искусства принято считать предвестником победоносного шествия «цивилизации Запада». Производной стиля барокко считается рококо – более спокойный и утонченный стиль в интерьере на фоне своего предшественника. Так же читайте об архитектуре Ампир.
Рекомендуем также прочитать что это неоклассика.
в архитектуре, искусстве, живописи, музыке, литературе
В конце XVI века в Риме (Roma) начинается новая культурная эпоха, которую часто ограничивают понятием «художественный стиль». Сменив Поздний Ренессанс, Барокко (barocco) в Италии охватывает период конца XVI − начала XVIII века. 
Разнообразие жанров, региональных школ, объединений художников мешают искусствоведам правильно оценить эпоху. Сторонники стиля считают, что грандиозная пластика стремится к красоте, продолжает традиции Возрождения и маньеризма.
Противники уверены, что барокко − безвкусица, кризисная стадия развития художественного творчества. Эмануэле Тезауро (Emanuele Tesauro) знал подход к решению проблемы. Итальянский философ XVII века утверждал: чтобы понять искусство барокко требуется «острый ум», особый способ мышления: способность воспринимать метафоры и аллегорию, умение быстро проникать в суть идей Мастера.
Значение термина
 Ни одно происхождение названия стилей в истории искусства не вызывает столько споров, сколько «барокко». Впервые термин употребили в XVIII веке Иоганн Иоахим Викельман (Johann Joachim Winckelmann) и Франческо Милициа (Francesco Milicia). Историки искусства вкладывали в эпитет «барочный» негативный смысл и применяли к творчеству, противоречащему правилам эстетики классицизма.
В списке представлены примеры толкований термина:
Название относится к фигуральному искусству
Язвительная насмешка, негативный смысл: нелепый, странный, «с причудой»
Barroco (французский язык) – дурной, вычурный, неестественный вкус
Perola barroca (португальский) – нестандартная жемчужина без оси вращения (термин ювелиров)
Barocco (итальянский) – приём софистики; форма логики, приводящая к абсурду
Bis-roca (латынь) – камень скрученной формы. Драгоценный минерал, но с дефектом. Имитация красоты
Barocco (итальянский) – термин связан с именем крупнейшего художника раннего барокко
Федерико Бароччи (Federico Barocci) – крупнейший итальянский художник и график эпохи позднего маньеризма и раннего барокко.
Заимствование из архитектуры центрально-азиатских турок (сельджуков)
Рим – родина барокко
Центром развития нового стиля искусства был Рим. Столица католического мира не утратила опыта Ренессанса. «Отцом» итальянского барокко называют Микеланджело Буонарроти (Michelangelo di Lodovico Buonarroti). Крупнейший мастер Возрождения разработал новые композиционные формы для библиотеки папы Климента VII (1523 − 1534) – архитектурное сооружение считается первообразом всех зданий стиля барокко.
 В 1593 году в Риме начинает творческую деятельность реформатор живописи Микеланджело Караваджо (Michelangelo Merisi da Caravaggio). Изменившиеся политические условия диктуют новые правила поведения. Церковь и аристократия нуждаются в демонстрации могущества. Барокко − стиль, который может их возвысить.Роль церкви. Контрреформация
Историк классического искусствоведения Джулио Карло Арган (Италия) назвал время итальянского барокко «культурной революцией во славу идеологии католицизма». В ответ на протестантскую Реформацию католики начинают церковно-политическое движение − Контрреформацию.
Главная задача реформы заключалась в обновлении Римско-католической церкви, восстановлении её престижа.
Визуально представить власть и могущество могло только искусство, с помощью которого можно ошеломить, привлечь внимание, заинтересовать. Простым церквям протестантов противопоставляют католические храмы, украшенные богатой позолотой, орнаментом, величественными лестницами. Собор святого Петра (Basilica Sancti Petri) в Ватикане − образец нового стиля. Прототипом для церквей итальянского барокко считают римскую церковь Иль-Джезу (Chiesa del Sacro Nome di Gesu), построенную по дизайну Джакомо да Виньола (Il Vignola).
История развития стиля
Мастера барокко отходят от художественных традиций Ренессанса. Развитие искусства происходит в два периода:
Раннее барокко. Временные рамки: конец XVI − начало XVII века.
Зрелое барокко: 30-е годы XVII − начало XVIII века.
Раннее барокко развивалось неравномерно и зависело от местных особенностей. Черты стиля вырабатываются в архитектуре и живописи. Колыбель Ренессанса − Флоренция (Firenze) − остаётся равнодушной к особенностям нового искусства. Рим (Roma) не жалеет средств на реконструкцию города.
 Венеция (Venezia), Турин (Torino), Генуя (Genova) придают архитектурным сооружениям утончённый и праздничный вид. Признанные представители раннего барокко: Джакомо Бароцци да Виньола (Il Vignola, 1507 − 1573), Джакомо делла Порта (Giacomo della Porta, 1533 − 1602), Доменико Фонтана (Domenico Fontana, 1543 − 1607), Микеланджело Меризи да Караваджо (Michelangelo Merisi da Caravaggio,1571 − 1610).
Зрелое барокко начинается после 1630 года. Доминирующим видом искусства становится скульптура. Период характеризуется усилением пышности архитектуры. Появляются новые формы: украшенные скульптурой фонтаны, гроты, балюстрады. Культовое зодчество позднего барокко представляют опытные мастера: Джованни Лоренцо Бернини (Giovanni Lorenzo Bernini, 1598 − 1680), Гварино Гварини (Guarino Guarini, 1624 − 1683), Карло Райнальди (Carlo Rainaldi, 1611 − 1691).
Особенности стиля
Появление нового художественного стиля нельзя объяснять только влиянием католической церкви. Культурная эпоха связана с крушением идеалов гуманизма, новым пониманием природы Человека, изменением «картины мира» (рубеж XVI-XVII веков). От Ренессанса искусство Барокко унаследовало пышность и основательность, от маньеризма − глубокую эмоциональность и динамичность.
Характерные черты стиля в архитектуре:
монументальность;
пространственный размах;
сложный криволинейный план;
использование светотени, колоннад, куполов;
массивные парадные лестницы;
подчёркнутое величие церкви;
великолепие.
Итальянская барочная скульптура
Новые элементы зодчества появляются после слияния архитектуры и скульптуры: статуя атланта (теламон), колонна в виде фигуры женщины (кариатида), скульптурное украшение маскарон, обелиск. Самый известный скульптор периода — Джованни Лоренцо Бернини (Giovanni Lorenzo Bernini). Лучшая работа — скульптурная группа «Экстаз Святой Терезы» (Estasi di santa Teresa d’Avila).
Характерные черты стиля:
театральность;
изображение группы человеческих фигур в энергичном движении;
использование белого мрамора;
возможность осматривать статуи с нескольких углов обзора;
слияние скульптуры с живописью и архитектурой;
изобилие скульптурных фигур на фасадах, в парковых зонах дворцов.
Живопись
Итальянская живопись XVII столетия начинает терять исключительное положение в Европе.
Передовым для эпохи остаётся художественное творчество в архитектуре. Искусствоведы разделяют барочную живопись на три типа: церковную, придворную, буржуазную. Новые жанры используют не только мифологические и религиозные темы. Внимание художников фокусируется на реальной жизни.
Особенности барочной живописи:
динамизм композиций;
незаурядность сюжетов;
драматический конфликт;
использование аллегории;
контраст цвета, тени, масштабов;
парадные портреты, создающие иллюзию эмоционального контакта;
пышность форм.
Человек эпохи
Мировосприятие в период барокко меняет ренессансное представление о человеке. Итальянская культура нового времени представляет человека песчинкой в мире великой природы. Бог − это Великий Архитектор. Люди должны учиться у высшего разума.
Барокко в искусстве
Современное искусствоведение рассматривает итальянское барокко как художественную эпоху, начавшую движение западной цивилизации к триумфу.
Архитектура
 Первыми, кто представил художественный стиль в начале XVII столетия, были архитекторы. Радикальный представитель итальянского барокко Франческо Борромини (Francesco Borromini) закладывает основы для последующего развития европейской архитектуры. Благодаря Борромини Италию называют родиной архитектурного барокко.Франческо Борромини (1599 − 1667)
Совместно с Лоренцо Бернини архитектор работал над проектом 29-ти метрового балдахина в соборе святого Петра (Basilica di San Pietro) в Ватикане (Stato della Citta del Vaticano). Витые колонны украшены ветвями лавра. Четыре статуи отцов церкви поддерживают кресло святого Петра. Киворий покрыт бронзой, взятой из Пантеона. Имя резкого, неистового Франческо осталось в тени. Слава досталась его сопернику Лоренцо Бернини.
В историю собора вошла высокая решётка из бронзы для капеллы святого Причастия, выполненная по эскизам Борромини в 1630 году.
Выдающийся архитектор принимал участие в реконструкции кафедрального римского собора Святого Иоанна Крестителя на Латеранском холме (Basilica di San Giovanni in Laterano).
За четыре года работы (1646 − 1650) он обогатил базилику элементами барочной архитектуры, спроектировал ниши главного нефа, сделал эскизы статуй святых и пророков. Автор проектов величественных дворцов руководил строительством палаццо Барберини (Palazzo Barberini, 1629 − 1633) в Риме.
Винтовая лестница в виде улитки, двойные колонны, причудливые детали восхваляли могущество Маффео Барберини (Maffeo Barberini), избранного в 1623 году папой Римским (Урбан VIII).
Филиппо Юварра (1678 − 1736).
Римский зодчий, яркий представитель позднего барокко, Филиппо Юварра (Filippo Juvarra) строил в Италии церкви, палаццо герцогов, проектировал королевский дворец в Испании (Palacio Real de Madrid).
Барочные находки Франческо Борромини вдохновили архитектора на создание в 1732 году купола церкви Сант-Андреа в Мантуе (Basilica di Sant’Andrea). В Турине сооружены дворцовый комплекс палаццо Мадама (Palazzo Madama, 1721), загородная резиденция монархов Савойской династии − стильный охотничий замок Ступиниджи (Palazzina di caccia di Stupinigi). Важнейшие постройки − собор Суперга (Basilica di Superga) и палаццо Бираго ди Боргаро (Palazzo Birago di Borgaro).
Собор Суперга
Строительство пышной католической базилики Суперга началось в 1717 году.
Архитектор барочного стиля Филиппо Юварра воздвиг храм, ставший «соперником колоссального собора святого Петра и Павла в Риме» (М.Н. Загоскин).
Палаццо Бираго ди Боргаро
В 1716 году граф Ренато Аугусто Боргаро (Augusto Renato Birago di Borgaro) поручил архитектору построить дворец в Турине. Особенности сооружения: величественная лестница, многочисленные колонны, украшенный статуями главный зал для торжественных приёмов и балов, чередование изогнутых и треугольных фронтонов на окнах.
Пирро Лигорио
Художник итальянского барокко, антиквар, инженер Пирро Лигорио (Pirro Ligorio) был архитектором папского двора Пия IV (1559 − 1565). После критики проекта Микеланджело Буонарроти по сооружению собора Святого Петра, Пирро Лигорио теряет престижную должность и возвращается на службу к Ипполито II д’Эсте (Ippolito II d’Este).
В 1567 году по заказу кардинала архитектор приступает к проектированию фонтанов и парка виллы в Тиволи. Мастер строит сад в соответствии с символикой династии д’Эсте, связанной с прародителем рода − Гераклом. Сорок два водоёма, окружающие виллу, создают «Кипящую лестницу».
Грандиозное сооружение «Дорога ста фонтанов» построено в соответствии с сюжетом «Метаморфоз» Овидия. Знакомство с «Фонтаном Органа» вызвало восторг современников. При попадании воды в сводчатую ёмкость, воздух проникал в органные трубочки и вызывал звуки музыки. После масштабной реставрации ландшафтной архитектуры, созданной Пирро Лигорио, объект назван самым красивым парком Европы (2007).
Скульптура
В эпоху барокко скульптура тесно связана с живописью и архитектурой. Меняется техника ваяния. Скульпторы отказываются от понятия пластического покоя. Наиболее знаменитым скульптором итальянского барокко признан Лоренцо Бернини, которого искусствоведы назвали «Микеланджело XVII столетия».
Джованни Лоренцо Бернини
Основатель барочного стиля в скульптуре осуществлял масштабные проекты. Джованни Лоренцо Бернини посвятил 50 лет творческой жизни украшению Собора Святого Петра в Ватикане.
Работая над статуями религиозных сюжетов, скульптор и главный архитектор Базилики (1629) использует белый мрамор, скрытый свет для усиления эффекта богослужения.
В руках мастера твёрдый блестящий камень становился послушным и пластичным. Скульптуры «оживали», передавая изгибы и теплоту человеческого тела.
Классический пример − работа «Экстаз святой Терезы» (1645 − 1652).
Историк искусства Эрнст Гомбрих (1909 − 2001) дал оценку произведению мастера, написанному для римской церкви Санта Мария делла Витториа (Santa Maria della Vittoria): «Барочный скульптор довёл религиозное чувство до исступления. Лоренцо Бернини нагнетает эмоции до предельного накала и не опасается преступить грань дозволенного. Подобного образа ещё не было в истории искусства».
Давид
Скульптор обращается к античным сюжетам, но создаёт образы в свойственной ему манере. «Давид» Бернини (1623) не похож на героя произведений Микеланджело Буонарроти и Донателло (Donatello).
Автора интересует правдоподобный показ убийства Голиафа. Тонкие губы юного Давида упрямо сжаты, маленькие глаза наполнены злостью, гримаса на лице выдаёт явные намерения. Динамичная фигура заставляет зрителя представить траекторию броска камня.
Римские фонтаны
Творения Бернини − шедевры аллегории и зрелищности. Величественные фонтаны с сюжетной линией выполнены в Риме по заказу папы Урбана VIII.
Фонтан Тритона
Лоренцо Бернини завершает строительство фонтана Тритона (Fontana del Tritone) в 1642 году.
Постамент, выполненный из травертина, образуют скульптуры четырёх дельфинов, между которыми находится герб папы Римского. В огромной раковине, установленной на хвостах морских животных, помещена статуя Тритона. Сын Посейдона выдувает из раковины струю воды.
Фонтан пчёл
В 1644 году архитектор по приказу великого понтифика устанавливает фонтан пчёл (Fontana delle Api), предназначенный для нужд горожан.
По створкам раскрытой раковины к воде спускаются три пчелы − символ династии Барберини.
Фонтан четырёх рек
Период строительства фонтана четырёх рек (Fontana dei Quattro Fiumi): 1648-1651 годы.
Расположенный в середине фонтана обелиск, демонтированный из древнего храма Исиды, окружают скульптуры мифологических богов. Фигуры символизируют главные реки четырёх частей света: Нил, Ганг, Дунай, Ла-Плата. Композиционное расположение духов, их одеяния, динамичные движения аллегорично представляют истории из древних мифов.
Барокко в живописи
В XVI − XVII столетиях в Италии формируются два главных направления в живописи:
«Болонский академизм», созданный братьями Карраччи.
Творчество Караваджо, самого крупного художника стиля барокко.
Микеланджело Меризи да Караваджо
Именем самого значительного художника, работающего в стиле барокко, названо реалистическое течение в искусстве западной Европы (караваджизм). Микеланджело Меризи был противником «болонского академизма» и считался бунтарём.
Он уделял внимание необычным персонажам: картёжникам, авантюристам, шулерам. Картины мастера открыли новый жанр в искусстве − реалистический бытовой портрет («Игроки», 1594 − 1595; «Лютнист», 1595). Увлечённость натурализмом в изображении людей и событий находит отражение в картине «Обращение Савла» (1601).
Религиозный сюжет использовали живописцы до Караваджо. На картинах художников главное внимание уделялось библейским персонажам. Барочный мастер новаторски смело рисует мощный круп лошади на всей верхней части полотна, реалистично изображает сморщенный лоб, натруженные ноги, редкие волосы конюха.
 Революционный для того времени прием используется в картине «Успение Марии» (1606). Натуралистическая трактовка образа не понравилась заказчикам. Монахи не приняли картину мастера.
Поиски новых приёмов в творчестве не заслоняют основные достоинства произведений − пластичность, драматизм, эмоциональную выразительность. Лучшие картины: «Положение во гроб» (1602 − 1604), «Распятие Святого Петра» (1601).
Трое палачей прикладывают большие усилия, чтобы перевернуть тяжёлый крест с распятым апостолом. Ответственность за преступление лежит на тех, кто совершает казнь Святого Петра.
Советую почитать:
Фрески семьи Карраччи
Против Караваджо выступили Аннибале, Агостино, Лодовико, Антонио Карраччи (Annibale, Lodovico, Agostino, Antonio Carracci). Братья противопоставили караваджизму «болонский академизм». Семья художников создала в Болонье «Академию»» (1585).
Специальная программа была предназначена «вступившим на истинный путь» живописцам. Принципы болонской школы стали прообразом всех будущих европейских академий.
Братьев признали мастерами монументально-декоративной живописи. По поручению кардинала Одоардо Фарнезе (Odoardo Farnese) Карраччи работают над фресками и галереей (1595-1604) в римском палаццо Фарнезе (Palazzo Farnese).
Совместная работа представляет 13 главных картин: любовные приключения греческих богов, триумфальное шествие Вакха и его свиты, супружеский союз членов династии, другие классические сюжеты. Цельная работа является образцом величайшего произведения раннего барокко.
Литература
Стихотворное творчество первым воспринимает идеи новой эпохи. Поэты считают реальный мир иллюзией. Произведения наполнены метафорами, символами, аллегориями. Исследователи литературы выделяют две стилевые линии в творчестве итальянских писателей конца XVI − начала XVIII веков:
• Аристократическое, элитарное барокко.
• «Низовое» демократическое направление с низменными сюжетами и пародиями.
Джамбаттиста Марино
Родоначальником барочной поэзии был Джамбаттиста Марино (Giambattista Marino, 1569-1625). Поэт находился под покровительством кардинала Пьетро Альдобрандини (Pietro Aldobrandini) и герцога Савойи Карла Эммануила Великого (Carolus Emmanuel Magnus).
Сборники стихов «Лира» (La Lira, 1608 − 1614), «Эпиталамы» (Epitalami, 1616) являются образцом придворной поэзии. Лирические сонеты написаны в привычных формах Ренессанса, но наполнены новым содержанием. Характерный приём − использование метафор, словесная игра сочетаний с противоположным значением («учёный невежда», «богатый нищий»), пасторальные мифологические сюжеты.
Поэт отходит от ренессансного понятия универсальной гармонии и утверждает: миром правит дисгармония. Автор произведения «Слово о музыке» представляет Бога дирижёром хоровой капеллы, распределившим роли между людьми и животными, белыми и чёрными клавишами. Люцифер был первым музыкантом, поддавшимся «диссонансу ада» и сбившимся с нот.
Разгневанный маэстро бросил партитуру на землю, которая стала домом для людей. Творчество придворного поэта легло в основу маринизма − литературного направления эпохи барокко в Италии.
Эмануэле Тезауро
Теорию литературы нового стиля сформулировал итальянский историк, писатель Эмануэле Тезауро (Emanuele Tesauro) в трактате «Подзорная труба Аристотеля» (Il cannochiale aristotelico), опубликованном в 1654 году. Автор назвал произведение главной своей работой, над которой трудился 40 лет.
Теоретик искусства утверждал: литература живёт по своим законам, не связанным с логикой и рациональным мышлением. Новое искусство «быстрого разума» напоминает фокусника, умело использующего Метафору − «Мать поэзии и Остроумия». «Подзорная труба…» следит за всеми удивительными и неожиданными открытиями. Философ восторгается победой человеческой мысли, проникшей с помощью телескопа в загадки Вселенной. Определив критерии прекрасного и отвратительного, Эммануэле Тезауро сформулировал понятие идеала в искусстве своего времени.
Музыка
Период 1630-1750 гг. называют «музыкой барокко». Термин, указывающий на конкретный жанр музыкального искусства, стали применять только в начале XX века. Барочный стиль отличает грандиозность, патетическая приподнятость, театральность, синтез искусств.
Ведущие жанры −опера, оратория, кантата.
Музыкальные инструменты: клавишные (орган, клавесин), струнные смычковые (скрипка, виола, контрабас, виолончель), струнные щипковые (лютня, мандолина, барочная гитара) медные и деревянные духовые, ударные (литавры).
Основными направлениями творчества остаются духовная и светская музыка.
Грегорио Аллегри
Композитор Грегорио Аллегри (Gregorio Allegri, 1582 -1652) был священником, пел в хоре Сикстинской Капеллы (Cappella Sistina) в Ватикане. В 1630 году Аллегри первым написал музыку к тексту знаменитой «Мизерере» (Miserere). Папские певчие долгое время держали ноты в секрете. По легенде через сто лет (в 1770 году) 14-летний Вольфганг Амадей Моцарт (нем. Wolfgang Amadeus Mozart) по памяти записал услышанную мелодию и раскрыл секрет церковников.
В настоящее время Псалом 50 (покаянный) постоянно исполняют в богослужениях католической церкви. Незабываемую барочную музыку можно услышать в видео
Сальватор Роза
Художник, поэт, гравёр, музыкант Сальватор Роза (Salvator Rosa, 1615-1673) был противоречивой знаменитостью Италии. Картина «Титий» (1639) принесла славу живописцу на римской выставке конгрегации «Виртуозы Пантеона».
Но за скандальное полотно «Фортуна» (1658 − 1659) инквизиция пыталась привлечь художника к суду. Разносторонне одарённый человек был отличным музыкантом: играл на арфе, лютне, флейте, гитаре.
Сальватор Роза написал несколько серенад − донцелл, которые пользовались огромной популярностью в Неаполе (Napoli). Вечерние песни трубадуров горожане каждый день распевали под окнами возлюбленных. Незаурядный представитель эпохи итальянского барокко вызвал большой интерес у композиторов XIX века. Ференц Лист написал фортепианную пьесу, которую назвал «Канцонетте Сальваторе Розы» (1849). Бразильский дирижёр и композитор Гомис Антониу Карлус посвятил художнику и музыканту оперу «Сальваторе Розе» (1874).
Мода
В отличие от универсального искусства, Италия эпохи барокко не была законодательницей европейской моды. Человек, подчинённый тяготам земной жизни, перестал быть центром мира.
Модной становится скромность, бледность кожи, украшенная лентами и шнурами одежда. Мужчины носили панталоны с завязками под коленями, короткие куртки с широкими рукавами. Женщины одевали корсеты и неширокие юбки. Яркими остаются итальянские шерстяные и шёлковые ткани. В XVII веке начинается рост производства атласа, бархата, муара. Увеличивается спрос на венецианские кружева, появившиеся в Италии ещё в XV столетии.
Художники декоративно-прикладного искусства Niccolo Zoppino (1527), Bugato (1527) разработали неповторимые узоры и орнаменты для создания кружев, которые превращаются в надёжную валюту и подчёркивают статус в обществе.
 Венецианские кружева заказывают для коронованных особ и придворных Англии и Франции. В XVI веке в Италии рождается знаменитое кружево «Ретичелла» (reticello), ставшее позже разновидностью техники Ришелье.
Изменения в обществе наметились в первой половине XVII века. К 60-ым годам все итальянцы стали одеваться по французской моде. Идеальным образом мужчины становится нежный, пахнущий духами синьор в напудренном парике. Женщина с вычурной причёской носит корсет и туфли на каблуках. Отличительная особенность костюма − контрастные цветовые сочетания, вышивки, кружева. До XIX века итальянцы носили парики, уложенные по версальской моде.
Заключение
Италия внесла в мировую культуру вклад исключительной важности. Эпоха конца XVI − начала XVIII века сформировала новое искусство, которое стало универсальным. Стиль барокко медленно вызревал, чтобы взорваться именами великих творцов, изменивших ход развития западноевропейского искусства.
Интерьер в стиле барокко
Стиль барокко (итал. «barocco» — вычурный, помпезный, склонный к излишествам) зародился в Италии в XVI—XVII веках, а затем распространился по всему миру. В России был известен как «нарышкинское барокко». Его элементы до сих пор успешно применяются в современном дизайне квартир и домов.
 
В дизайне интерьера барокко стремится к величию и пышности. Особенностями стиля в интерьере являются: пространственный размах (стилю присущи большие помещения), богатство и роскошь, симметрия, массивная дорогая мебель, обилие позолоты, лепнины и вычурного декора, настенная живопись, фрески, цветовые контрасты.
 
Для отделки пола используют мрамор, который может переходить и на стены, паркет, керамогранит. Полы застилают коврами.
Стены, как правило, затягивают дорогими тканями или гобеленами. Это могут быть и обои в характерной барокко цветовой гамме (однотонные темные или светлые со сложным флористическим рисунком) и декоративная штукатурка. На таком фоне золоченая мебель будет выглядеть более эффектно.
 
 
 Совет руководителя студииСоздайте интерьер своей мечты с дизайнерами нашей студии
 Каждый наш проект отражает потребности, вкус и образ жизни нашего клиента
 Рассчитать стоимостьТекстильные обои непрактичны для кухни, поэтому выберите декоративную штукатурку или краску для стен. Вместо паркета, на пол положите керамическую или мраморную плитку. Наиболее популярное цветовое сочетание для кухни: белый или молочный с золотым.
 
Потолок должен сочетаться по стилю со стенами, поэтому многоуровневые конструкции или многоступенчатые переходы, украшенные лепниной или фресками, будут хорошим решением. Потолки украшают эффектной росписью перспектив.
 
Диваны и кресла на изогнутых ножках с резными спинками и подлокотниками, обитые яркой декоративной тканью с цветочно-кружевными композициями. Верхний край спинки дивана делали волнистым. Кровать с красивой спинкой, на высоких фигурных ножках, с балдахином из бархата. Спальня в стиле барокко не обойдется без туалетного столика и пуфа, комода с выдвижными ящиками. Серванты со стеклянными дверцами, массивный большой деревянный стол круглой формы — на кухне. Столы эпохи барокко покрывали массивной столешницей из цветного мрамора или мозаики.
 
Мебель изготавливается с помощью техники деревянного набора и фанерования, используют материалы, пригодные для полировки и резьбы, например, мягкий орех. Оптимальные породы древесины для кухонной мебели: дуб, бук, ясень, вишня, каштан. Дерево покрывают позолотой и декорируют бронзовыми или позолоченными накладками. В качестве отделочных материалов так же используют черепаший панцирь или слоновую кость. Поверхность мебели и предметов интерьера теряет свою гладкость и становится шершавой, выпукло-вогнутой, сверху покрытой лаком.
 
Романтическое звучание интерьерам XVII века придавало освещение при помощи свечей. Под них были придуманы жирандоли, шандалы, канделябры и подсвечники. В наше время свечи несут на себе лишь декоративную нагрузку, уступив место электрическим светильникам в форме свечи. Светильники могут быть серебряными или золотыми и декорированы подсвечниками. Свет в помещении — приглушенный и рассеянный.
 
При оформлении дизайна в стиле барокко используются цветовая гамма, которая отражает помпезную направленность стиля: терракотовая, темно-зеленая, коричнево-зеленая, красно-бордовая, пурпурно-золотая, сине-золотая. Основным цветом стиля является золотой, в сочетании с белым и бежевым. Это проявляется при отделки помещения и подчеркивается в аксессуарах декора и деталях мебели.
 
Пафос интерьера усиливают насыщенные цвета, фрески, стеновые полуколонны, обилие тяжелых тканей, ковры, богатые сверкающие люстры и настенные бра в форме свечей с хрустальными подвесками, позолоченная лепнина, барельефы и росписи с преобладанием тематики изображений листьев и плодов.
 
Распространены шпалеры (гобелены) — тканые ковры без ворса, которыми занавешиваются стены дома. Парчой оформляются стены, окна и двери, мебель. Ценится и длинноворсовой генуэзский бархат.
 
В качестве элементов декора подойдут различные скульптуры, картины в больших рамах, напольные вазы и зеркала больших размеров в резных рамах. Окна украшаются тяжелыми портьерами со сложной драпировкой. Сваги, кокилье, кисти, бахрома, шнуры, вензеля, вышитые золотым люрексом, — все, что способно подчеркнуть торжественную декоративность стиля.
 
Современным видением стиля барокко стал необарокко, возникший в конце прошлого века.
 
Выбирая для себя стиль будущего интерьера, стоит помнить, что удачный интерьер — это четкая взаимосвязь жилого объема с внутренней архитектурой пространства. Стиль барокко уместен в правильной, классической планировке — с высокими потолками, анфиладами, гипсовой лепниной и с соответствующим видом за окном. Если хочется иметь классику в обычной городской квартире, лучше, все же, сделать ее более легкой, возможно, выбрав необарокко, или отдать предпочтение классическим, но сдержанным и спокойным формам и убранству.
 Виктория и Альберта · Стиль барокко 
 Барокко — это очень богато украшенный и продуманный стиль архитектуры, искусства и дизайна, который процветал в Европе в 17-м и первой половине 18-го века. Возникнув в Италии, его влияние быстро распространилось по Европе, и он стал первым визуальным стилем, оказавшим значительное влияние на весь мир.
 Определяющей характеристикой стиля барокко был способ, которым изобразительное искусство живописи, скульптуры и архитектуры были объединены в единое целое, чтобы передать единое сообщение или смысл.
 Искусство и дизайн в стиле барокко обращались напрямую к чувствам зрителя, обращаясь к эмоциям, а также к интеллекту. Он отражал иерархическое и патриархальное общество того времени, развивался и использовался власть имущими — церковью, абсолютными правителями и аристократией — как убеждать, так и производить впечатление, быть одновременно богатым и значимым. По сравнению с контролируемыми и тщательно сбалансированными пропорциями, связанными с эпохой Возрождения, барокко известно своим движением и драматизмом.
 Влияние барокко распространилось из Италии и Франции на остальную Европу, а затем через европейские колониальные инициативы, торговлю и миссионерскую деятельность распространилось в Африку, Азию, Южную и Центральную Америку. Во всем мире китайские резчики работали в Индонезии, французские мастера-серебряники в Швеции, а итальянские специалисты по твердому камню во Франции. Скульптура была отправлена с Филиппин в Мексику и Испанию, в то время как стулья лондонского производства разошлись по всей Европе и через Атлантику, а французские королевские мастерские производили предметы роскоши, которые были желанными и имитируемыми модным обществом по всей Европе.Тем не менее, как стиль, барокко также изменилось по мере того, как оно пересекло мир, адаптируясь к новым потребностям и местным вкусам, материалам и условиям.
 Гравюра по И Ланьтай, 1781 — 86 гг., Китай. Музей № 29452: 9. © Музей Виктории и Альберта, Лондон В Китае европейские павильоны были величайшим проявлением интереса правителей Цин к искусству Европы. Эти дворцы в европейском стиле были частью Юаньминь Юань или Старого летнего дворца в Пекине, летней резиденции императора Цяньлуна.Спроектированные священниками-иезуитами, павильоны, большинство из которых были построены между 1756 и 1766 годами, были основаны на моделях в стиле барокко и включали грандиозные фонтаны и статуи. В 1780-е гг. Был заказан комплект гравюр на медной пластине с изображением европейских павильонов. Этот альбом, копия которого находится в нашей коллекции, представляет собой важную визуальную запись павильонов, разрушенных английскими и французскими войсками в 1860 году.
 Важной особенностью искусства и дизайна барокко является использование человеческих фигур.Представленные как аллегорические, сакральные или мифологические, эти фигуры помогли превратить произведение в драму, чтобы передать определенные сообщения и вызвать эмоции зрителя. У них есть чувство реалистичной непосредственности, как будто они были остановлены на полпути. Выражение лица, поза, жест и драпировка использовались для добавления драматических деталей.
 Бюст короля Англии Карла II из нашей коллекции идеально передает драматизм портретной живописи в стиле барокко. Изображенный в оживленной манере, его голова повернута набок, а над кружевным галстуком и вздымающейся драпировкой ниспадает сложный парик.Такие величественные барочные изображения монархов и могущественных аристократов были более распространены во Франции 17-го века, чем в Англии, но Чарльз провел большую часть своей юности в континентальной Европе и отдавал предпочтение европейским художникам. Бюст выполнен в традициях ярких и внушительных портретов монархов и недвусмысленно подтверждает статус короля.
 Портретный бюст Карла II, Оноре Пелле, 1684, Италия. Музей № 239-1881. © Музей Виктории и Альберта, Лондон  Производительность архитектуры 
 Здания в стиле барокко также были динамичными и драматичными, как с использованием, так и с нарушением правил классической архитектуры.Внутри архитектура перекликалась с театральными приемами: расписные потолки заставляли комнаты казаться открытыми небу, а скрытые окна использовались для освещения куполов и алтарей.
 Опять же, дизайн использовался для передачи определенных значений и эмоций. Папский Рим стал ключевым местом религиозной архитектуры барокко. Пример театральности барокко можно найти в дизайне площади Святого Петра Джанлоренцо Бернини (1598–1680). Его величественные, внушительные изогнутые колоннады, в центре которых находится обелиск, используются как для того, чтобы ошеломить посетителей, так и для привлечения их в объятия церкви.
 Архитектура барокко также повлияла на формирование общественных пространств города. Публичные торжества играли важную роль в политической жизни нации. Обычно такие мероприятия проходили на открытом воздухе и представляли собой тщательно продуманные зрелища. Городские площади, такие как Пьяцца Навона в Риме и Площадь Луи-ле-Гран (ныне Вандомская площадь) в Париже, были фоном для фейерверков, щедрых театральных представлений и шествий в сложных и дорогих костюмах.
 Впечатляющая архитектура также использовалась для усиления власти абсолютных правителей, например, Версальский дворец во Франции — наиболее имитируемое здание 17 века.В 1717 году шведский архитектор Никодемус Тессин Младший составил «трактат об убранстве интерьеров для всех видов королевских резиденций и других памятных мест как в городе, так и в деревне», основываясь на своих путевых заметках. Одним из самых дорогих нововведений, которые он зафиксировал в последнее время, было наличие таких больших зеркал, что они покрывали целые стены. Он также отметил использование стекла над камином в Королевской палате в Версале.
 Расписное зеркало, вероятно, Антуан Моннуайе, 1710-20, Англия.Музей № W.36: 1-3-1934. © Музей Виктории и Альберта, Лондон Увлечение физическими материалами было центральным в стиле барокко. Виртуозные предметы искусства из редких и драгоценных материалов издавна ценились и хранились в специальных комнатах или шкафах вместе с образцами естествознания, научными инструментами, книгами, документами и произведениями искусства. Однако в период барокко рождение современной науки и открытие мира за пределами Европы вызвали все более серьезный интерес к природе и значению этих экзотических материалов.Такие раритеты, как фарфор и лак из Восточной Азии, вошли в моду, и им подражали в Европе. Также были разработаны новые методы, такие как маркетри (укладка шпона разноцветных пород дерева на поверхность мебели), разработанные французскими и голландскими краснодеревщиками и заимствованные у них в других странах.
 Ценность таких материалов можно увидеть в фарфоровой чашке из нашей коллекции. Изготовленный между 1630 и 1650 годами в Китае, первоначально как сосуд для кистей для письма, позже в Лондоне были добавлены экстравагантные позолоченные серебряные оправы, которые превратили сосуд для кистей в роскошную декоративную чашку с двумя ручками и крышку.
 Фарфоровая чашка, вероятно, Вольфганг Хаузер, 1660-70, Англия. Музей № M.308-1962. © Музей Виктории и Альберта, Лондон Изображения природного мира, а также мотивы, заимствованные из человеческих и животных форм, были популярными элементами декора. Самым распространенным видом цветочного декора в стиле барокко был бегущий свиток, часто сочетающийся с акантом — стилизованным вариантом настоящего одноименного растения. Кружка конца XVII века в нашей коллекции отличается пышным цветочным декором.Листья цветов превратились в извивающуюся листву, а сами цветы имеют полосатые лепестки, которые, вероятно, представляют собой тюльпан, еще один ключевой мотив искусства барокко.
 Кружка Peg, производитель неизвестен, около 1690 г., вероятно, Дания. Музей № КРЕДИТ: GILBERT.603-2008. © Музей Виктории и Альберта, Лондон Аурикулярный стиль с мягкими, мясистыми абстрактными формами также возник в начале 17 века, создавая эффект неоднозначный, наводящий на размышления и причудливый.Фактически, термин «барокко» появился позже — «причудливый» был одним из слов, используемых в то время для обозначения стиля, который мы ассоциируем с сегодняшним барокко.
 Театр был площадкой для великолепных постановок драмы, балета и оперы — нового вида искусства в то время. Эти представления с их богато украшенными костюмами, сложными декорациями и оригинальным оборудованием вызывали изумление и трепет. Театр пользовался успехом как у публики, так и при дворе. Написанная Жаном-Батистом Люлли для французского двора Людовика XIV (годы правления 1643–1715), опера  Атис  была настолько любима королем, что стала известна как «Королевская опера».В нашей коллекции есть рисунок пером и чернилами для костюма персонажа Геркулеса в  Atys . Он изображен в балетной позе, одет в костюм в римском стиле и идентифицирован по дубинке и львиной шкуре.
 Эскиз костюма, Жан Берен Старший, 1676, Франция. Музей № С.1108-1982. © Музей Виктории и Альберта, Лондон Театр также сыграл роль в борьбе за власть между европейскими дворами. Правители соперничали друг с другом в великолепии своих постановок.Во Франции театр и опера также стали ключевым элементом культурной политики Людовика XIV, которая использовалась для управления дворянством и выражения его силы и величия. В начале 18 века само здание театра приобрело новое значение как доказательство придворной, гражданской или технологической мощи. Возникшие в результате новые здания по всей Европе создали театр в том виде, который мы знаем сегодня.
 Однако к середине 18 века стиль барокко, казалось, все больше не соответствовал настроениям времени, в котором все большее внимание уделялось разуму и научным изысканиям.Барокко критиковали как «аморальный» стиль, а искусство и дизайн отказались от использования эмоций, драмы и иллюзий, вернувшись к более простому стилю, вдохновленному классической древностью. Лишь в конце 19 века стиль снова стал подвергаться критической переоценке.
 Фоновое изображение: Расписное зеркало, вероятно, Антуан Моннуайе, 1710–2020 годы, Англия. Музей № W.36: 1-3-1934. © Музей Виктории и Альберта, Лондон
 Искусство эпохи Возрождения и искусство барокко: понимание разницы 
 Тайная вечеря Меня не раз спрашивали, и я встречал разных людей, которые выражали недоумение относительно Baroque vs.Искусство эпохи Возрождения. Фактически, несмотря на несколько моих курсов по истории искусства и признательности, мне все же потребовалось несколько часов индивидуального изучения, чтобы действительно понять разницу. Большинство людей понимают, что если картина или скульптура созданы в Европе между 1300 и 1600 годами, скорее всего, это произведение эпохи Возрождения. И если это европейская работа 1600-1750 годов, то это барокко. Но если вы не знаете даты работы, или если вы не знаете художника или когда он жил, как вы можете определить, барокко это или ренессанс?
 Что ж, прежде чем мы обсудим, что отличает их друг от друга, давайте посмотрим на некоторые сходства между искусством барокко и ренессанса, чтобы мы могли ясно понять, почему возникает путаница: оба термина («ренессанс» и «барокко») используются для обозначения двух разных вещи, касающиеся изобразительного искусства: историческая эпоха и художественный стиль.Оба термина относятся к определенно европейским эпохам и стилям. Известно, что оба стиля преуспевают в изображении реализма. В обоих стилях используются яркие, вызывающие воспоминания пигменты, и, что, пожалуй, наиболее досадно, так это то, что, когда дело касается предмета, обе эпохи имеют сильные акценты на темы из иудео-христианской Библии или из греко-римской мифологии. Неудивительно, что существует смешение эпох и стилей. Если вы один из них, ободритесь; вы далеко не одиноки.
 В качестве основы для изучения разницы между этими двумя эпохами и этими двумя стилями было бы полезно начать с двух ключевых слов.Хорошее слово для искусства эпохи Возрождения — «стабилизировать», а для барокко — «драматизировать». Прекрасный способ продемонстрировать важность этих двух слов — взглянуть на искусство в мире научной фантастики 21-го века. Артисты, работающие во франшизах «Звездный путь» и «Звездные войны», также должны иметь возможность отдельно продемонстрировать драматизм и стабильность.
 Продолжение статьи после объявления 
 ЧАСТЬ I: СТРАТЕГИЯ ЛИНИИ 
 В «Звездном пути», когда художники и режиссеры хотят показать «Энтерпрайз» (когда он не на варп-скорости) или космическую станцию - K7 или DS9 — неподвижными и устойчивыми, они показывают объект горизонтально с точки зрения зрителя.В качестве альтернативы, чтобы продемонстрировать устойчивость чего-то, что должно быть узким и стоящим, идеальная вертикальная перспектива дает тот же эффект. Это простое устройство, будь то горизонтальное или вертикальное, но наиболее эффективное для демонстрации того, что все в порядке. Теперь давайте разберемся с этим: мы говорим о космосе. Для тех, кто находится внутри корабля или станции, существует четкое движение вверх и вниз, но для самой станции или для самого корабля в космосе нет ни вверх, ни вниз. Если мы с вами приближаемся к космической станции на космическом корабле, мы можем оказаться совершенно по одну сторону или даже вверх ногами по отношению к станции, и никто не почувствует разницу.Но ради кино или телепередачи показ обоих в космосе под одним и тем же углом говорит о том, что все стабильно.
 Искусство эпохи Возрождения использует одно и то же устройство и для той же цели, даже если вы редко (если вообще когда-либо) найдете космический пейзаж эпохи Возрождения. Но когда вы видите изображение Мадонны с младенцем или Распятия, явно подчеркивается использование четко выраженных горизонтальных или вертикальных линий. Иногда художник заходит так далеко, что создает картину, визуально похожую на пирамиду, так что самая широкая часть объекта находится внизу, а самая узкая часть — вверху, потому что пирамида является наиболее устойчивой трехмерной формой. .Посмотрите ниже на «Мадонну щегла», которая представлена дважды, чтобы продемонстрировать горизонтальную форму и форму пирамиды в отредактированной версии.
 Пирамидальная композиция также применима к скульптуре эпохи Возрождения. Взгляните на знаменитую «Пьету» Микеланджело. Если смотреть спереди, пьедестал и ноги Марии составляют нижнюю часть с Христом, который заметно меньше Марии, стоящим на ее коленях в центре скульптуры, а плечи и голова Марии обозначают вершину.Он, как и многие произведения искусства эпохи Возрождения, соответствует фактору горизонтальной устойчивости.
 Однако, как я упоминал ранее, есть еще один способ создать ощущение стабильности в искусстве эпохи Возрождения: вертикальная линия. В большинстве случаев вертикальная линия все еще сопровождается горизонтальной линией, что является одной из причин того, что крест на распятии всегда так выделяется. Кроме того, это не означает, что диагональных линий не будет.То, что мы обсуждаем с идеей стабильности в искусстве эпохи Возрождения, — это большая часть и более заметный фокус композиции. В «Распятии» Андреа Мантенья вертикальные линии подчеркнуты на полюсах трех крестов, но три горизонтальные линии разделены наверху тремя поперечными балками, в средней части — ногами осужденных с вершины голов зрителей, а внизу боковыми линиями ступеней у основания. Ниже представлено «Распятие» Мантеньи сначала без редактирования, затем с редактированием.После этого идут еще четыре сцены распятия, чтобы вы могли сами найти горизонтальные и вертикальные линии.
 Как я упоминал ранее, в то время как ключевое слово для эпохи Возрождения — «стабилизировать», ключевое слово для барокко — «драматизировать», но с В концепции драмы также присутствует заметная нестабильность или интенсивная энергия, и художники «Звездного пути» используют некоторые тактики, которые были хорошо известны в Европе в стиле барокко.Когда им нужно показать, что корабль или станция в беде или плывут по течению, они помещают Энтерпрайз или свою станцию под сильным углом с точки зрения зрителя, обычно с чем-то еще на изображении, чтобы подчеркнуть нестандартную ориентацию — другим большим или возможно, более близкий объект.
 Другой эффект изображения объекта под углом — демонстрация большой энергии, как, например, на изображении Klingon Cruiser ниже.На этом снимке корабль должен двигаться с большой «варповой» скоростью. Угол наклона корабля помогает передать это ощущение скорости и энергии.
 Художники барокко Европы также понимали этот принцип: строить композицию под углом, чтобы придать энергию, создать нестабильность или добавить драматизма. Однако в стиле барокко имеющиеся здесь линии визуально менее подчеркнуты, чем в эпоху Возрождения. Кажется, что часто в эпоху Возрождения предметы помещают в композицию, чтобы подчеркнуть горизонтальные и вертикальные линии, даже включая сам горизонт.В стиле барокко линии могут начинаться с одной части композиции и продолжаться другой, казалось бы, несвязанной частью композиции. Фактически, иногда черный фон функционирует как диагональная линия. Чтобы сделать различие между двумя эпохами как можно более четким, я продолжу использовать те же нарисованные темы, что и раньше, чтобы вам было легче сравнивать и противопоставлять.
 Сначала рассмотрим картину «Мадонна с младенцем и Иоанн Креститель». Горизонтального акцента нет, кроме основания окна, но даже он покрывает менее трети холста и кажется совершенно случайным.Однако есть четкая диагональная линия, частично отмеченная краем красных занавесей, головой и рукой Марии, головой и спиной Христа. Есть также две параллельные диагональные линии: одна идет от головы Марии вниз по ее руке, другая следует за левой рукой Иоанна Крестителя и идет вверх к руке Иисуса. Обратите также внимание на то, что глаза Марии и Христа устремлены на Иоанна, образуя подразумеваемую букву «V» в центре холста. Эта картина представлена ниже, один раз без и один раз с редакционными пометками.
 В «Мадонне с младенцем» неизвестного бельгийского художника эпохи барокко прослеживается четкая линия, идущая от глаз Иоанна Крестителя к глазам Христа и до глаз Иосифа. Обратите внимание, что глаза Марии не включены, но расположены значительно выше линии, проведенной тремя другими, чтобы подчеркнуть ее место на небесах. Это делает его еще более заметным ангелом, находящимся в центре над ней, но смотрящим на Марию сверху вниз, и это создает вторую линию, почти вертикальную, но не совсем.Третья линия образована углом тела ангела, который образует линию, идущую до макушки Джозефа. Эти три линии образуют почти невидимый треугольник. Также обратите внимание, что на картине почти нет ничего горизонтального. Вместо этого, словно вопреки горизонту, художники использовали платье Мэри, чтобы создать полукруг по низу. И снова эта картина помещена внизу дважды.
 То же использование диагоналей используется и в теме Распятия, но с еще большей драматичностью.В «Распятии» Педро Орренте есть очевидная диагональ лестницы, которая удваивается двумя людьми на этой лестнице. Другая линия начинается с левой руки Христа, мимо его глаза и прямо до вершины обвинения, которое должно быть пригвождено к кресту прямо над ним. Другая линия начинается с пальца ноги человека в верхнем правом углу холста, проходит мимо глаз трех свидетелей и следует вдоль линии их тел. Я также указал линию, которая совершенно не видна, скрыта свидетелями, но подразумевается основаниями трех поперечных столбов в земле, и эта линия будет прямо контрастировать с поперечной балкой Христа над ней.
 Интересно, что на этой картине есть горизонтальная линия, проведенная через ноги трех осужденных мужчин и к голове и плечам мальчика слева. Это может иметь религиозный подтекст, возможно, предполагающий стабильность, принесенную жертвой Христа, но когда вы рассматриваете абсолютную необходимость взгляда от одного человека к другому и впечатляющее качество искусства, нужно учитывать, что эта линия, проходящая через стопы, абсолютно абсолютно естественна. намеренно, и поэтому имеет некоторое значение.
 ЧАСТЬ II: ВРЕМЕННОЕ ЗАЯВЛЕНИЕ 
 Стабильность искусства эпохи Возрождения — это гораздо больше, чем использование горизонтальных и вертикальных линий; необходимо также учитывать временные рамки. Есть причина, по которой композиция мотива «Мадонна с младенцем» эпохи Возрождения часто бывает пирамидальной и стабильной: в искусстве эпохи Возрождения существует подразумеваемый отрезок времени — от нескольких секунд до, возможно, минут. Я не говорю о «вневременности», когда содержание произведения может иметь место практически в любую эпоху, я говорю о продолжительности времени в самом произведении.
 Само собой разумеется, что сцены Распятия предполагают продолжительность, даже несколько отдельных событий, показываемых одновременно. Но в случае Мадонны с младенцем мы можем посмотреть на исполнение этого мотива как у да Винчи, так и у Гирландайо. В последнем из двух есть восхитительная двусмысленность обмена между матерью и ребенком. В каком-то смысле кажется, что Мария смотрит на младенца Иисуса, который отвечает ей взглядом, как любой младенец смотрит на свою мать. Его позиция, когда он опирается на свою мать.. . стабильность. . . может быть чисто детской попыткой непрофессиональной позиции. Даже его жест правой рукой мог свидетельствовать о том, что ребенок не уверен, упадет он или нет.
 В то же время, однако, приглядевшись в их взгляды, можно увидеть, что Иисус на самом деле не смотрит на Марию в ее глаза, а смотрит немного вдаль. Его позицию можно было рассматривать как позицию человека, ведущего глубокую, но небрежную дискуссию, а жест его правой руки можно было рассматривать как указание на будущее на небесах или как контрапункт — почти как если бы Христос в младенчестве все еще имел все возможности. для осмысленного дискурса зрелого взрослого человека.Мария, при ближайшем рассмотрении, также на самом деле не смотрит на младенца Иисуса, а смотрит вниз слева (с ее точки зрения) Иисуса, и ее выражение выражает печаль, возможно, учитывая ужас надвигающейся кончины ее старшего сына на кресте. Однако, как бы вы ни смотрели на картину, внутри композиции проходит время. Мария могла продолжать стоять в таком состоянии в течение нескольких часов, как и Младенец Иисус.
 Этот принцип верен и в скульптуре эпохи Возрождения.Взгляните на знаменитую статую Давида Микеланджело. Перед нами молодой человек ростом 20 футов в очень устойчивой позе. Его правая нога задействована и в результате полностью вертикальна, как и его правая рука и туловище. Статуя изображает Давида, который вот-вот сразится с гигантом Голиафом в битве, а Давид либо обдумывает свою стратегию, либо ждет, пока Голиаф завершит свои обычные насмешки. Так или иначе, эта скульптура отнимает время. Дэвид может сохранять эту позу долгое время.
 Есть также Давид Донателло, который изображает Давида после его битвы с Голиафом.Его нога опирается на голову гиганта, а задействованная нога твердо стоит рядом с мечом. Скульптура отличается особым настроем, но, опять же, скульптуре нет непосредственности.
 В том же духе рассмотрим выражения лиц этих двух представлений. В обоих есть эмоции; существует отчетливое понимание мысли, транслируемой зрителю, но нет отчетливой мускульной силы ни у одного из субъектов.Опять же, нет причин, по которым эти выражения не могут длиться долго.
 В резком контрасте с этими выражениями ниже показано лицо Давида работы Джованни Бернини, итальянского скульптора в стиле барокко, чье изображение Давида помещает его в середину удара по камню в Голиафа. На его лице мимолетное выражение напряжения, решимости и отчетливой концентрации человека, использующего хорошо отработанный навык. Дело в том, что это портрет самого краткого из примеров — моментальный снимок движения.
 Поскольку это скульптура, а не живопись, мы имеем дело с кривизной, а не с линиями, но к скульптуре в стиле барокко по-прежнему применяются те же углы, что и к живописи; пересекающиеся дуги придают барочной скульптуре такой же динамизм, как и живопись, но в обоих случаях мы находимся в драматических муках мгновения времени. Скульптура Давида Бернини не сможет сохранять свою позу дольше, чем застывший мимолетный фрагмент мгновения времени.
 ЧАСТЬ III: ФОН 
 Последний раздел этой статьи больше касается ключевого слова барокко, чем ключевого слова эпохи Возрождения, потому что он касается фона картин, которые больше влияют на драматизм барокко, чем на добавление стабильность в эпоху Возрождения. Тем не менее, между ними существует резкий контраст, и его можно исследовать.
 В эпоху Возрождения задворки всегда были полностью развитыми частями картин.Это могут быть сцены горизонта или сцены в задней части комнаты, но фоны присутствуют с удивительной детализацией. Как таковые, они мало что делают для стабильности, но добавляют измерение завершенности. Возьмем, к примеру, знаменитую картину Леонардо «Мона Лиза»: портрет молодой женщины, сидящей на балконе с чисто вымышленным фоном вдалеке. У вас по-прежнему есть вертикальные и горизонтальные линии в видимых частях балкона, а также на горизонте. У вас есть отчетливый компонент времени.Ведь сколько человек сможет комфортно сидеть на красивом балконе? И у вас есть полный фон, изобилующий типичным эффектом сфумато в стиле да Винчи (придавая области эффект тумана, заставляя цвета постепенно смешиваться друг с другом). «Мона Лиза» — это все, чем должна быть великая картина эпохи Возрождения.
 Однако в барокко фоны считаются настолько незначительными, что часто просто затемняются. Имейте в виду, что иногда — с портретами — художник эпохи Возрождения использовал этот подход, но гораздо реже.Но художники барокко используют эту концепцию в своих интересах, чтобы драматизировать свои картины. Но снова, чтобы полностью понять эффект, давайте посмотрим на современный пример: выдающуюся работу Бев Дулиттл под названием «Неизвестное присутствие». Само полотно поразительно горизонтально, более половины его полностью окутано тьмой. Сюжет картины — одинокий путешественник XIX века и его лошадь в тревоге у костра. Их внимание резко погрузилось в темноту. Их выражения выражают удивление, осторожность, бдительность и, возможно, немного страха, когда путешественник тянется за винтовкой.
 Не маловажна темнота этой картины. Неважно, что именно заставило путешественника и его лошадь так разбудить их. Темнота, однако, позволяет зрителям драматизировать именно то, что чувствует путешественник. Мы видим, как он смотрит в темноту, и мы тоже. Мы прищуриваемся и пытаемся сфокусироваться на черной краске, точно так же, как путешественник делает или будет делать это в темноте, пытаясь найти слабый намек на то, что там. Это НЕ «ничего.”
 Это яркий пример удачного использования так называемого «тенебризма», который, в зависимости от того, как вы хотите сфокусироваться, представляет собой либо саму темноту, либо контраст освещенной области по сравнению с темнотой. Это также известно как «драматическое освещение» и достигается за счет использования очень темных пигментов, не обязательно только черного, и ярко выраженного «светотени», так называется эффект света, падающего с одного направления или источник. Художники барокко использовали этот прием, «тенебризм», с большим успехом на протяжении 150 лет.
 Взгляните на версию Питера Пауля Рубенса «Связанного Прометея», где тенебризм уносит спину орла в глубины гибели. Взгляните на его «Поднятие креста» и тенебризм прямо за головой Христа. Там тьма настолько яркая, что один человек появляется позади Иисуса из ниоткуда, чтобы помочь поднять крест. Почти вся предыстория Рембрандта — это тьма в его собственной версии «Поднятия креста». Тенебризм можно использовать, чтобы вызвать ощущение уныния или уныния, или его можно использовать, чтобы подчеркнуть драматизм мгновенного действия, которое кажется освещенным.
 ЗАКЛЮЧЕНИЕ 
 Да, я полагаю, что я мог бы поговорить о большем: о различном использовании мазков кисти художников, более широком круге тем в стиле барокко, сводящем с ума изобилии греко-римских аллюзий в эпоху Возрождения, но у вас достаточно теперь, чтобы начать собственное исследование двух стилей / эпох. Ключевые слова «стабилизировать» и «драматизировать» для эпохи Возрождения и барокко, соответственно, и то, как они воплощают эти идеи в своем искусстве, остаются совместимыми с другими вещами, которые предстоит открыть, но они четко очерчены в горизонтальной и вертикальной ориентации в Возрождение и очень угловатые ориентации в стиле барокко.Стабильность времени в эпоху Возрождения в отличие от мимолетного момента в стиле барокко. Теперь изучите стили для себя и откройте для себя новые отличия.
 Ниже приводится краткая викторина с 10 картинами, некоторые из которых выполнены в стиле барокко, а некоторые — в стиле ренессанс. (Их может быть пять, а может и не быть.) Все они пронумерованы, и я призываю вас проверить себя с ними, чтобы увидеть не только то, сколько вы узнали в этой статье, но и насколько четко написана статья. Да, некоторые из них непростые.Сообщите нам, как вы забили и что, по вашему мнению, я могу более четко изложить в статье.
 Продолжение статьи после объявления 
 Искусство эпохи Возрождения и барокко Quiz: 
 Указания: пронумеруйте запасной лист от 1 до 10. Внимательно осматривайте картины по очереди и рядом с каждым номером на вашей странице укажите эпоху картины, написав буквой «R», если работа относится к эпохе Возрождения, и буквой «B», если работа относится к эпохе барокко. Ответы показаны в конце этой страницы.
 1 
 2 
 3 
 4 
 5 
 6 
 7 
 8 
 9 
 10 
 Ответы на викторину ниже 
  О писателе: 
 А.Й. Миттендорф — заядлый любитель искусства, который более двух десятилетий изучает историю искусства, оценку искусства и художественную интерпретацию. Он получил степень магистра в области литературы, а степень бакалавра — в области английского образования. Как педагог, он с удовольствием пишет для международного онлайн-журнала Art, Artists, Artwork, поэтому он может использовать свое образование и навыки в области искусства, чтобы помогать продвигать художников и помогать покупателям выбирать искусство, которое им лучше всего подходит.
 Ответы на викторину об искусстве эпохи Возрождения и барокко 
  1.Барокко:  «Христос во время бури на Галилейском озере» (1633) Рембрандта (1606–1669)
  2. Барокко:  «Распятие Святого Петра» (1600) Караваджо (1571-1610)
  3. Возрождение:  «Пьета Бандини» (1547) Микеланджело (1475-1564)
  4. Возрождение:  «Прекрасный сад» (1507) Рафаэля (1483-1520)
  5. Возрождение:  «Портрет кардинала» (1510) Рафаэля (1483-1520)
  6.Барокко:  «Призвание святого Матфея» (1600) Караваджо (1571-1610)
  7. Барокко:  «Человек в золотом шлеме» (ок. 1650 г.) Рембрандта (1606–1669)
  8. Барокко:  «Экстаз Святой Терезы, авторство Бернини» (1598–1680)
  9. Возрождение:  «Афинская школа» (1509-1511) Рафаэль (1483-1520)
  10. Возрождение:  «Венера и Марс» (1483) Ботичелли (1445-1510)
 Надеюсь, вам было весело! 
 Введение в искусство барокко в 12 работах 
 Николя Пуссен, Похищение сабинянок | © Метрополитен-музей / WikiCommons
 Драматическое освещение, движение и величие произведений искусства в стиле барокко могут напомнить современным зрителям о текущих тенденциях в фотографии, таких как использование высококонтрастных фильтров и ярких сюжетов.Большинство картин и скульптур в стиле барокко были созданы в 17 веке, начиная с Рима в рамках католической контрреформации, распространившейся по Европе. Этот список из 12 произведений искусства в стиле барокко дает представление о некоторых из самых важных произведений, созданных в течение этого периода.
 Работы Питера Пауля Рубенса, фламандского художника эпохи барокко, широко известны своими движениями, плотскими формами, аллегорическими и христианскими сюжетами. Часть серии работ, заказанных для Марии Медичи,  «Воспитание принцессы»  изображает учащуюся Мари.Боги мудрости и искусства наблюдают за ней, в то время как Гермес драматически устремляется с небес с даром богов.
 Питер Пауль Рубенс, Воспитание принцессы | © Лувр / WikiCommons
 Эта картина маслом, написанная в 1632 году Рембрандтом, является известным образцом голландского искусства барокко. Сцена, изображенная в этой работе, представляет собой публичное вскрытие казненного преступника, проведенное Амстердамской гильдией хирургов в тот же год, когда была написана картина. Драматическое освещение, театральная композиция и отсылка фигур к Христу повлияли на траекторию голландской живописи того времени и характеризует ее как произведение периода барокко.
 Рембрандт, Урок анатомии доктора Николая Тулпа | © Королевская картинная галерея Маурицхейс / WikiCommons
 Эта скульптура Бернини, вырезанная из мрамора, является важным примером трехмерных произведений искусства в стиле барокко. Как главный скульптор периода барокко, Бернини известен своей способностью изображать напряжение повествования, сочетая классические формы и технику с вниманием к эмоциям и движению.  Аполлон и Дафна , завершенный в 1625 году, представляет собой момент в « Метаморфозах » Овидия, когда Дафна превращается в дерево.Действие и психологический стресс, изображенные в этой работе, делают ее ярким примером скульптуры в стиле барокко.
 Бернини, Аполлон и Дафна | © Джеймс Андерсон / WikiCommons
 Важная работа по нескольким причинам.  Юдифь, обезглавливающая Олоферна  Артемизии Джентилески графически изображает Юдифь, отрубающую голову ассирийскому генералу Олоферну с помощью своей служанки. Работа интригует, потому что это редкий пример художественного произведения художницы того времени, и на протяжении всей истории она анализировалась учеными в зависимости от ее пола.Работа, однако, важна сама по себе, поскольку драматические брызги крови и решительное выражение Джудит делают ее шедевром живописи в стиле барокко.
 Артемизия Джентилески, Юдифь обезглавливает Олоферна | © Национальный музей Каподимонте
 Художник, работавший в начале периода барокко, Караваджо отошел от стилей маньеристов и стал пионером своего собственного сочетания натуралистического изображения, основанного на прямом наблюдении, и использования тенебризма  , техники живопись с использованием крайних светлых и темных оттенков с небольшим количеством средних значений.Религиозные картины и портреты, такие как  Мальчик с корзиной фруктов , характерны для этого стиля и демонстрируют влияние Караваджо на других художников барокко.
 Караваджо, мальчик с корзиной фруктов | © Galleria Borghese / WikiCommons
 Известный как выдающийся художник французского стиля барокко, Николя Пуссен в основном изображал исторические сцены религиозного или мифологического значения. В отличие от французского декоративного искусства того времени, работы Пуссена известны своим отношением к классическим предметам и формам, церебральными аллегориями и вниманием к цвету и ландшафту.В его работе 1636 года « Похищение сабинянок » показана способность Пуссена изображать события, наполненные множеством фигур в сложных аранжировках.
 Николя Пуссен, Похищение сабинянок | © Метрополитен-музей / WikiCommons
 Написанный в 1656 году Диего Валаскесом,  Las Meninas  — одно из самых известных когда-либо созданных западных произведений искусства, представляющее сложные отношения между зрителем, нарисованными предметами и самим художником.В то время как роль света и тени в картине схожа с другими работами в стиле барокко,  Las Meninas  также представляет уникальные и сложные вопросы о моменте времени, который соединяет классические и современные способы представления мира.
 Diego Velázques, Las Meninas | © Museo del Prado / WikiCommons
 Немецкий резчик по дереву периода барокко, Йорг Цурн известен своей скульптурной стеной высотой десять метров в церкви Святого Николая в Уберлингене. Изготовленный из ели и липы,  Главный алтарь Девы Марии  изобилует движущимися фигурами и энергией стиля барокко.
 Йорг Зурн, Высокий алтарь Девы Марии | © Роман Эйселе / Wikimedia Commons / CC BY-SA 3.0 & GFDL ≥ 1.2
 Написано в 1668 году голландским художником Йоханнесом Вермеером,  Географ  демонстрирует влияние периода барокко на голландскую живопись. Естественный свет проникает в комнату, изображенную на картине, создавая глубокие тени и золотые блики. Географ одет в японские мантии и жестом показывает на карту перед ним, а его взгляд устремлен в окно.Несмотря на то, что работы Вермеера явно отличаются от барочных образов Италии, энергия и свет характерны для периода барокко в Северной Европе.
 Йоханнес Вермеер, географ | © Städel / WikiCommons
 Рубенс и Брейгель совместно работали над 25 работами. Исследователи предполагают, что  The Battle of the Amazons  был разработан Брейгелем. В результате анализа мазков в работе фигуры в нижней половине изображения были приписаны Рубенсу, а пейзаж — Брейгелю.
 Питер Пауль Рубенс и Ян Брейгель Старший, Битва при Амазонке | © Картинная галерея Сан-Суси / WikiCommons
 Написано в 1586 году Эль Греко,  Захоронение графа Оргаса  иллюстрирует испанскую легенду за несколько веков до этого о графе, который пожертвовал такие большие суммы церкви Санто-Томе, что святой Стефан и Святой Августин сошел с небес, чтобы похоронить его, когда он умер. Высокий контраст в живописи и движении, предлагаемый многими фигурами в работе, характеризует его как образец живописи раннего барокко в Испании.
 Эль Греко, захоронение графа Оргаса | © Иглесия де Санто-Томе (Толедо) / WikiCommons
 Известный своим использованием тенебризма  , Жорж де Ла Тур известен как участник движения французского барокко.  Иосиф Плотник  изображает Иисуса, работающего со своим отцом Иосифом. Глубокие тени и прямой свет в картине, а также аллегорические отсылки к распятию делают ее ярким примером живописи в стиле барокко.
 Жорж де Ла Тур, Жозеф Плотник | © Мигель Эрмосо Куэста / WikiCommons
 Композиторы эпохи барокко | Композиторы эпохи барокко 
 St.Павла, Лондон (1710 г.) © www.churchgoers.com
 Период барокко начался в конце 16-го века, достиг середины 18-го века и обычно считается искусством Контрреформации. С Реформацией католическая церковь потеряла очень большое количество своих верующих и нуждалась в реформировании. В 1539 году Папа Павел III разрешил св. Игнатию Лойола сформировать Орден  Общества Иисуса  (Орден иезуитов), а в 1548 году утвердил  Духовных упражнений Лойолы , которые стали основой реформы католической церкви. Церковь и которая повлияла на все искусства.
 Базилика Вильтена в Инсбруке © thisisbossi / Flick
 В архитектуре форма базилики возродилась, сблизив священников и публику. Форма помещала кафедру внутри ротонды, а не отделяла священника, хор и алтарь от нефа и публики. Подобным образом композиторы периода барокко изменили свое отношение к зданию и прихожанам.
 Портрет Фаринелли Бартоломео Назари (1734) 
 © Wikipedia
 В музыке, живописи и литературе барокко начинает давать о себе знать «пафос», т.е.е. духовные и психические тенденции, которые нарушают гармоническое равновесие и движение, которое мы видели в искусстве эпохи Возрождения, теперь все больше противопоставляются страстному возбуждению и взвешенной осмотрительности. Склонность заключалась в том, чтобы уйти от «реализма» жизни, искать мистического очарования в потустороннем мире, двигаться к чудесному, грандиозному и сверхъестественному. Акцент делался на героическом и жестоком, эротическом и чувственном. Композиторы эпохи барокко взялись за новые темы. Сцена оперы становится иллюзией, как и раскрашенные небеса церквей в стиле барокко.Стало популярным искусство певцов-кастратов, таких как Фаринелли, которые поют свои арии с крайним орнаментом, выражая отчаяние, ярость и месть, сострадание и восторг, никогда не исполнявшиеся дважды одинаково.
  Лютнист  Караваджо © Wikipedia
 Элемент неожиданности в представлениях — парящие трубы в театральной атмосфере богато украшенных церквей в стиле барокко, раскрашенные небеса, искаженные, выпуклые и вогнутые движения нарисованных святых и ангелы (также повторяющиеся в архитектурных деталях этих церквей), богато украшенные облачения священников, ароматный воздух ладана, свет, струящийся из купола, — все это стало театром иезуитов, воздействующим на все чувства и затрагивающим их.’
 Живопись в стиле барокко также использует другую динамическую концепцию света, используя источник, исходящий извне рамки картины, который одновременно раскрывает и затемняет объект, создавая как фокус, так и напряжение в работе — например, портрет Рембрандта и Караваджо , а также работы других художников того периода, например Жоржа де ла Тур и Вермеера.
 J.S. Бах и Гендель © CMUSE
 Классические пропорции Возрождения, упорство в собственных законах уступили место смятению, распаду в эпоху барокко.В музыке барокко, особенно в творчестве величайшего композитора той эпохи, Иоганна Себастьяна Баха, рождаются новые искусства звучности и цвета. Возникает полярность голосов, где основное значение и напряжение приходится на внешние голоса (сопрано и бас: «бассо остинато»), которые заполняются средними голосами. Внешние голоса составляют основу композиции, а аккорд становится строительным камнем. само по себе, а «бассо континуо» — «фундамент». Слияние такой фундаментальной басовой практики с контрапунктом становится основой техники фуги для Баха и Генделя.Композиторы эпохи барокко порвали с прошлым и внесли в музыку новые эмоции.
 В заключение, мы можем рассматривать искусство барокко как Gesamtkunstwerk (полное или самостоятельное произведение искусства), где опера, театр, архитектура как зданий, так и садов, живопись и скульптура представляют собой окончательный и очень изысканный кристаллизация аристократического образа жизни и идеология абсолютной монархии на закате ее существования.
 Почему мастер эпохи барокко Артемизия Джентилески рисовала жестоких, напористых женщин 
 Первая известная работа Артемизии Джентилески (которую некоторые ученые приписывают частично ее отцу) была написана в 1610 году, когда ей было 17 лет.Работа под названием « Сусанна и старейшины»  изображает библейскую историю, в которой группа развратных старейшин смотрит на прекрасную набожную жену, когда она купается. Хотя в то время это не было редкостью для художников, Джентилески интерпретировал ее иначе, чем большинство других. По ее версии, агрессия — и ее реакция при обнаружении, что за ней наблюдают — занимает центральное место. «Сусанна Артемизии представляет нам редкий в искусстве образ трехмерного героического женского персонажа», — говорит биограф Джентилески Мэри Д.Гаррард объяснил. В отличие от других представлений, «выразительное ядро картины Джентилески — это бедственное положение героини, а не ожидаемое удовольствие злодеев», — продолжил Гаррард.
 Ранние работы, подобные этой, раскрывают мастерство Джентилески в обнаженной натуре и мимике, что положило начало ее репутации в Риме как художника-вундеркинда. (Некоторые ученые отметили, что Орацио применил проблемный подход к продвижению работ своей дочери, по сути экзотизируя ее, подчеркивая, что она была художницей  женщин , а не просто художницей.)
 Но интерес к Джентилески вскоре сместился с ее искусства на обсуждение ее тела и морали, после того как ее изнасиловал и лишил девственности ее учитель рисования Агостино Тасси, который также был деловым партнером ее отца. По словам Джентилески, Тасси схватил ее, когда она работала над холстом, и крикнул: «Не столько живопись, не столько живопись». Действия Тасси, казалось, были обусловлены смесью ревности, похоти и желания одолеть молодую женщину. «Это как если бы он был так взбешен ее работой, как и воспламенен плотской похотью: отстранение ее от работы было первым шагом в его попытке доминировать над ней», — предположил Кроппер в своем эссе.
 Последовал очень публичный и неоднозначный процесс, на котором Джентилески пришлось подробно описать свое нападение. Во время испытания ее подвергли  sibille,  процессу, в ходе которого веревки привязывались к ее пальцам и постепенно затягивались. Практика была предназначена для того, чтобы угадать, говорит ли она правду. После семи месяцев в суде судья наконец вынес решение в пользу Джентилески. Тасси приговорили к пяти годам тюремного заключения, но так и не отбыли срок.
 Решение помогло сохранить репутацию Джентилески как благородной женщины и заключить брак с флорентийцем по имени Пьерантонио Стиаттеси.Это было необходимо в Италии 17-го века (общество, управляемое католической церковью), чтобы обеспечить ее будущее как успешную художницу.
 Искусство барокко, введение — Smarthistory 
 Джан Лоренцо Бернини, Вид на Кафедру Петри (или кафедру Святого Петра), 1647-53 гг., Позолоченная бронза, золото, дерево, витражи (Апсида базилики Святого Петра, Ватикан, Рим) (фото: Стивен Цукер, CC BY-NC-SA 2.0)
 Рим: От «Вавилонской блудницы» до блистательной невесты Христовой 
 Когда Мартин Лютер прикрепил свои 95 тезисов к дверям Виттенбергского собора в 1517 году, протестуя против коррупции католической церкви, он инициировал движение, которое изменило религиозный, политический и художественный ландшафт Европы.В следующем столетии Европа будет в смятении, поскольку будут определены новые политические и религиозные границы, часто в результате кровавых военных конфликтов. Только в 1648 году, с подписанием Вестфальского мирного договора, конфликты между протестантами и католиками в континентальной Европе утихли.
 Мартин Лютер сосредоточил свою критику на том, что он считал церковной алчностью и злоупотреблением властью. Он называл Рим, резиденцию папской власти, «блудницей Вавилона», украшенной дорогими предметами искусства, величественной архитектурой и роскошными банкетами.Церковь отреагировала на кризис двумя способами: внутренним решением проблемы коррупции и защитой доктрин, отвергнутых протестантами. Таким образом, если первые два десятилетия XVI века были периодом щедрых расходов папства, то средние десятилетия были периодом жесткой экономии. Как заметил один посетитель Рима в 1560-х годах, весь город превратился в монастырь. Днем правили благочестие и аскетизм.
 Вид на часовню Черази в Санта-Мария-дель-Пополо в Риме с алтарем Аннибале Карраччи,  Успение Богородицы , 1600-01, холст, масло, 96 × 61 ″, и картины Караваджо на боковых стенах ( The Распятие св.Петр  слева и  Обращение Павла  справа)
 К концу XVI века католическая церковь снова почувствовала оптимизм и даже торжество. Он вышел из кризиса с новой силой и ясностью цели. В центре внимания стояло пастырство верных — наставление их о католических доктринах и вдохновляющее добродетельное поведение. Стремясь восстановить репутацию Рима как священного города, папство приступило к обширным кампаниям по строительству и декорированию, направленных на то, чтобы подчеркнуть его древнее происхождение, его верования и санкционированный Богом авторитет.В глазах верных католиков Рим был не неверной блудницей, а чистой невестой, красиво украшенной для союза со своим божественным супругом.
 Искусство убеждения: наставлять, восхищать, двигать 
 В то время как протестанты резко критиковали культ изображений, католическая церковь горячо восприняла религиозную силу искусства. Церковь утверждала, что изобразительное искусство играет ключевую роль в руководстве верующих. Они, безусловно, были так же важны, как письменное и устное слово, и, возможно, даже более важны, поскольку были доступны как ученым, так и необразованным.Чтобы быть эффективным в своей пастырской роли, религиозное искусство должно было быть ясным, убедительным и мощным. Он должен был не только наставлять, но и вдохновлять. Он должен был побудить верующих ощутить реальность жертвы Христа, страдания мучеников, видения святых.
 Караваджо,  Терновый венец , 1602-04, холст, масло, 165,5 x 127 см (Художественно-исторический музей, Вена)
 Акцент церкви на пастырской роли искусства побудил художников экспериментировать с новыми и более прямыми способами привлечения зрителя.Художники, такие как Караваджо, обратились к мощному и драматическому реализму, подчеркнутому смелыми контрастами света и тьмы, и сильно обрезанным композициям, которые усиливают физическую и эмоциональную непосредственность изображенного повествования.
 Другие художники, такие как Аннибале Карраччи (который также экспериментировал с реализмом), в конечном итоге остановились на более классическом визуальном языке, вдохновленном яркой палитрой, идеализированными формами и сбалансированными композициями Высокого Возрождения (см. Изображение выше). Третьи, такие как Джованни Баттиста Гаулли, обратились к смелым подвигам иллюзионизма, которые стерли границы не только между живописью, скульптурой и архитектурой, но и между реальным и изображаемым мирами.При этом божественное стало физически присутствующим и осязаемым. Будь то шокирующий реализм, динамичное движение или пышный орнамент, искусство семнадцатого века призвано произвести впечатление. Он направлен на то, чтобы убедить зрителя в истинности своего сообщения, воздействуя на чувства, пробуждая эмоции и активируя, даже разделяя пространство зрителя.
 Джованни Баттиста Гаулли, также известный как Иль Бачиччо,  Триумф имени Иисуса , 1672–1685, потолочная фреска Il Ges (Рим, Италия)
 Католические монархи и их территории 
 Монархи Испании, Португалии и Франции также использовали более изысканные элементы искусства семнадцатого века, чтобы прославить католицизм.В Испании и ее колониях правители вкладывали огромные средства в замысловатые церковные фасады, потрясающие, покрытые золотом часовни и шатры, а также поразительно реалистичные полихромные скульптуры.
 В испанских Нидерландах, где священное искусство сильно пострадало в результате протестантского иконоборчества (уничтожения искусства), гражданские и религиозные лидеры отдавали приоритет украшению церквей, поскольку регион вернул себе католическую идентичность. Ремонт алтарей церквей Антверпена долгие годы занимал мастерскую Питера Пауля Рубенса.Европейские монархи также использовали этот художественный словарь, чтобы провозгласить свою власть и статус. Людовик XIV, например, заказал великолепные здания и сады Версаля как визуальное выражение своего божественного права на власть.
 Питер Пауль Рубенс,  Возвышение Креста , 1610, дерево, масло, 15 ′ 1-7 / 8 ″ x 11 ′ 1-1 / 2 ″ (первоначально для Святого Вальпургиса, Антверпен (разрушен), теперь в Антверпенском соборе )
 Протестантский Север 
 В протестантских странах, особенно в недавно обретшей независимость Голландской республике (современная Голландия), художественный климат радикально изменился после Реформации.Два из самых богатых источников покровительства — монархия и церковь — теперь исчезли. На их месте возник все более процветающий средний класс, стремящийся выразить свой статус и новое чувство национальной гордости через покупку произведений искусства.
 К середине 17 века возник новый рынок, отвечающий художественным вкусам этого класса. Теперь возник спрос на картины меньшего масштаба, подходящие для показа в частных домах. Эти картины включали религиозные сюжеты для личного созерцания, как это видно на пикантных картинах Рембрандта и репродукции библейских повествований, а также портреты, запечатлевшие индивидуальные сходства.
 Джудит Лейстер,  Автопортрет , ок. 1630 г., холст, масло, 651 x 746 см (Национальная художественная галерея, Вашингтон)
 Но самым большим изменением на рынке стало резкое увеличение популярности пейзажей, натюрмортов и сцен повседневной жизни (известных как жанровая живопись). Действительно, распространение этих предметов как независимых художественных жанров было одним из самых значительных вкладов 17 века в историю западного искусства.
 Во всех этих жанрах художники проявляли живой интерес к воспроизведению наблюдаемой реальности — будь то свет на голландском пейзаже, мгновенное выражение лица или различные текстуры и материалы предметов, которые голландцы собирали, когда жали выгоды от их расширяющейся торговой империи.Эти работы продемонстрировали такую же художественную виртуозность и физическую непосредственность, как и величественные украшения дворцов и церквей католической Европы.
 В контексте европейской истории период с ок. 1585 до с. 1700/1730 годы часто называют эпохой барокко. Слово «барокко» происходит от португальских и испанских слов, обозначающих большую жемчужину неправильной формы («barroco» и «barrueco» соответственно). Критики восемнадцатого века были первыми, кто применил этот термин к искусству 17 века.Это не было похвалой. В глазах этих критиков, сторонников сдержанности и порядка неоклассицизма, работы Бернини, Борромини и Пьетро да Кортона казались причудливыми, абсурдными, даже болезненными — другими словами, деформированными, как несовершенная жемчужина.
 Франсиско де Сурбаран,  Святой Франциск Ассизский Согласно видению Папы Николая V , ок. 1640 г., холст, масло, 110,5 x 180,5 см (Национальный музей искусства Каталонии, Барселона, Испания)
 «Барокко» — слово, стиль, период 
 г. К середине 19-го века это слово утратило уничижительный смысл и использовалось для описания декоративных и сложных качеств, присутствующих во многих образцах искусства, музыки и литературы 17-го века.В конце концов, этот термин стал обозначать исторический период в целом.
 В контексте картины, например, абсолютный реализм алтарей Сурбарана, тихая интимность домашних интерьеров Вермеера и сдержанный классицизм пейзажей Пуссена — все это «барокко» (теперь с большой буквы «B», обозначающей исторический период. ), независимо от отсутствия стилистических черт, изначально связанных с этим термином.
 Ученые продолжают спорить о действительности этого ярлыка, признавая полезность наличия ярлыка для этого особого исторического периода, а также признавая его ограниченность в характеристике разнообразия художественных стилей, присутствовавших в 17 веке.
 Дополнительные ресурсы: 
 Рим в стиле барокко на временной шкале истории искусств в Хайльбрунне Метрополитен-музея
 Аннибале Карраччи на временной шкале истории искусств в Хайльбрунне Метрополитен-музея
 Для преподавателей: план урока по теме «Учебные материалы по истории искусств»
 Smarthistory изображений для преподавания и обучения: 
 Больше изображений Smarthistory…
 Доска объявлений Royal Jewels of the World: жемчужная брошь в стиле глостерского барокко 
  Жемчужная брошь в стиле глостерского барокко   Архивное сообщение  Написал Артур 20 октября 2014 г., 7:21, в ответ на «Re: Королева Мария в Австралии в 1901 году (изображения) Пятое фото и жемчужная брошь»
 Hello Beth2, согласно книге Лесли Филд  The Queen’s Jewels  (страницы 111 и 134-135 репринта 2002 года издания 1997 года), эта брошь описывается как «, огромная овальная жемчужина в стиле барокко в оправе бриллиантовой огранки. бриллианты  «, принадлежавшие королеве Александре.Его носила королева Мария, когда она еще была герцогиней Йоркской (так что, вероятно, это был свадебный подарок Александры, тогда принцессы Уэльской).
 На этой фотографии, датированной 1895 годом, королева Мария (тогда герцогиня Йоркская) носит брошь, прикрепленную сбоку к корсажу (вместе с брошей-бантом Кенсингтон, жемчужными веревками и неопознанным бриллиантовым эгреттом):
 Королева Мария также носила эту брошь во время знаменитого костюмированного бала в Девоншире в 1897 году. Брошь здесь видна с правой стороны декольте королевы Марии (для нас слева, у основания коллектора):
 Я не знаю есть фотографии королевы Марии, носившей эту брошь, когда она была королевой.
 В 1935 году королева Мария подарила эту брошь Алисе Монтегю-Дуглас-Скотт по случаю ее свадьбы с принцем Генрихом, герцогом Глостерским (третьим сыном короля Георга V и королевы Марии). Он находится здесь, в центре одной из коробок с драгоценностями, выставленных во время свадьбы:
 К сожалению, у меня нет фотографий принцессы Алисы в этой броши.
 Позже принцесса Алиса подарила брошь своей невестке Бригитте, нынешней герцогине Глостерской.Герцогиня носила брошь несколько раз, но единственные фотографии, которые у меня есть, показывают брошь в виде кулона, подвешенного к бриллиантовой ривьере:
 Банкет в Ратуше в честь императора Акихито и императрицы Мичико из Японии:
 2010 : Банкет в Ратуше в честь эмира Катара и его жены:
 Тема сообщения: | Этот ответ ↓ Траурная одежда —  Синтия   18 октября 2014 г., 11:06  Re: Траурные украшения —  Нелли   18 октября 2014 г., 17:49  Re: Траурные украшения —  Beth2   19 октября 2014 г., 4:29  Re: Траурные украшения —  Нелли   19 октября 2014 г., 5:09  Re: Траурные украшения —  Beth2   19 октября 2014 г. , 5:33  Jet —  mauriz   19 октября 2014 г., 6:30  Re: Jet —  Nellie   19 октября 2014 г.No related posts.
Навигация по записям
Предыдущая запись:
Андулиновый шифер: Андулиновый шифер как уложить
Следующая запись:
Данко котлы: Газовые котлы Данко. Купите отопительный котёл Данко по отличной цене. Бесплатная доставка по России. Официальный дилер.
Добавить комментарий Отменить ответ
Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *
Комментарий *
Имя * 
Email * 
Сайт 
  
Рубрики
 
 Copyright © 2019 "DoorsStyle" Все правва защищены. Политика конфиденциальности
right