Картины в стиле рококо: Рококо | Arthive

Художники по направлению: Рококо — WikiArt.org

направление

Рококо́ (фр. rococo, от фр. rocaille — дробленый камень, декоративная раковина, ракушка, рокайль, реже рококо) — стиль в искусстве (в основном, в дизайне интерьеров), возникший во Франции в первой половине XVIII века (во время регентства Филиппа Орлеанского) как развитие стиля барокко. Характерными чертами рококо являются изысканность, большая декоративная нагруженность интерьеров и композиций, грациозный орнаментальный ритм, большое внимание к мифологии, личному комфорту. Наивысшее развитие в архитектуре стиль получил в Баварии.

Термин «рококо» (или «рокайль») вошел в употребление в середине XIX в. Изначально «рокайль» — это способ убранства интерьеров гротов, фонтанных чаш и т. п. различными окаменелостями, имитирующими естественные (природные) образования, и «рокайльщик» — это мастер, создающий такие убранства. То, что мы сейчас называем «рококо», в своё время называлось «живописным вкусом», но в 1750-х гг. активизировалась критика всего «выкрученного» и «вымученного», и в литературе стало встречаться именование «испорченный вкус». Особенно преуспели в критике Энциклопедисты, по мнению которых в «испорченном вкусе» отсутствовало разумное начало.

Основные элементы стиля: рокайль — завиток и картель — забытый ныне термин, применявшийся для наименования рокайльных картушей. Один из наиболее ранних случаев употребления этих терминов — увраж Мондона-сына «Третья книга рокайльных и картельных форм» 1736 г. (иллюстрации см. ниже). Также находим их в письме (7 апреля 1770 г.) мастера Роэтье (изготавливавшего для Екатерины II в конце 1760-х гг. серебряный сервиз, позднее известный как «Орловский сервиз», сохранившиеся предметы хранятся в Государственном Эрмитаже). Это письмо также отразило смену вкусов, происшедшую на рубеже 1760-70- гг.: «…поскольку Е. И. В. желает, чтобы отказались от всех видов фигур и картелей, мы приложим все усилия, чтобы заменить их античными украшениями и следуя лучшему вкусу, согласно пожеланиям…» (цит. по документу из РГИА).

Несмотря на популярность новых «античных форм», вошедших в моду в конце 1750-х гг. (это направление получило наименование «греческого вкуса»; предметы этого стиля часто неверно принимают за позднее рококо), так называемый Рококо сохранял свои позиции вплоть до самого конца столетия. Во Франции период рококо назывался временем Купидона и Венеры.

В 1960-70-е годы была распространена концепция рококо как результата измельчания барокко: «Вступая в фазу рококо, эмблематика все больше утрачивает самостоятельное значение, и становится частью общего декоративного убранства, наряду с нимфами, наядами, рогами изобилия, дельфинами и тритонами […] „Амуры божества любви“ превращаются в — putti — рококо».

Архитектурный (точнее — декоративный) стиль рококо появился во Франции во времена регентства Филиппа Орлеанского (1715—1723) и достиг апогея при Людовике XV, перешёл в другие страны Европы и господствовал в ней до 1780-х годов.

Отбросив холодную парадность, тяжёлую и скучную напыщенность искусства времён Людовика XIV и итальянского барокко, архитектура рококо стремится быть лёгкой, приветливой, игривой; она не заботится ни об органичном сочетании и распределении частей сооружения, ни о целесообразности их форм, а распоряжается ими с полным произволом, доходящим до каприза, избегает строгой симметричности, без конца варьирует расчленения и орнаментальные детали и не скупится расточать последние. В созданиях этой архитектуры прямые линии и плоские поверхности почти исчезают или, по крайней мере, замаскировываются фигурной отделкой; не проводится в чистом виде ни один из установленных ордеров; колонны то удлиняются, то укорачиваются и скручиваются винтообразно; их капители искажаются кокетливыми изменениями и прибавками, карнизы помещаются над карнизами; высокие пилястры и огромные кариатиды подпирают ничтожные выступы с сильно выдающимся вперёд карнизом; крыши опоясываются по краю балюстрадами с флаконовидными балясинами и с помещёнными на некотором расстоянии друг от друга постаментами, на которых расставлены вазы или статуи; фронтоны, представляя ломающиеся выпуклые и впалые линии, увенчиваются также вазами, пирамидами, скульптурными фигурами, трофеями и другими подобными предметами. Всюду, в обрамлении окон, дверей, стенных пространств внутри здания, в плафонах, пускается в ход затейливая лепная орнаментация, состоящая из завитков, отдалённо напоминающих собой листья растений, выпуклых щитов, неправильно окруженных такими же завитками, из масок, цветочных гирлянд и фестонов, раковин, неотделанных камней (рокайль) и т. п. Несмотря на такое отсутствие рациональности в пользовании архитектоническими элементами, на такую капризность, изысканность и обременённость форм, стиль рококо оставил много памятников, которые доныне прельщают своей оригинальностью, роскошью и весёлой красотой, живо переносящими нас в эпоху румян и белил, мушек и пудреных париков (отсюда немецкие названия стиля: Perückenstil, Zopfstil).

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →

10 картин определивших стиль рококо

Термин «рококо» обозначает легкий стиль в мировом искусстве, пришедшие на смену величественному и торжественному стилю барокко времен короля Людовика XIV. Рококо получил свое название от французского слова «rocaille»  («камень», «ракушка», «раковина»), первоначально относившегося к эпохе Возрождения. Для стиля были характерны декоративные элементы, которые по форме напоминали морские раковины: ими украшали мебель, стены, окна, зеркала.

Ниже приведены 10 знаковых произведений искусства, которые олицетворяют рококо во всем его разнообразии: от мифологических сцен до исторических портретов, от пышных пейзажей до роскошных интерьеров.

Паломничество на Киферу (1717)

Картина, над которой художник работал более пяти лет, дала Ватто возможность вступить в Королевскую академию живописи и скульптуры. Принимая картину, длина которой составляет почти два метра, Академия также официально признала новый жанр, который положил начало живописи в стиле рококо: fête galante. Представляя придворных персонажей в идеализированной пасторальной обстановке, этот жанр отражал период французского Регентства — время между смертью Людовика XIV и правлением Людовика XV, когда Филипп II правил как регент. Это была эпоха мира и процветания, когда люди упивались празднованием ритуалов ухаживания.

Триумф Венеры (1740)

Буше развил игривое чувство эротизма как определяющего элемента жанра. Хорошо сбалансированная, но активная, беззаботная, и сексуально заряженная сцена демонстрирует рококо во всей его энергии и палитре. Чрезвычайно популярные в свое время работы Буше превратились в гравюры, фарфоровые статуэтки и гобелены, а за пять лет до своей смерти он стал первым королевским живописцем и директором Королевской академии, двух высших должностей во французском искусстве.

Встреча (1771-72) 

Подобно Франсуа Буше, в мастерской которого он когда-то работал, Фрагонар также находился под влиянием итальянского барокко и голландской пейзажной живописи. Однако быстрые живописные мазки, которыми прославился Фрагонар, представляют собой эволюцию поколений в рококо.

Вероятно, потому, что картины не были достаточно классическими, графиня вернула их Фрагонару, который создал еще семь работ из этой серии.

Брачный контракт (1742–44)

«Модный брак», или «Женитьба в стиле а-ля-мода» (1742–45), рассказывает историю вымышленного графа Сквандера, который планирует женить своего сына на дочери богатого торговца. Первая картина это цикла, «Брачный контракт» (1742–44), указывает на моральные недостатки персонажей: граф сидит напыщенно рядом со свитком с подробным описанием своего генеалогического древа, в то время как торговец пытается купить социальный статус; Между тем молодая пара игнорирует друг друга. Невеста выглядит удрученной, потому что ее жених вернулся из континентальной Европы не только в модном парижском наряде, но и с сифилисом, о чем свидетельствует черная отметина на его шее. Две собаки, скованные вместе у их ног, символизируют их брак.

Работы Хогарта обнажаяют неприглядную изнанку под очаровательной беззаботной поверхностью модного стиля рококо.

Портрет маркизы де Помпадур (1748–1755)

На картине Морис Кантен де Латура маркиза де Помпадур сидит на стуле с партитурой в руках безмятежно глядя в сторону. На ее столе покоятся пьеса, энциклопедия, тексты Вольтера и Монтескье, глобус и гравюра.

Несмотря на серьезность картины и ее относительную сдержанность, проявляющуюся в отсутствии украшений и простой прически маркизы, она, тем не менее, демонстрирует некоторую причуду рококо в синих тонах и цветочных мотивах, которые переплетаются по всей композиции, визуально объединяя роскошное платье маркизы с ее окружением. Это свидетельство выдающегося мастерства де Ла Тура, которое он использовал, чтобы перенести традиционно формальную портретную живопись в более личную психологическую сферу.

Карл III, обедающий перед двором (ок. 1775)

Художник вставил в картину мифологические сцены, представляющие такие темы, как любовь, патриотизм и охота, что усилило зрелищность вокруг необычного объекта королевской портретной живописи. Считается, что виньетки изображенные художником шутливо отсылают к внутренним мыслям короля. Шутливость и загадочность работы усугубляет то, что ее заказчик неизвестен, а художник подписал свое творение греческими буквами: «Его создал Луис Парет, сын его отца и матери».

Свадьба императора Фридриха (1751–52)

В «Свадьбе императора Барбароссы с Беатрис Бургундской» (1751–1752) Тьеполо изобразил сцену местной истории. 10 июня 1156 года на хофтаге в городе Вюрцбург состоялась пышная церемония бракосочетания императора Священной Римской империи Фридриха Барбароссе и Беатрис Бургундской. Новая императрица сразу же обратила на себя внимание элиты Империи: ей не было ещё и 20, она обладала утончённым вкусом, была хорошо воспитана, прекрасно говорила на нескольких языках, разбиралась в куртуазной культуре. Бургундка подарила Фридриху Барбароссе 11 детей.

Сцена происходит в богатом архитектурном пространстве, изобилующем арками, колоннами и балконом, с которого играют музыканты. Среди глубоких красных, рыжих и золотых оттенков явно выделяется роскошное платье Беатрис типичных для рококо бледно-голубых и кремовых тонов.

Признание в любви (1731)

Картина Признание в любви (1731) является определяющим примером жанра. На этой веселой картине, написанной маслом, группа благородных дам и джентльменов останавливается у сада, в то время как один из молодых людей становится на колени и преподносит своей возлюбленной корсаж. Обойдя дам по обе стороны, трое джентльменов почти сливаются с окружением, поскольку их серо-коричневые наряды сочетаются как с землей, так и с классической садовой стеной. Дамы, однако, появляются в причудливых платьях с цветочными узорами, которые, наряду с уличной обстановкой и романтической темой, создают визуальный праздник рококо.

Мария-Антуанетта в придворном платье (1778)

Как официальный портретист Марии-Антуанетты, 22-летняя Виже-Лебрен впервые нарисовала печально известную королеву в 1778 году по приказу матери Марии, императрицы Марии Терезии Австрийской. Драпировка, сложные узоры и цветочные элементы здесь сочетаются с эстетикой рококо, но, хотя Виже-Лебрен придерживается цветов и тематики рококо, ее творчество колеблется между этим стилем и впоследствии вытеснившем его неоклассицизмом.

Покинув страну, когда началась Французская революция, она продолжила плодотворную карьеру в Италии, Австрии, Германии и России, прежде чем в конце концов вернулась во Францию. Всего Виже-Лебрен написала более 600 портретов, большинство из которых изображают женщин.

Голубой мальчик (ок. 1770)

«Синий мальчик» (ок. 1770) — одна из самых узнаваемых работ Гейнсборо — портрет розовощекого мальчика в элегантном  наряде в натуральную величину, на котором, скорее всего, изображен сын состоятельного торговца Джонатан Баттолл. Мальчик изображен на живописном фоне резко контрастирующем с изящным нарядом. Лазурный костюм мальчика, созданный под влиянием фламандского художника 17 века Энтони ван Дейка, был одной из первых попыток Гейнсборо нарисовать одежду в стиле Ван Дейка. Возможно, это также было ответом художника своему сопернику  Джошуа Рейнольдсу, который утверждал, что холодные цвета, такие как синий и зеленый, не должны занимать видное место в произведении искусства.

французская живопись 18 века: стиль рококо, живописцы, представители

Восемнадцатый век стал последним этапом эпохи перехода от феодализма к капитализму. Хотя в большинстве западноевропейских стран сохранялся старый порядок, в Англии постепенно зарождалась машинная индустрия, а во Франции бурное развитие экономических и классовых противоречий подготавливало почву для буржуазной революции. Несмотря на неравномерное развитие экономической и культурной жизни в разных странах Европы, это столетие стало эпохой разума и просвещения, веком философов, экономистов, социологов.

Художественные школы некоторых западноевропейских стран переживают небывалый расцвет. Ведущее место в этом столетии принадлежит искусству Франции и Англии. В то же время Голландия и Фландрия, пережившие необыкновенный подъем художественной культуры в XVII в., отодвигаются на задний план. Испанское искусство также охвачено кризисными явлениями, его возрождение начнется лишь в конце XVIII в.

Французское рококо

В истории культуры Франции эпоху, наступившую в начале правления Людовика XV (1715) и завершившуюся в год революции (1789), называют веком Просвещения. Это время дало миру великих писателей, философов и ученых, в числе которых — Вольтер, Д. Дидро, Ж. Ж. Руссо, Ш. Л. Монтескьё, К. А. Гельвеций, П. А. Гольбах.

В 1720-е гг. при королевском дворе появляется стиль рококо, просуществовавший почти пятьдесят лет. Этот стиль родился из барокко, но был более легким, причудливым и изящным. Слово «рококо» произошло от французского rocaille — «рокайль» — так назывались модные садовые украшения из раковин и мелких камешков.

В живописи рококо были популярны светлые оттенки — розовые, голубые. Наряду с масляными красками, применялась пастель. Обращаясь к библейским и мифологическим сюжетам, художники создавали нарядные полотна, призванные услаждать аристократическую публику. Большим успехом пользовались картины, изображавшие пастухов и пастушек, которые походили не на крестьян, а на переодетых в театральные костюмы дам и кавалеров.

Одним из самых значительных художников Франции XVIII в. был Антуан Ватто, фламандец по происхождению.

Антуан Ватто

Антуан Ватто родился в 1684 г. в Валенсьене в семье кровельщика. Проучившись несколько лет у местного художника, Ватто отправился в Париж. Не имея денег, весь долгий путь он проделал пешком. В столице долго бедствовал: работая в мастерской художника, писавшего религиозные композиции, Ватто едва сводил концы с концами. Позднее он стал брать уроки у живописца Клода Жилло, а затем — у гравера Клода Одрана. Одран занимал должность хранителя картинной галереи Люксембургского дворца, в котором находились картины, написанные Рубенсом для королевы Марии Медичи. Эти творения великого фламандца произвели на Ватто неизгладимое впечатление. Влияние Рубенса и мастеров фламандской школы заметно в ранних жанровых работах молодого художника («Савояр», ок. 1709).

В 1710 г. Ватто знакомится с Лесажем, известным писателем-сатириком, и коллекционером Крозом, который вводит его в круг парижских меценатов и ценителей искусства, оказавших покровительство молодому художнику. В этот период Ватто начинает писать любовные сцены, увеселения аристократов и театрализованные маскарады, изображая радости жизни, которых он сам был лишен, страдая тяжелым заболеванием легких. Эта болезнь и стала причиной ранней смерти живописца.

Хотя тематика живописи Ватто была близка и понятна аристократической публике, эмоциональная глубина образов в произведениях художника не была оценена его современниками. В 1717 г. Ватто приняли в Академию, но не как мастера исторической живописи, а как художника «галантных празднеств». Подобного жанра не существовало до этого времени, он появился лишь в связи со вступлением Ватто в Академию.

Антуан Ватто. Савояр. Ок. 1709 г.

Ватто представил в Академию одну из лучших своих картин — «Паломничество на остров Киферу» (1717). На полотне изображены дамы и кавалеры, садящиеся в ладью, отплывающую к острову, на котором, согласно греческому мифу, родилась богиня любви Афродита. В отличие от манерной живописи многих современников Ватто, «Паломничество на остров Киферу» поражает своей эмоциональностью и поэтичным очарованием. Картина пронизана вибрирующим светом, который, сочетаясь с золотистыми, нежно-зелеными и бледно-розовыми тонами, делает изображение трепетным и подвижным.

Многие произведения Ватто отражают интерес их автора к театру. Самые значительные работы, посвященные театральной жизни, выполнены художником в последние годы жизни. Одна из лучших картин этого цикла — «Итальянские комедианты» — создана, вероятно, после 1716 г. (именно в это время во Францию вновь приехали итальянские актеры, выдворенные из страны в XVII в. за сатирические спектакли, направленные против французского правительства).

Шедевром театральной серии Ватто стала картина «Жиль» (1720). Странная и загадочная композиция этого произведения до настоящего времени вызывает множество толкований. Художник вывел на передний план актера в белой одежде. Его фигура неподвижна, глаза из-под полуопущенных век пристально смотрят на зрителя. А за спиной Жиля, под пригорком, расположилась группа оживленных комедиантов, тянущих за веревку осла, на котором восседает Скапен. До сих пор неясно, что же хотел сказать художник, изобразив на своем полотне не связанных между собой действием застывшего, как монумент, одинокого и печального Жиля и суетящихся за ним веселых актеров. Существует предположение, что эта картина была задумана как афиша для одного из сезонов Итальянской комедии — похожие вывески сопровождали ярмарочные театры той эпохи.

Антуан Ватто. Вывеска для антикварной лавки Жерсена (правая часть). Ок. 1721 г.

Последней картиной Ватто стала вывеска для антикварной лавки Жерсена, написанная в 1721 г. после поездки живописца в Лондон, где практиковал знаменитый английский врач. Надежды на излечение не оправдались, и умирающий художник вернулся в Париж.

Всего за несколько дней Ватто, остановившийся в доме Жерсена, написал полотно, изображавшее помещение антикварного магазина, продавцов и посетителей, разглядывающих картины, слуг, осторожно укладывающих в ящик проданный портрет. Это произведение, в котором проявилась тонкая наблюдательность автора, не укладывается в рамки «галантных празднеств». Реалистично и живо повествующая о XVIII в. и людях, живших в эту эпоху, картина предвосхитила появление реалистического искусства во Франции. Провисев над входом в лавку всего пятнадцать дней, «Вывеска Жерсена» привлекла множество зрителей. В настоящее время она находится в зале Государственных музеев в Берлине.

Смерть оборвала творческие искания мастера в 1721 г. Традиции его искусства были подхвачены Н. Ланкре и Ж. Б. Патером, но их живописи не хватало поэтичности и эмоциональности. Немного позднее к искусству Ватто обратились Ф. Буше, Ж. Б. Шарден и художники-реалисты.

Франсуа Буше

Ведущий живописец рококо Франсуа Буше родился в 1703 г. в Париже. Первые уроки рисования он получил у своего отца, затем занимался иллюстрацией и рисунком в мастерской Ф. Лемуана.

В 1723 г. Буше стал обладателем первой премии на конкурсе Академии. Спустя два года вместе с художником Карлом Ванлоо он отправился в Рим. В Италии Буше не привлекло искусство старых мастеров, гораздо больше его интересовала живопись современников.

Вернувшись на родину в 1731 г., художник стал членом Королевской академии живописи и скульптуры. В 1734 г. за композицию «Ринальдо и Армида» Буше получил звание академика. Карьера художника продвигалась успешно, в 1737 г. он стал профессором Академии, а через некоторое время — ее директором. Художнику покровительствовала маркиза де Помпадур: она содействовала получению Буше крупных заказов (декоративные работы для дворцов Фонтенбло, Бельвю и Креси), а в 1752 г. помогла ему поселиться в Лувре. В 1755 г. Буше возглавил Королевскую мануфактуру гобеленов, а в 1765 г. получил должность первого живописца при дворе Людовика XV.

Свой творческий путь художник начал с гравирования картин А. Ватто, последователем которого он себя считал. Но декоративные произведения Буше значительно отличаются от глубоко эмоционального и одухотворенного искусства А. Ватто. Гравюры Буше делали жанровые сцены, взятые из произведений А. Ватто, похожими на орнаментальные узоры, которые позднее стали обязательным элементом книжной иллюстрации рококо. В таком стиле вместе с художниками Ж. Б. Патером, Н. Ланкре и Ш. Эйзеном Буше выполнил гравюры к сказкам Ж. де Лафонтена.

Хотя рисункам Буше не хватает глубины и искренности, они по-своему выразительны и изящны. Особенно эмоциональны и лиричны его пейзажи («Мельница», 1752). Наряду с рисунками, гравюрами, эскизами для гобеленов и фарфора, театральными декорациями (оформление оперы-балета «Галантная Индия», 1735), художник создавал и станковые картины, отличающиеся той же декоративностью. Главный создатель пасторального жанра, Буше изображал в своих композициях сентиментальных пастушков и пастушек или чувственных красавиц из античной мифологии («Триумф Венеры», 1740; «Купание Дианы», 1742; «Уснувшая пастушка», 1745). Искусство Буше должно было вызывать у зрителей приятные и волнующие чувства, но не тревожить и не пугать.

Франсуа Буше. Купание Дианы. 1742 г.

Кроме мифологических картин и пасторалей, Буше писал жанровые сцены, религиозные композиции («Отдых на пути в Египет», 1757) и портреты. Им создано несколько портретов маркизы де Помпадур и множество изображений представителей аристократического общества Франции.

Палитра Буше соответствует требованиям моды искусства рококо — краски на его картинах кажутся нам неестественными, не соответствующими природным оттенкам. В эту эпоху художники стремились найти изысканные, редкие оттенки, которые получали удивительные названия: «цвет потерянного времени», «голубиная шейка», «цвет бедра взволнованной нимфы», «веселая вдова», «резвая пастушка». Буше считал, что природа недостаточно красива и совершенна, к тому же плохо освещена, поэтому свою живопись он делал пестрой и светлой, стараясь использовать голубые и розовые оттенки.

В последние годы жизни Буше интерес к его творчеству со стороны публики значительно упал. Но слепнущий художник, чье искусство осуждалось современниками (особенно Дени Дидро) за манерность и бездумную легкость, продолжал писать картины («Поклонение волхвов», 1764), создавать рисунки и театральные декорации («Тесей», 1765), представляя зрителю безмятежный и радостный мир своего искусства. Умер Буше в 1770 г.

Рядом с далеким от действительности искусством рококо, призванным услаждать изнеженную аристократическую публику, во французской живописи развивается реалистическое направление. Одним из самых крупных представителей этого течения стал Ж. Б. Шарден.

Жан Батист Симеон Шарден

Жан Батист Симеон Шарден родился в 1699 г. в Париже в семье столяра. Учился у художников-академистов Жана Батиста Ванлоо, Пьера Жака Каза, Ноэля Никола Куапеля. В мастерской Каза Шарден вместе с другими учениками долго копировал картины своего учителя, дожидаясь позволения приступить к изображению живой натуры. Этот метод обучения не устроил молодого художника, и вскоре он порвал с академистами.

Шарден начал творческий путь с натюрмортов. В 1728 г. на т. н. Выставке молодежи, которая устраивалась под открытым небом на площади Дофина, Шарден показал две работы — «Скат» и «Буфет». Натюрморты были восторженно встречены публикой, и, окрыленный успехом, художник представил свои картины в Академию, получив за них звание академика. В отличие от современников, которые писали декоративные натюрморты, Шарден создавал лишенные внешних эффектов, непритязательные и скромные картины, изображавшие простую кухонную посуду, бутылки, кувшины, овощи, фрукты, рыбу и битую дичь. Но удивительная гармония красок и мастерство исполнения позволили Шардену показать материальную сущность предметов, сделать их осязаемо реальными.

Большой успех Шардену принесли жанровые работы, написанные в 1730-1740-х гг. Художник изображал быт третьего сословия Франции — мелкой буржуазии и трудового народа. Выросший в семье ремесленника, он прекрасно знал жизнь простых людей. Произведения Шардена лишены манерности Буше, в них нет повествовательности и драматизма. Здесь изображены простые и спокойные сцены жизни семьи: стирающая белье прачка, ребенок которой забавляется мыльными пузырями («Прачка», ок. 1737), мать, читающая вместе с маленькими дочерьми молитву возле накрытого к обеду стола («Молитва перед обедом», 1744). Несмотря на свою простоту, эти картины полны поэзии, которую художник сумел уловить, наблюдая жизнь, но в них отсутствуют назидательность и сентиментальность, свойственные многим его современникам, например Ж. Б. Грёзу. Реалистичная и правдивая жанровая живопись Шардена раскрывает перед зрителем мир искренних человеческих чувств, связывающих героев его картин. Эти полотна, как и натюрморты, написаны в мягкой, приглушенной колористической гамме, построенной на тонких цветовых градациях.

Шарден с его искренней и поэтичной живописью оставался чужд морализаторству, которое в 1750-1760-х гг. появилось в работах многих французских художников, прославляющих буржуазную добродетель. В этот период мастер не создал уже ничего нового в области жанровой живописи.

Жан Батист Шарден. Прачка. Ок. 1737 г.

Замечательное мастерство Шардена, уже немолодого художника, проявилось в его портретных работах. В 1770-е г. он
написал пастелью чудесный портрет своей жены и «Автопортрет с зеленым козырьком».

Жанровая живопись Шардена оказала большое влияние на многих французских художников. Последователями талантливого живописца стали Ф. Кано, П. Л. Дюмениль Младший, Э. Жора. С его картин делали гравюры такие мастера, как Л. Кар, Ж. Ж. Флипар, И. Г. Вилль, Ж. Ф. Леба. Современники свидетельствуют, что гравюры с произведений Шардена пользовались популярностью и быстро раскупались ценителями искусства.

Умер Шарден в 1779 г.

Жан Батист Шарден. Кухарка. 1738 г.

Сентиментально-морализующее направление во французской живописи второй половины XVIII столетия возглавил Ж. Б. Грёз.

Жан Батист Грёз

Жан Батист Грёз родился в 1725 г. в Турню. Учился сначала у незначительного живописца Ш. Грандона в Лионе, затем — в Королевской академии живописи и скульптуры в Париже.

Впервые о художнике заговорили после создания им картины «Отец семейства, читающий Библию». В 1750-х гг. Грёз посетил Италию, но эта поездка мало что дала ему. В написанных там работах, помимо сюжета, нет ничего итальянского. Тем не менее живопись Грёза привлекла внимание ценителей искусства из самых разных кругов французского общества. Маркиз Мариньи, руководитель королевских строений, заказал художнику несколько аллегорических полотен для маркизы де Помпадур. Ценили Грёза просветители, считавшие, что искусство — великая воспитательная сила. Д. Дидро писал об этом мастере третьего сословия: «Вот поистине мой художник — это Грёз».

В Салоне 1761 г. живописец выставил свою картину «Деревенская невеста», которая, изображая одно из главных событий сельской семьи — свадьбу, восхваляла добродетельные нравы представителей третьего сословия. Композиция этого произведения напоминает театральную сцену, на которой расставлены фигуры актеров: отца новобрачной, передающего жениху приданое, и членов семьи. В расположении персонажей, в их жестах и мимике чувствуется стремление художника оказать воспитывающее воздействие на публику. Например, две сестры невесты изображены
так, чтобы зритель сразу увидел любовь и нежность одной девушки и жгучую зависть другой.

Вместе с «Деревенской невестой» в Салоне были представлены рисунки к картине «Паралитик». Один из них — акварель «Бабушка», изображающая бедное жилище старой больной женщины, вокруг которой стоят дети. Реалистичность и убедительность образов говорят о том, что эта работа, как и многие другие рисунки, выполнена Грёзом с натуры. Перед созданием каждой картины живописец делал множество натурных зарисовок, изображая бедных
ремесленников, крестьян, торговок, нищих. В «Паралитике» (1763) жизненность натурных рисунков отсутствует. Члены семьи паралитика кажутся актерами, играющими в благородство пред постелью больного. Даже детали
обстановки призваны подчеркнуть добродетель персонажей.

Например, тряпка, висящая на перилах лестницы в «Бабушке», превращается в «Паралитике» в изысканную драпировку.

Большинство работ Грёза представляют одни и те же образы: порочный сын, не уважающий своих родителей; добродетельный отец семейства, обиженный детьми; злая и жестокая мачеха. Таковы персонажи в картине «Отцовское проклятие» и в исторической композиции «Север и Каракалла», где римский император Каракалла представлен не только плохим сыном, но и отвратительным правителем.

Кроме жанровых сцен, Грёз писал и портреты, в основном изображавшие хорошеньких девушек. Эти сентиментальные и манерные картины, т. н. «головки», пользовались у современников большим успехом. Умер Грёз в 1805 г., оставив множество последователей.

Жан Батист Грёз. Портрет Софи Арну. Ок. 1786 г.

Значительное место во французской живописи 18 столетия занимает портрет. Одним из самых известных мастеров этого жанра был Морис Кантен Латур, создавший целую галерею портретов своих современников (маркизы де Помпадур, Ж. Ж. Руссо, королевского секретаря Д. де л’Эпине). Талантливым портретистом был Жан Батист Перронно, работы которого отличаются богатым колоритом.

Идеи просветительства, противопоставлявшие испорченным нравам светского общества чистоту сельской жизни на лоне природы, отразившиеся в сочинениях Ж. Ж. Руссо, способствовали развитию французского жанра пейзажа.

Крупнейший пейзажист этой эпохи — Клод Жозеф Верне, излюбленными мотивами которого были море и парковые виды («Утро в Кастелламаре», 1747; «Вилла Памфили», 1749; «Скалы у берега моря», 1753). Его картины представляли поэтичные ландшафты Франции, полные воздуха и света. Со временем известный художник, выполняя многочисленные заказы, начинает переписывать одни и те же работы, не создавая ничего нового.

Молодыми современниками Верне были Луи Габриэль Моро Старший, писавший изысканные по колориту виды Парижа и его окрестностей («Холмы в Медоне»), и Гюбер Робер, побывавший в Италии, любивший писать античные руины и соединявший в одной композиции несколько разных памятников. Вернувшись на родину, во Францию, он стал необыкновенно популярен. Не только французские, но и русские вельможи стремились заказать у Робера картины для украшения своих дворцов (в частности, князь Юсупов, для усадьбы которого художник исполнил несколько пейзажей).

Одним из крупнейших мастеров французской живописи второй половины XVIII в. был Оноре Фрагонар, работавший во многих жанрах. Он испытал заметное влияние итальянских мастеров XVII-XVIII вв. Хотя художник писал в стиле рококо, в его творчестве сильны реалистические тенденции. Фрагонар создавал тонкие и лиричные пейзажи («Берег моря близ Генуи», 1773), одухотворенные и искренние портреты («Мадам Фрагонар», «Маргарита Жерар»), свежие по колориту жанровые сцены («Прачки», «Поцелуй украдкой», 1780-е) и реалистичные и немного ироничные мифологические композиции («Похищение рубашки Амуром», ок. 1767) .

Последняя четверть XVIII в. ознаменована расцветом классицизма во французской живописи. Некоторые художники обращаются в своем творчестве к античному наследию, к поискам новых, четких и простых художественных решений (Ж.-М. Вьен). Черты классицизма прослеживаются в творчестве Ж. Б. Грёза. Ярким представителем этого направления в искусстве Франции был Ж. Л . Давид.

Жак Луи Давид

Жак Луи Давид — французский живописец, художник просветительского классицизма и ампира, а также один из основоположников нового искусства — родился в 1748 г. в семье состоятельного парижского коммерсанта. В юном возрасте поступил в Академию художеств, где с 1766 по 1774 г. учился у Ж.-М. Вьена, синтезировавшего в своем творчестве два стиля: классицизм и рококо. Конкурсная работа молодого художника на Римскую премию — «Бой Марса с Минервой», написанная в 1771 г., хотя и пришлась по нраву академическим кругам (она была исполнена в академической манере), полагающейся награды Давиду так и не принесла. Поэтому его поездка в Италию была отложена до 1775 г., когда он отправился туда вместе со своим учителем в качестве стипендиата.

В Риме на протяжении пяти лет (1775-1780) Давид изучал античное искусство, а также творчество мастеров эпохи Возрождения (Рафаэля и художников болонской школы) и барокко. По возвращении на родину им была выставлена картина «Велизарий, просящий подаяние» (1781). Ее сюжет — драматическая повесть о том, как знаменитый византийский полководец, подозреваемый в заговоре против императора, был лишен всех благ, ослеп и впал в нищету. Давид изобразил его сидящим у городских ворот Константинополя и просящим подаяние. Показательно то, что композиция представляет собой не мифологический сюжет, а исторический, хотя и носящий легендарный характер. Это произведение кардинально отличается от ранней работы художника, причем отличие заключено в простоте и строгости, скульптурности в трактовке форм, композиционной уравновешенности. Лаконизм, с которым написано полотно, прямо указывает на его тягу к монументальности и говорит о появлении индивидуального стиля.

В это же время появилась еще одна картина Давида — портрет графа Потоцкого (1781), который был написан благодаря одному эпизоду из жизни мастера. Будучи в Неаполе, молодой художник стал свидетелем того, как Потоцкий усмирил необъезженного коня. И хотя на картине приветствующий жест графа выглядит несколько театрально, это с лихвой компенсируется тем, как точно и детально Давид передает внешний облик героя: налицо нарочитая небрежность в одежде, спокойная уверенность в своей силе и т. д. Все это говорит о том, что начинающему живописцу вовсе не чужда передача реальной действительности в живой конкретности.

С этого времени творчество Давида идет как бы двумя путями: с одной стороны, он пишет исторические полотна на античные сюжеты, где с помощью отвлеченных образов стремится донести до зрителя идеалы, волнующие предреволюционную Францию, а с другой — создает портреты, утверждающие образ реального человека, причем эти две грани его творчества не смещиваются вплоть до самой революции.

Так, одна из наиболее знаменитых его картин, «Клятва Горациев» (1784), сюжет которой был взят из трагедии Корнеля, посвященной трем молодым римлянам, готовым расстаться с жизнью во исполнение долга, воспринимается как революционный призыв. Фон создают три полуциркульные арки, опорой для которых служат колонны. Они несколько ограничивают глубину картины, придвигаясь близко к переднему краю композиции и симметрично разделяя ее на три равные части, тем самым образуя ритмическую основу построения. В каждую из этих арок вписана одна из трех групп, резко противопоставленных друг другу: на первом плане изображены три сына, дающие отцу клятву победить или умереть, а на втором — поникшие в горе женщины. В то время как позы мужчин резки и напряжены, позы женщин, наоборот, выражают покорность судьбе. Гражданская доблесть одних вырисовывается на фоне переживаний других.

Жак Луи Давид. Клятва Горациев. 1784 г.

В данной картине один смысловой и композиционный центр — это руки отца, сжимающего мечи, и тянущиеся к ним руки братьев. От этого узла симметрично в обе стороны спускаются по линиям рук, ног и по складкам одежды основные направляющие линии, образующие равнобедренный треугольник. Такая математическая схема построения, заимствованная у мастеров Возрождения, у Давида объясняет стремление к логической ясности и архитектонической уравновешенности. В целом композиция отличается простотой и лаконизмом, скульптурной трактовкой форм, монохромностью цветовой гаммы и схематичной обрисовкой образов.

Отсутствие индивидуального конкретного момента, характерного для исторических композиций, Давид компенсирует созданием портретов г-на Пекуль и г-жи Пекуль. Если в «Клятве Горациев» представлены идеализированные, несколько абстрагированные образы, то в вышеназванных портретах он, наоборот, утверждает материальную сторону мира без какой бы то ни было идеализации. Художник не скрывает от зрителя некрасивые руки персонажей с толстыми короткими пальцами, а в женском портрете — оплывшую шею, кожа которой нависает над жемчужным ожерельем. На портретах изображено то, что живописец наблюдает в действительности. Он создает образы людей, довольных своей жизнью и богатством, которое они охотно выставляют напоказ.

А вот портрет «Лавуазье с женой» (1788) написан несколько в иной манере. Здесь все (красота линейных контуров, изящество жестов, грациозность, элегантность и утонченность образов) нацелено на то, чтобы передать обаяние ученого и его жены.

В дальнейшем Давид продолжает работать с материалами античной истории. В этом отношении наиболее значительно его полотно под названием «Брут, первый консул, по возвращении домой после того, как осудил двух своих сыновей, которые присоединились к Тарквинию и были в заговоре против римской свободы; ликторы приносят их тела для погребения» (1789). Нужно заметить, что эта картина, выставленная в Салоне в том же году, приковала к себе всеобщее внимание тем, как был представлен герой: для него гражданский долг оказался превыше всего, в том числе и отцовских чувств.

Сам Давид лично принимал активное участие в революционных событиях, благодаря чему был избран в депутаты Конвента, стал членом клуба якобинцев, приблизился к Робеспьеру. Заняв ответственный пост, Давид во многом повлиял на художественную жизнь страны: по его проекту ликвидируется Королевская академия, реорганизуется система художественного образования, а Лувр становится первым в Европе государственным музеем, открытым для массового зрителя.

Помимо занятий политикой, Давид вел большую педагогическую деятельность: руководил крупнейшей мастерской в Школе изящных искусств, занимался вместе с учениками оформлением массовых празднеств революционного характера, моделировал костюмы должностных лиц и обмундирования войск, причем делал все это в духе римской классики. Общественная жизнь того периода была отражена Давидом в композиции «Клятва в зале для игры в мяч» (1789), которая, несмотря на огромный собранный материал, так и осталась незаконченной по той причине, что стре-
мительное развитие революционных событий смело со сцены многих лиц, без которых она не могла считаться законченной.

Среди материала к «Клятве…» были десятки портретных рисунков, характеризующихся достоверностью и правдивостью, среди которых, например, рисунок головы Лепелетье де Сен-Фаржо, убитого монархистами. Позже Давидом была написана картина, прославляющая этого героя революции. К сожалению, она не сохранилась, но до настоящего времени дошла гравюра Тардье, исполненная по этому рисунку. На ней Лепелетье изображен на траурном ложе, полуобнаженным, с зияющей раной, так, как он был представлен в действительности во время всенародного прощания. При взгляде на изображение возникает впечатление, что в саркофаге лежит не обычный человек, а слепленная с него скульптура. Этот эффект был достигнут при помощи линий красиво откинутой назад головы и пластично вылепленных форм тела, что присуще принципам классицизма. Своей работой Давид не столько хотел запечатлеть убитого, сколько создать образ патриота своей родины и напомнить о той опасности, которой подвергается молодая республика. Этой же цели служит созданный им контраст: пластическая красота и кровавая рана, а над телом — меч, символизирующий угрозу, нависшую над революцией.

А вот к образу убитого Марата художник подошел несколько иначе («Смерть Марата», 1793). Хотя задача, которую он себе ставил, осталась прежней — воздействовать на чувства зрителей и преподать им очередной урок патриотизма, в этой картине Давид стремится к конкретизации характера, свойственной большинству его портретов. Поэтому он решил изобразить убитого лидера таким, каким представлял его себе в момент смерти. В одной руке Марат еще держит перо, а другая непроизвольно сжимает письмо Шарлотты Корде.

Жак Луи Давид. Смерть Марата.

Если в картине «Убитый Лепелетье» художник скрыл некрасивость профиля героя, запрокинув его голову, то в новом произведении изображенного мог узнать любой. Марат написан в домашней обстановке, сидящим в лечебной ванне, однако мастерство Давида смогло подняться над обыденностью, в результате чего получилось произведение возвышенное и с героическим пафосом. Во многом такой эффект был достигнут благодаря лаконизму, обобщенности и большим планам. Живописец смело подчеркнул пластичность тела, выдвинув его на передний план на фоне темной стены, занимающей больше места, нежели сама сцена, а куски материи превратил в монументальные складки.

В революционные годы мастер продолжает усердно работать в портретном жанре, причем его моделями становятся не только патриоты и революционные деятели, но и люди простого звания. Характерной особенностью этих произведений является точная детализация индивидуальных черт портретируемых. Все чаще и чаще Давид изображает людей на гладком фоне, который не отвлекает внимания на посторонние, не столь существенные моменты. Художника в большей мере интересует передача посредством живописи самых разных психологических состояний. К числу лучших его работ этого периода относятся «Автопортрет с палитрой» (1794), портреты супругов Серизиа (1795). С этого времени в мастерской Давида начинает складываться то классическое направление в искусстве, которое позднее будет названо ампиром (что означает «стиль империи»).

Революционный переворот, произошедший 9 термидора 1794 г., настиг художника и революционного деятеля столь внезапно, что он не успел ничего предпринять и в результате был арестован и препровожден в Люксембургский дворец, в котором пробыл весьма недолго. Уже в скором времени он предстал перед судом, отрекся от М. Робеспьера и был освобожден. За время нахождения в тюрьме Давид успел написать уголок Люксембургского сада (1794), наполненный спокойствием и умиротворением, и автопортрет (1794), оставшийся незаконченным, в котором царит совершенно противоположное чувство.

Примерно в это же время Давидом было написано одно из самых значительных полотен эпохи — «Зеленщица» (1795). Существует мнение, что данное произведение не принадлежит его кисти, однако это предположение ничем не подтверждено, а значит, нет оснований не принимать эту работу во внимание, тем более что она очень близка творчеству Давида. На картине изображена женщина из народа, по-прежнему верная идеям революции. Она настороженно и внимательно за кем-то наблюдает, а с губ может вот-вот сорваться гневное слово протеста. По сути, этот образ можно рассматривать и как образ самой революции, недаром между синим фартуком и белой повязкой ярко пламенеет красная косынка (три цвета революционного знамени).

В 1795 г. Давид задумал полотно «Сабинянки останавливают битву между римлянами и сабинянами» (реализация данного замысла произошла только в 1799 г.). В этой работе художник намеревался показать возможность примирения враждующих партий. Однако сам живописец не верил в такой исход, а потому картина получилась излишне холодной и академической. В результате в творчестве Давида вновь наблюдается расхождение между портретом и картиной на историческую тему, что было свойственно ему в дореволюционный период. Можно сказать, что это был своеобразный шаг назад. Но нельзя также забывать и о том, что данное обстоятельство было присуще не всем его работам — некоторые портреты конца века были созданы в новой манере. В этом отношении наиболее характерен портрет молодого Энгра (1800) , необычайно мягкий и живописный. В нем отсутствует ярко выраженная объемность и линейность, и хотя наблюдаются четкие границы освещенных и затемненных мест в трактовке лица, контраст создан не для моделирования объема. Свет, падающий с одной стороны, введен для усиления выразительности и одухотворенности образа.

Так же как и в портретах многих других живописцев, в работах Давида всегда можно с большой точностью определить отношение автора к изображаемому герою. Особенно ярко это проявилось в таких работах, как «Госпожа Рекамье» (1800), «Бонапарт на перевале Сен-Бернар» (1800) и др.

На первом портрете изображена грациозная молодая женщина, расположившаяся на ложе, выполненном в античном стиле
мебельщиком Жакобом; рядом с ней стоит античный подсвечник. Модный в то время греческий хитон изящно драпирует
стройную фигуру, а прическа «а la grecqua» обрамляет красивое лицо с большими умными глазами. И хотя художник с большой симпатией рисует линии ее нежного лица и грациозной фигуры, все же у зрителя не возникает ощущения внутренней связи живописца с моделью, он понимает, что мастер только любуется ею. С этого времени обращение к античности — лишь предлог для того, чтобы сотворить особый мир, далекий от современности, мир чисто эстетического любования.

Что касается портрета «Бонапарт на привале Сен-Бернар», то до него живописцем в 1797 г. был начат другой портрет, отличающийся большей жизненностью и драматической выразительностью (портрет остался незаконченным). Незавершенную работу отличает отсутствие заранее заданной идеи и оформленности композиции — качеств, свойственных художественной манере Давида. Здесь рядом с неожиданно неровными мазками краски, которой предполагалось закрасить мундир, лицо с напряженно-волевым, огненным взглядом кажется особенно пластичным, четко вылепленным. Вместе с тем картина сохраняет ощущение наброска, как бы выполненного с натуры (портрет должен был войти в большую, так и не написанную композицию). Совсем в ином плане написан конный портрет знаменитого полководца на привале Сен-Бернар. В это время Давид видел в Наполеоне только героя-победителя и принял заказ изобразить его спокойным на вздыбленном коне. Однако позировать Бонапарт отказался, мотивируя это тем, что мало кого интересует реальное сходство, достаточно выразить суть гения. Живописец выполнил пожелание и
создал произведение, похожее в большей степени на памятник, а не на портрет полководца.

Жак Луи Давид. Автопортрет. 1794 г.

В 1804 г. Наполеон Бонапарт стал императором, а Давид получил звание первого живописца императора. Наполеон выразил желание, чтобы в произведении искусства было прежде всего отражено восхваление империи, и тогда Давид по его заказам написал две крупные композиции: «Коронование императора и императрицы» (1806-1807) и «Присяга армии Наполеону после раздачи орлов на Марсовом поле в декабре 1804 г.» (1810). На первом полотне художник стремился представить коронацию так, как она происходила в действительности, с максимальной объективностью. Каждое лицо изображено с большей экспрессией и психологичностью; идеализированы только образы Наполеона и Жозефины, выделенные светом. «Коронование…» характеризуется новой, более яркой цветовой гаммой (здесь присутствуют черные, белые, зеленые, красные и золотистые тона), в которой угадывается стремление живописца передать краски такими, какие они есть на самом деле, и несоответствием между реалистическим портретом и театрально напыщенной и вялой композицией.

Все работы последующего периода, выполненные в жанре портрета, отличаются высоким мастерством, чего нельзя сказать об исторических и аллегорических композициях, которые утрачивают революционный пафос и становятся холодными и академическими. В некоторых полотнах наблюдается замена строгого стиля претенциозной изысканностью и красивостью («Сафо и Фаон», 1809).

В последние годы существования империи, в то время, когда над Францией нависла угроза вторжения, мастер выставил картину «Леонид в Фермопилах» (1799-1814). Данный поступок можно рассматривать как призыв художника к защите отечества. Однако все попытки подобного рода заранее были обречены на неудачу, так как события термидора и империя основательно подорвали патриотизм и гражданскую доблесть республиканцев. Да и сама композиция получилась чересчур безжизненной и академической, что также не могло вызвать того энтузиазма, которым были встречены работы Давида времен Республики, повествующие о республиканских добродетелях и гражданской доблести древних греков и римлян.

В 1814 г. власть перешла к Бурбонам, и художник, голосовавший в Конвенте за казнь Людовика XVI и принимавший активное участие в революционных действиях, был изгнан из Франции и нашел пристанище в Брюсселе, где и прожил до конца своих дней.

Нужно отметить, что все большое и значимое в творчестве Давида предреволюционного периода оказалось уничтожено в годы реакции, и только его портреты (в большинстве случаев безымянные) по-прежнему остаются достойными внимания. Лучшей портретной работой, созданной живописцем в годы изгнания, принято считать «Портрет старика», написанный в 1815 г.

Умер живописец в 1825 г.

10 самых известных картин в стиле рококо

Движение рококо возникло из-за изменения социального климата во Франции в начале 18 века после смерти короля Людовика XIV в 1715 году.

Многие семьи и члены правящего класса и социальные элиты переехали из королевского дворца в Версале после смерти короля в окрестности Парижа.

Художники в то время стали меньше интересоваться продолжением академического стиля периода барокко и начали исследовать новые пути выражения, которые привели их к тому, что мы теперь знаем как движение рококо.

Стиль рококо можно охарактеризовать его тенденцией к элегантно одетым фигурам, плавным узорам, пастельным тонам и отсутствию заботы о симметрии. Движение началось во Франции и позже распространилось на другие части Европы, как и многие другие стили искусства на протяжении всей истории.

Те, кто работал в стиле рококо, обладали особым чутьем на изобилие и часто изображали свои картины с чувством необузданной природной красоты.

Хотя некоторые из громких имен той эпохи не так примечательны, как искусные художники других периодов, некоторые из самых известных картин движения рококо также являются одними из самых известных произведений, вышедших из Европы со времен Ренессанс.

Картины в стиле рококо

1.

Немногие художники рококо более известны в этом движении, чем Жан-Антуан Ватто. Он известен как художник, положивший начало стилю рококо во Франции в начале 1700-х годов.

Ватто имел фламандское происхождение в то время, когда Франция только что аннексировала территорию при короле Людовике XIV.

По мнению искусствоведов, Ватто сочетал в себе фламандский стиль живописи с живописными техниками венецианского Возрождения совершенно уникальным образом.

Его самая известная работа, несомненно, «Посадка на Киферу», которую он писал в течение пяти лет, закончившись в 1717 году.

На картине изображена группа пар, которые, похоже, отправляются в путешествие на Киферу, остров в море недалеко от Греции, которое было известно как место рождения богини Афродиты.

Ватто нарисовал каждую из трех пар способами, которые, кажется, находятся в разной степени ухаживания, с летающими амурами, парящими над их головами, что, кажется, указывает на цель путешествия.

2.

Жан-Оноре Фрагонар был известен как один из самых известных представителей движения рококо. За свою карьеру он написал несколько мастерских работ для французской королевской семьи, охватившей вторую половину движения рококо 18 века. Он наиболее известен своей работой под названием «Качели», написанной в 1767 году.

На этой конкретной работе изображена молодая женщина, игриво раскачивающаяся с ветки дерева, а молодой человек смотрит на нее из кустов под ней.

Угол обзора мужчины таков, что он мог бы видеть из-под платья молодой женщины, что предполагает чувство гедонизма, которое так часто сопровождало многие картины Фрагонара. В тени позади женщины можно увидеть еще одного мужчину, который тянет качели на веревках.

Это произведение было несколько спорным в то время, когда его создал Фрагонар, поскольку во Франции XVIII века оно считалось слишком легкомысленным по общественным стандартам.

3.

Франсуа Буше, возможно, самое известное имя эпохи рококо. На его картинах часто изображались мифологические фигуры или декорации, а его стиль живописи действительно изменил французское искусство при его жизни.

Его техника была особенно отличной, поскольку большинство фигур в его работах были сладострастными по своей природе и часто изображались на открытом воздухе.

Буше создал множество работ, которые были одними из самых известных картин эпохи рококо, но его «Триумф Венеры», пожалуй, самый известный среди искусствоведов и критиков.

Картина была написана в 1740 году и изображает богиню Венеру вскоре после рождения на море. Ее сопровождает множество нимф, херувимов и тритонов, которые часто использовались в картинах в стиле рококо.

Картина иллюстрирует асимметричный характер произведений искусства в стиле рококо и установила сродство среди других художников к использованию мифологических фигур в своих произведениях.

4.

Ни один художник в истории не был так известен своими итальянскими городскими пейзажами, как Канал Джованни Антонио.

Он был известен как Каналетто, имя, которое он получил в честь своего отца, который был довольно заметной фигурой в мире венецианского искусства.

За свою карьеру он путешествовал по большей части Европы, рисовал множество разных сцен из определенных эстетически приятных мест во многих городах.

Его самая известная работа — «Вход в Гранд-канал», картина, на которой изображен водный путь, ведущий в итальянский город Венецию, который в то время в 1730 году был рассадником художественного чутья.

Картина отличается такой же асимметричной природой, как и другие работы в стиле рококо, и считается одной из самых известных картин, созданных за пределами Франции в 18 веке.

5.

Франсуа Буше был известен во всей Франции своим умением воплотить в жизнь некоторые из мифологических сцен из древнегреческой культуры столетиями ранее.

Он также был провозглашен одним из самых известных портретистов периода рококо.Эта работа была последней из семи различных картин с изображением мадам де Помпадур.

Работа была завершена в 1759 году. Из нее открывается вид на мадам, отчасти игривый, что было обычным явлением для многих произведений в стиле рококо середины 18 века.

Ее можно увидеть прислоненной к основанию большой статуи и одетой в характерные струящиеся платья, которые в то время были так обычны для элитных членов французского общества.

6.

Жан-Оноре Фрагонар был известен в эпоху рококо тем, что рисовал сцены, изображавшие несколько игривую гедонистическую обстановку.

Он нарисовал множество сцен, в которых молодые любовники были вовлечены в романтические обстоятельства, которые иногда считались табу во французском обществе в то время. Так было в его самом известном произведении «Встреча» (из романа «Любовь пастырей»).

На этой картине, созданной в 1772 году, изображены молодые мужчина и женщина, явно участвующие в встрече, которую они пытаются сохранить в секрете.

Видно, как мужчина кричит через стену, в то время как молодая женщина смотрит через ее плечо, словно желая убедиться, что их не увидят во время вечеринки.

7.

Карьера Жан-Антуана Ватто была недолгой: он трагически погиб в возрасте 36 лет от туберкулеза.Однако перед смертью он, как известно, создал некоторые из самых влиятельных произведений движения рококо.

Его стиль был одним из самых ярких во всей французской эпохе 18 века.

Его работа 1719 года под названием «Пьеро» является одной из его самых известных картин, поскольку на ней изображено несколько актеров, окружающих длинную фигуру, стоящую на вершине какого-то типа платформы.

Произведение имеет своеобразный характер, но содержит многие из наиболее распространенных элементов периода рококо.

8.

Джованни Баттиста Тьеполо известен с эпохи рококо как один из наиболее известных художников Италии.

Его венецианское воспитание сильно повлияло на его собственный художественный стиль, многие черты которого восходят к Высокому Возрождению.

Одной из его самых известных картин была работа 1752 года «Аллегория планет и континентов».

На этой конкретной картине представлен обильный ассортимент небесных фигур, которые представляют множество различных планет, а также континенты Земли.

Картина окружена рамкой, состоящей из множества фигур, которые можно увидеть в развевающихся одеждах и указывающих внутрь, как если бы это свидетельствовало о чувстве божественности в центре картины. Некоторые фигуры на картине представляют людей из Европы, Африки, Америки и Азии.

9.

Жан-Батист-Симеон Шарден имел особый способ рисовать сцены в довольно простой перспективе, несмотря на то, что он был частью движения рококо, которое так часто было известно экстравагантные фигуры и большие открытые сцены.

Он был одним из первых художников, которые положили начало движению рококо вскоре после того, как стиль барокко почти вымер во Франции и Европе в целом.

Многие из его самых известных работ посвящены игровой природе детей, в первую очередь его картина 1734 года под названием «Мыльные пузыри». На картине изображен ребенок, который надувает пузырь, а его друг наблюдает за ним из-за выступа.

По мнению многих искусствоведов и критиков, картина, похоже, не несет в себе какой-либо важной символики или послания, а скорее представляет собой прямолинейное произведение, подчеркивающее невинную природу детства и легкость, с которой так часто забавляют детей.

10.

Жан-Оноре Фрагонар начал развивать стиль, который был уникален во время движения рококо.

Молодой художник был известен тем, что использовал более яркие цвета, чем его коллеги, и часто создавал работы, которые явно отличались от картин в стиле рококо начала 18 века.

Он известен своей картиной 1765 года «Купальщицы», на которой изображена группа из восьми женщин, которые беззаботно принимают ванну под полуденным солнцем.

Деревья и кусты, окружающие женщин, создают ощущение границы, в то время как все тела расположены в разных позах, каждое со своими уникальными характеристиками и индивидуальностью.

Сцены купания, подобные этой, были обычным явлением в картинах в стиле рококо, и был ряд других, которые создавали сцены, в которых обнаженные фигуры были замечены купающимися в открытом бассейне или текущей реке.

Это была одна из последних картин Фрагонара, которая была выставлена ​​на всеобщее обозрение, поскольку он начал производить работы исключительно для частных клиентов в 1767 году, вскоре после того, как эта картина была закончена.

Рококо — главное искусство | TheArtStory

c. 1770

Синий мальчик

Художник: Томас Гейнсборо

На этом портрете в полный рост изображен мальчик в синих атласных бриджах до колен и камзоле с кружевным воротником, который без улыбки смотрит на зрителя. Держа в правой руке шляпу с плюмажем, а другую руку на бедре, он выражает как уверенность в себе, так и легкую чванливость. Сложенный слоями резких и тонких мазков с нежными оттенками сланца, бирюзы, кобальта, индиго и лазурита, синий становится великолепным, почти электрическим на фоне бурного и каменистого ландшафта.

Первоначально считалось, что на картине изображен Джонатан Баттолл, сын богатого торговца, но современные исследования определили, что модель, скорее всего, была ассистентом художника и племянником Гейнсборо Дюпон. Как писала искусствовед Кимберли Крисман-Кэмпбелл, эта работа «является своего рода косплеем времен Гражданской войны в Англии, популярным для маскарадных балов в 18 веке», изображая мальчика в костюме кавалера, который носили аристократические роялисты 1630-х годов. Его осанка и выражение лица также играют роль, ведь кавалеров определяла не только их стильная одежда, но и их беззаботная и беззаботная манера поведения.Таким образом, самая популярная работа Гейнсборо — tour de force , сочетающая в себе мастерскую портретную живопись с этюдом костюма и его художественный ответ на работы Антониса ван Дейка, известного своими портретами двора короля Карла I и кавалеров, которые поддержали его. Тем не менее, используя в основном синий цвет, который традиционно считался более подходящим для фоновых элементов, Гейнсборо также бросил вызов традиционным эстетическим представлениям.

Работа несет традиционную визуальную привлекательность рококо и игру с костюмированными фигурами, но Гейнсборо также добавил новаторские элементы реализма, как видно на кнопках, плотно скрепляющих дублет, и прообраз романтизма, изобразив одинокую фигуру, очерченную на фоне бурного неба.Гейнсборо стал примером британского рококо, создав светские портреты своих богатых клиентов.

Картина сразу же имела успех во время своего дебюта в 1770 году в Королевской академии художеств в Лондоне и настолько отождествилась с британской культурной идентичностью, что, когда в 1921 году герцог Вестминстерский продал ее американскому магнату Генри Хантингтону, это вызвало скандал. Немой фильм Фридриха Вильгельма Мурнау Knabe in Blau ( The Boy in Blue ) (1919) был вдохновлен картиной, как и песня Коула Портера Blue Boy Blues (1922).Поп-художник Роберт Раушенберг и современный художник Кехинде Вили были вдохновлены этой работой, а художник Алекс Израэль упомянул ее в своем автопортрете (Доджерс) (2014–2015). Представленная в Хантингтонском музее вместе с портретом девушки в розовом, Pinkie (1794) Томаса Лоуренса, эта работа приобрела дальнейшую культурную значимость, поскольку обе картины использовались в телевизионном пилотном фильме Eerie, Indiana ( 1991) и в качестве декораций в эпизодах Leave It to Beaver (1957-1963).

Холст, масло — Библиотека Хантингтона, Сан-Марино, Калифорния

Разгадка и понимание стиля искусства рококо

Известный беззаботностью своего изобразительного и декоративного искусства, стиль рококо процветал во Франции 18-го века. Художники, работающие в этой легкомысленной эстетике, опирались на пышность периода барокко, адаптируя его впечатляющую эстетику для создания столь же экстравагантных, но отчетливо игривых произведений искусства.

Движение рококо преимущественно связано с двумя видами искусства: живописью и декоративными произведениями.Здесь мы раскрываем этот уникальный стиль, чтобы понять его значение в истории искусства.

Каким был период рококо?

Стиль рококо был модным с 1730 по 1770 год. Хотя он зародился во Франции, со временем он распространился на другие части Европы, включая Великобританию, Австрию, Германию, Баварию и Россию.

Термин Rococo происходит от rocaille , — особого метода украшения фонтанов и гротов, восходящего к итальянскому ренессансу.Используя эту технику, ремесленники смешивали морские ракушки, гальку и другие органические материалы с цементом, получая кульминацию в натуралистической, вдохновленной подводным миром среде.

Вход в грот Буонталенти в садах Боболи Фото: DinoPh через Shutterstock Stock photo

Художники, работающие в стиле рококо, разделяли это увлечение водой эпохи Возрождения, что проявляется как в плавности форм, так и в использовании морских мотивов в их работах.

Рококо Арт

Живопись

Причудливая природа рокайль повлияла на живопись того периода, проявляясь в легкомысленной иконографии, внимании к декоративным деталям и обилие пастельных тонов.

Игровая тема

Многие картины в стиле рококо имеют изысканный, но веселый сюжет — подход, который популяризировал французский художник Антуан Ватто . Как отец fête galante — жанр живописи, который предпочитает садовые вечеринки, фестивали и другие мероприятия на открытом воздухе в качестве тематики — Ватто создавал причудливые сцены людей, общающихся в пасторальных пейзажах.Эти изображения, в которых часто изображены развевающиеся купидоны, греческие богини и другие мифологические персонажи, сочетают фантазию с реальностью.

Антуан Ватто, «Посадка на Киферу» (1717 г.) (Фото через Wikimedia Commons Public Domain)

В дополнение к этим декорациям под открытым небом, многие картины в стиле рококо размещены в роскошных интерьерах. Как и картины fête galante , эти произведения часто имеют забавную иконографию и мифологические мотивы.

Внимание к деталям

Картины в стиле рококо демонстрируют изысканное внимание к деталям.Вдохновленный художниками эпохи Возрождения, французский художник Франсуа Буше известен своим интересом к подчеркиванию замысловатости сцены. Его детально-ориентированный подход к живописи воплощается в невероятно богато украшенных костюмах и «искусно декоративных» небесах (Музей Гетти).

Франсуа Буше, «Ринальдо и Армида» (1734 г.) (Фото: Йоконде через Wikimedia Commons Public Domain)

Палитра пастельных цветов

В то время как картины в стиле барокко ассоциируются с глубокими цветами и эмоциональными тенями, произведения рококо характеризуются воздушной пастельной палитрой. Жан-Оноре Фрагонар запечатлел манящую беззаботность этой цветовой схемы в своей самой известной картине « Качели ». В обрамлении светло-зеленой листвы The Swing изображена женщина в бледно-розовом платье, играющая на качелях и кокетливо сбрасывающая обувь.

Жан-Оноре Фрагонар, «Качели» (1767-1768) Фото: работа только через Wikimedia Commons Public Domain)

Помимо живописи, художники также создавали предметы декоративно-прикладного искусства в стиле рококо.Эти произведения демонстрируют интерес к асимметрии и театральному подходу к изображению природы.

Асимметричные кривые

Декоративное искусство рококо часто включает в себя замысловатые асимметричные формы. Эти змеевидные силуэты по своей сути натуралистичны, но, несомненно, преувеличены и встречаются в целом ряде предметов, включая замысловатые столы и привлекательные канделябры.

Фрагмент гравюры Габриэля Хьюкье (Фото: Купер Хьюитт через Wikimedia Commons Public Domain)

Природные мотивы

Большинство этих органических, но богато украшенных дизайнов вдохновлены природой — особенно морскими ракушками, волнами и другими морскими мотивами.Однако в дополнение к этому фокусу рокайль , многие художники рококо также использовали мотивы листьев в своих работах, в том числе позолоченные, похожие на виноградную лозу украшения стен и потолка и орнаменты со стилизованными акантами листами .

Интерьер салона принцессы в Hôtel de Soubise, Париж (Фото: NonOmnisMoriar через Wikimedia Commons CC BY-SA 3.0)

Наследие

Наряду с импрессионизмом рококо считается одним из самых влиятельных французских течений в искусстве.Он известен как своими легкими и воздушными картинами, так и причудливым декоративным искусством, которые вместе демонстрируют элегантный, но кипучий вкус Франции 18-го века.

Статьи по теме:

Интервью: Сюрреалистические картины женщин, исследующих районы, затронутые изменением климата

9 известных французских художников, которых вы должны знать

Как цветы превратились в один из самых популярных предметов истории искусства

Что мы можем узнать из изысканной истории и изысканной эстетики готической архитектуры

Рококо Арт

Подобно тому, как здание Версаля связано с Людовиком XIV, самое значительное направление искусства во Франции в первой половине 18 века связано с его сыном, Людовиком XV.Термин рококо происходит от французского слова, означающего «ракушка», потому что мотив раковины гребешка распространен во внутренней отделке в стиле рококо. В то время как внутреннее убранство в стиле рококо распространилось на другие страны, особенно в Германию, стиль живописи под названием рококо является преимущественно французским явлением. Вот некоторые характерные особенности:

Все изображения с пометкой ^MAS были сфотографированы на месте Мэри Энн Салливан. Все остальные изображения были отсканированы из других источников или загружены из всемирной паутины; они размещены на этом защищенном паролем сайте только в образовательных целях в Bluffton College в соответствии с положением о добросовестном использовании закона США об авторском праве.

рококо Определение, Картины, скульптуры Художники и произведение

LnRiLWdyaWQsLnRiLWdyaWQ + LmJsb2NrLWVkaXRvci1pbm5lci1ibG9ja3M + LmJsb2NrLWVkaXRvci1ibG9jay1saXN0X19sYXlvdXR7ZGlzcGxheTpncmlkO2dyaWQtcm93LWdhcDoyNXB4O2dyaWQtY29sdW1uLWdhcDoyNXB4fS50Yi1ncmlkLWl0ZW17YmFja2dyb3VuZDojZDM4YTAzO3BhZGRpbmc6MzBweH0udGItZ3JpZC1jb2x1bW57ZmxleC13cmFwOndyYXB9LnRiLWdyaWQtY29sdW1uPip7d2lkdGg6MTAwJX0udGItZ3JpZC1jb2x1bW4udGItZ3JpZC1hbGlnbi10b3B7d2lkdGg6MTAwJTtkaXNwbGF5OmZsZXg7YWxpZ24tY29udGVudDpmbGV4LXN0YXJ0fS50Yi1ncmlkLWNvbHVtbi50Yi1ncmlkLWFsaWduLWNlbnRlcnt3aWR0aDoxMDAlO2Rpc3BsYXk6ZmxleDthbGlnbi1jb250ZW50OmNlbnRlcn0udGItZ3JpZC1jb2x1bW4udGItZ3JpZC1hbGlnbi1ib3R0b217d2lkdGg6MTAwJTtkaXNwbGF5OmZsZXg7YWxpZ24tY29udGVudDpmbGV4LWVuZh2AbWVkaWEgb25seSBzY3JlZW4gYW5kIChtYXgtd2lkdGg6IDc4MXB4KSB7IC50Yi1ncmlkLC50Yi1ncmlkPi5ibG9jay1lZGl0b3ItaW5uZXItYmxvY2tzPi5ibG9jay1lZGl0b3ItYmxvY2stbGlzdF9fbGF5b3V0e2Rpc3BsYXk6Z3JpZDtncmlkLXJvdy1nYXA6MjVweDtncmlkLWNvbHVtbi1nYXA6MjVweH0udGItZ3JpZC1pdGVte2JhY 2tncm91bmQ6I2QzOGEwMztwYWRkaW5nOjMwcHh9LnRiLWdyaWQtY29sdW1ue2ZsZXgtd3JhcDp3cmFwfS50Yi1ncmlkLWNvbHVtbj4qe3dpZHRoOjEwMCV9LnRiLWdyaWQtY29sdW1uLnRiLWdyaWQtYWxpZ24tdG9we3dpZHRoOjEwMCU7ZGlzcGxheTpmbGV4O2FsaWduLWNvbnRlbnQ6ZmxleC1zdGFydH0udGItZ3JpZC1jb2x1bW4udGItZ3JpZC1hbGlnbi1jZW50ZXJ7d2lkdGg6MTAwJTtkaXNwbGF5OmZsZXg7YWxpZ24tY29udGVudDpjZW50ZXJ9LnRiLWdyaWQtY29sdW1uLnRiLWdyaWQtYWxpZ24tYm90dG9te3dpZHRoOjEwMCU7ZGlzcGxheTpmbGV4O2FsaWduLWNvbnRlbnQ6ZmxleC1lbmR9IH0gQG1lZGlhIG9ubHkgc2NyZWVuIGFuZCAobWF4LXdpZHRoOiA1OTlweCkgeyAudGItZ3JpZCwudGItZ3JpZD4uYmxvY2stZWRpdG9yLWlubmVyLWJsb2Nrcz4uYmxvY2stZWRpdG9yLWJsb2NrLWxpc3RfX2xheW91dHtkaXNwbGF5OmdyaWQ7Z3JpZC1yb3ctZ2FwOjI1cHg7Z3JpZC1jb2x1bW4tZ2FwOjI1cHh9LnRiLWdyaWQtaXRlbXtiYWNrZ3JvdW5kOiNkMzhhMDM7cGFkZGluZzozMHB4fS50Yi1ncmlkLWNvbHVtbntmbGV4LXdyYXA6d3JhcH0udGItZ3JpZC1jb2x1bW4 + Knt3aWR0aDoxMDAlfS50Yi1ncmlkLWNvbHVtbi50Yi1ncmlkLWFsaWduLXRvcHt3aWR0aDoxMDAlO2Rpc3BsYXk6ZmxleDthbGlnbi1jb250ZW50OmZsZXgtc3RhcnR9LnRiLWdyaWQtY29sdW1uLnRiLWdyaWQtYWxpZ24tY2VudGVye3dpZHRoOjEwM CU7ZGlzcGxheTpmbGV4O2FsaWduLWNvbnRlbnQ6Y2VudGVyfS50Yi1ncmlkLWNvbHVtbi50Yi1ncmlkLWFsaWduLWJvdHRvbXt3aWR0aDoxMDAlO2Rpc3BsYXk6ZmxleDthbGlnbi1jb250ZW50OmZsZXgtZW5kfSB9IA ==

LnRiLWdyaWQsLnRiLWdyaWQ + LmJsb2NrLWVkaXRvci1pbm5lci1ibG9ja3M + LmJsb2NrLWVkaXRvci1ibG9jay1saXN0X19sYXlvdXR7ZGlzcGxheTpncmlkO2dyaWQtcm93LWdhcDoyNXB4O2dyaWQtY29sdW1uLWdhcDoyNXB4fS50Yi1ncmlkLWl0ZW17YmFja2dyb3VuZDojZDM4YTAzO3BhZGRpbmc6MzBweH0udGItZ3JpZC1jb2x1bW57ZmxleC13cmFwOndyYXB9LnRiLWdyaWQtY29sdW1uPip7d2lkdGg6MTAwJX0udGItZ3JpZC1jb2x1bW4udGItZ3JpZC1hbGlnbi10b3B7d2lkdGg6MTAwJTtkaXNwbGF5OmZsZXg7YWxpZ24tY29udGVudDpmbGV4LXN0YXJ0fS50Yi1ncmlkLWNvbHVtbi50Yi1ncmlkLWFsaWduLWNlbnRlcnt3aWR0aDoxMDAlO2Rpc3BsYXk6ZmxleDthbGlnbi1jb250ZW50OmNlbnRlcn0udGItZ3JpZC1jb2x1bW4udGItZ3JpZC1hbGlnbi1ib3R0b217d2lkdGg6MTAwJTtkaXNwbGF5OmZsZXg7YWxpZ24tY29udGVudDpmbGV4LWVuZh2AbWVkaWEgb25seSBzY3JlZW4gYW5kIChtYXgtd2lkdGg6IDc4MXB4KSB7IC50Yi1ncmlkLC50Yi1ncmlkPi5ibG9jay1lZGl0b3ItaW5uZXItYmxvY2tzPi5ibG9jay1lZGl0b3ItYmxvY2stbGlzdF9fbGF5 b3V0e2Rpc3BsYXk6Z3JpZDtncmlkLXJvdy1nYXA6MjVweDtncmlkLWNvbHVtbi1nYXA6MjVweH0udGItZ3JpZC1pdGVte2JhY2tncm91bmQ6I2QzOGEwMztwYWRkaW5nOjMwcHh9LnRiLWdyaWQtY29sdW1ue2ZsZXgtd3JhcDp3cmFwfS50Yi1ncmlkLWNvbHVtbj4qe3dpZHRoOjEwMCV9LnRiLWdyaWQtY29sdW1uLnRiLWdyaWQtYWxpZ24tdG9we3dpZHRoOjEwMCU7ZGlzcGxheTpmbGV4O2FsaWduLWNvbnRlbnQ6ZmxleC1zdGFydH0udGItZ3JpZC1jb2x1bW4udGItZ3JpZC1hbGlnbi1jZW50ZXJ7d2lkdGg6MTAwJTtkaXNwbGF5OmZsZXg7YWxpZ24tY29udGVudDpjZW50ZXJ9LnRiLWdyaWQtY29sdW1uLnRiLWdyaWQtYWxpZ24tYm90dG9te3dpZHRoOjEwMCU7ZGlzcGxheTpmbGV4O2FsaWduLWNvbnRlbnQ6ZmxleC1lbmR9IH0gQG1lZGlhIG9ubHkgc2NyZWVuIGFuZCAobWF4LXdpZHRoOiA1OTlweCkgeyAudGItZ3JpZCwudGItZ3JpZD4uYmxvY2stZWRpdG9yLWlubmVyLWJsb2Nrcz4uYmxvY2stZWRpdG9yLWJsb2NrLWxpc3RfX2xheW91dHtkaXNwbGF5OmdyaWQ7Z3JpZC1yb3ctZ2FwOjI1cHg7Z3JpZC1jb2x1bW4tZ2FwOjI1cHh9LnRiLWdyaWQtaXRlbXtiYWNrZ3JvdW5kOiNkMzhhMDM7cGFkZGluZzozMHB4fS50Yi1ncmlkLWNvbHVtbntmbGV4LXdyYXA6d3JhcH0udGItZ3JpZC1jb2x1bW4 + Knt3aWR0aDoxMDAlfS50Yi1ncmlkLWNvbHVtbi50Yi1ncmlkLWFsaWduLXRvcHt3aWR0aDoxMDAlO2Rpc3BsYXk6Zmxl eDthbGlnbi1jb250ZW50OmZsZXgtc3RhcnR9LnRiLWdyaWQtY29sdW1uLnRiLWdyaWQtYWxpZ24tY2VudGVye3dpZHRoOjEwMCU7ZGlzcGxheTpmbGV4O2FsaWduLWNvbnRlbnQ6Y2VudGVyfS50Yi1ncmlkLWNvbHVtbi50Yi1ncmlkLWFsaWduLWJvdHRvbXt3aWR0aDoxMDAlO2Rpc3BsYXk6ZmxleDthbGlnbi1jb250ZW50OmZsZXgtZW5kfSB9IA ==

1600-1700

Хотя рококо был ответом на тяжесть и величие барокко, его попытка лакомство только светлее в свое время.Более поздние движения будут смотреть на это как на богатое само по себе.

Рококо тяготеет к плавности линий, цветочным мотивам, изяществу и женственности. Французская аристократия была великими покровителями того периода по сравнению с флегматичной церковью позднего барокко. Таким образом, в стиле рококо чувствуется игривая и остроумная сущность.

В этот период был отмечен сплоченность дизайна, так что живопись была не просто картиной и комнатой, а не просто комнатой, но все элементы были разработаны вместе или, по крайней мере, с осознанием того, что элементы расположены бок о бок.Дизайн комнаты состоял из множества украшений в виде позолоченных стульев, зеркал и штукатурки, а также рисунки присутствовали на коврах и рельефах на стенах.

Цвета того периода были частично определены дизайном интерьера, в котором преобладало переплетение тонких гипсовых изгибов S и C и других гипсовых украшений в форме раковин на стенах. Некоторые из них были позолоченными, и золото обычно было самым тяжелым цветом в комнате, поскольку большинство других цветов были пастельными или светлыми по своей природе.Зеркала подчеркнули просторность помещения, а их позолоченные рамы добавили роскоши помещения.

Рококо уходит корнями в поздний барокко, когда архитекторов из Италии соблазняла церковь на север, а их работы были замечены богатыми семьями тех регионов, которые они посетили. Они поручили этим художникам и архитекторам спроектировать свои дворцы.

Когда Людовик XIV занял трон и переместил центр придворной жизни из Версаля, рококо захватил французское общество.Людовик XV будет «вечным юношей», поэтому игривый характер и утонченность стиля рококо хорошо подходят для его правления.

Стиль был распространен путем воздействия через иллюстрации французских граверов в печатных изданиях и из уст в уста. Его прием за границей был слегка насмешливым в отношении архитектуры, но дизайн его серебряных и золотых предметов был оценен по достоинству. Британия любила фарфор и текстиль того периода и внедряла некоторые принципы рококо в свои ткани и керамику.

«Представьте, что вы застряли в кресле-коляске с электроприводом, чтобы вы могли просто слегка двигать руками или вообще не двигать руками, а затем внезапно с рукой вы можете есть самостоятельно, пить самостоятельно, а не у вас дома будет сиделка, которая будет вас кормить ». — François Boucher

Изобразительное искусство в период рококо вышло за рамки внутреннего убранства, и стиль этого периода проявился в живописи и скульптуре.

Художники с любовью использовали пастель, свет и цвета, которые пробуждали более женственную и тонкую сущность, чем суровые, смелые и драматические картины периода барокко.Испытуемые были склонны к сценам веселья, прихоти, смеха и любви и иногда включали позитивных мифических существ, ангелов и херувимов. Пейзаж утратил резкость и величие в пользу спокойствия и пасторальности. Пейзажи часто включали людей.

Что касается скульптуры, то мрамор в основном оставили позади, чтобы пропустить более легкий и нежный фарфор. Фарфоровая скульптура следовала тем же предметам, что и живопись, с акцентом на счастье, легкомыслие и флирт.

«Если нужно, я бы даже низом красил». — Жан-Оноре Фрагонар

Конец рококо, когда авторы, художники и активисты указали на поверхностность аристократии и легкомыслие связанных с ней художественных стилей. Немцы считали этот период временем «косичек и париков».

На смену рококо пришел неоклассицизм, который стремился к гармонии после двух периодов избытка.

Искусство рококо Ключевые моменты:

• Рококо имеет небольшое влияние восточных источников и включает в себя его природные мотивы и асимметрию.
• Британский дизайнер мебели Томас Чиппендейл позаимствовал некоторые элементы дизайна в стиле рококо.
• Некоторые примеры произведений искусства в стиле рококо намекают на аморальность, сексуальные намеки и флирт, что полностью контрастирует с интересом предыдущей эпохи к религии в живописи.
• Посетители дворцов в стиле рококо в Италии иногда разочаровывались, заходя на величественный фасад и обнаруживая, что их собственная комната не украшена.
• Отчасти успех того периода обязан тщеславию французской аристократии того времени.Они были очень движимы модой и тенденциями мысли, литературы, искусства и особенно тщеславия.
• Мадам де Помпадур, любовница короля и авторитет во всем модном мире, была главной покровительницей искусства рококо во Франции. Для любовницы было очень необычно играть такую ​​роль, и, однажды известная, она стала ассоциироваться с этим стилем. Она заказывала свои портреты. Простые люди не были впечатлены ее расточительной тратой богатства на то, что начинало считаться декадентским, дегенеративным искусством.

Искусство рококо Лучшие работы:

• Урок любви — Жан-Антуан Ватто
• Украденный поцелуй — Жан-Оноре Фрагонар
• Диана после охоты — Франсуа Буше
• Дама в саду пьет кофе с некоторые дети — Николя Ланкре
• Туалет Венеры — Франсуа Бушерв
• Качели — Жан Оноре Фрагонар
• Посадка на Цитеру — Жан-Антуан Ватто
• Купальщицы — Жан Оноре Фрагонар

История искусства Упорядочить по периоду происхождения)

Dawn of Man — 10 до н.э.

Искусство палеолита (Dawn of Man — 10000 г. до н.э.), неолитическое искусство (8000 г. до н.э. — 500 г. н.э.), египетское искусство (3000 г. до н.э. — 100 г. н.э.), Древнее ближнее Восточное искусство (эпоха неолита — 651 г. до н.э.), искусство бронзового и железного веков (3000 г. до н.э. — дебаты), эгейское искусство (2800-100 гг. До н.э.), архаическое греческое искусство (660-480 гг. До н.э.), классическое греческое искусство (480-323 г. до н.э.) , Эллинистическое искусство (323 г. до н.э. — 27 г. до н.э.), Этрусское искусство (700 — 90 г. до н.э.)

1–10 век

Римское искусство (500 г. до н.э. — 500 г. н.э.), кельтское искусство.Парфянское и сасанидское искусство (247 г. до н.э. — 600 г. н.э.), степное искусство (9000 г. до н.э. — 100 г. н.э.), индийское искусство (3000 г. до н.э. — настоящее время), искусство Юго-Восточной Азии (2200 г. до н.э. — настоящее время), китайское и корейское искусство, японское искусство (11000 г. до н.э.) — настоящее время), раннехристианское искусство (260-525 гг. Н.э., византийское искусство (330-1453 гг.), Ирландское искусство (3300 г. до н.э. — настоящее время), англосаксонское искусство (450-1066 гг. Н.э.), искусство викингов (780-1100 гг. Н.э.), Исламское искусство (600 г. до н.э. — настоящее время)

10–15 веков

Искусство доколумбовой эпохи (13000 г. до н.э. — 1500 г. 1615 г. н.э.), Каролингское искусство (780-900 гг.), Оттоновское искусство (900-1050 гг.), Романское искусство (1000 г. — 1150 г.), готическое искусство (1100-1600 гг.), Выживание античности ()

Искусство История — XV век и позже

Стиль Возрождения (1300-1700), Северное Возрождение (1500-1615), Маньеризм (1520-17 век), Барокко (1600-1700), Рококо (1600-1700), Неоклассицизм (1720 — 1830), Роман тицизм (1790-1890), реализм (1848 — настоящее время), импрессионизм (1860 — 1895), постимпрессионизм (1886 — 1904), символизм и модерн (1880-1910), фовизм, экспрессионизм (1898-1920), кубизм .Футуризм (1907-1928) Абстрактное искусство (1907 — наши дни), Дадасим ,. Сюрреализм (1916-1970). Латиноамериканское искусство (1492 — настоящее время, современное американское искусство (1520-17 века), послевоенное европейское искусство (1945 — 1970), австралийское искусство (28000 до н.э. — настоящее время), искусство Южной Африки (98000 до н.э. — настоящее время)

Самые любимые Рассказы наших читателей

Искусство рококо (1700-1760) — ИСКУССТВО

Франсуа Буше, Фонтан любви 1748

Рококо, основанный во Франции, был декоративным стилем, который чаще всего использовался в дизайне интерьеров, живописи, архитектуре и скульптуре.Обычно это движение связано с правлением короля Людовика XV, но на самом деле оно началось в 17 веке. С ростом среднего класса и смертью Людовика XIV в это время высшее общество Парижа стало вершиной моды. Людовика XIV сменил герцог Орлеанский в 1715 году, который был известен тем, что пользовался привилегиями своего офиса, перемещая общественную жизнь из официальных дворов в салоны. Это отношение продолжилось и в следующем царствовании Людовика XV. Рококо проявился в этой новой эре мысли, когда общество отказалось от формальности прежних лет и начало стремиться к личному развлечению и счастью.Одним из первых художников в стиле рококо был Жан-Антуан Ватто, чьи работы стали олицетворять движение с его идиллическим и очаровательным подходом. Еще одним художником, представляющим период рококо, был Франсуа Буше, который создавал картины и проектировал гобелены для французской королевской семьи и знати.

Термин рококо произошел от французского слова rocaille, что означает украшение сада из камней и ракушек. Стиль обращался к чувствам, а не к интеллекту, подчеркивая красоту над глубиной.Движение изображало жизнь аристократии, предпочитая темы романтики, мифологии, фэнтези, повседневной жизни исторической или религиозной тематике. Рококо был легким, орнаментальным и сложным стилем искусства, отличавшимся элегантным и детальным орнаментом и использованием изогнутых, асимметричных форм. Другие элементы стиля включали изящные движения, игривое использование линий и нежную окраску. В нем преобладает женский вкус и влияние, яркие цвета и игривые сюжеты сделали его подходящим для внутренней отделки.Стиль рококо также использовался в портретной живописи и дизайне мебели и гобеленов

Стиль рококо иногда считается концом периода барокко и в конечном итоге был заменен неоклассицизмом во время американской и французской революций в конце восемнадцатого века.

Нравится:

Нравится Загрузка …

Говорящие объекты: Картина в стиле рококо

Рококо, также известное как «Позднее барокко», было художественным движением начала 18 века.Он был разработан, чтобы противостоять строгому симметричному дизайну, который назывался барокко. Впервые он был найден во Франции, он был разработан, чтобы произвести эффект, полностью противоположный эффекту барокко. В стиле рококо использовались светлые яркие цвета, которые делали его нежным изяществом и элегантностью. Архитектурные постройки в стиле рококо будут декорированы естественной формой ракушек типа «s» или «c», изящно вылепленной на потолке и стенах. Раскрашен в яркие, изящные и светлые тона. Вся идея движения заключалась в том, чтобы быть игривым, беззаботным, а не драматическим или эмоциональным комплексом.У них была уникальная тема элегантности, красоты, остроумной, но простой. Художники рококо использовали более изящный подход и использовали светлые цвета, кривые, цветочные, золотые и асимметричные узоры. Художники рококо, такие как сэр Джошуа Рейнольдс, использовали бы светлые пастели, цвета слоновой кости и золото, чтобы усилить ощущение открытого пространства. Картины нарисованы и написаны в нежно-меланхоличном, игривом и «вольном» стиле. Как и в стиле барокко, картины ломают четвертую стену. Зрители чувствуют себя вовлеченными в разговор. Но вместо того, чтобы чувствовать отвращение и желание отступить, зрители чувствуют себя приглашенными.Приятно присоединяться, почти как «к чаю». Он натуралистичен, но в то же время мифологичен. Художники рококо вообще любили рисовать мифологических существ из греческой и римской мифологии. Их мазки легкие, нежные и насыщенные чувственными цветами, которые производят на зрителей яркий и непринужденный эффект. Сэр Джошуа Рейнольдс, леди Смит (Шарлотта Делаваль) и ее дети (Джордж Генри, Луиза и Шарлотта), 1787, холст, масло, 55 ⅜ x 44 ⅛ дюйма (140,7 x 112,1 см) — моя картина. Как и художники рококо, он использует яркие и элегантные цвета.А пигменты, которые он использует, придают гораздо более естественный вид, глаза детей выглядят очень живыми, как будто они могут моргнуть в любую секунду. Рейнольдс смешивает свои цвета, чтобы получить цвета, близкие к точным цветовым пигментам, и играть с разными цветами, чтобы придать глубину освоенного использования тени и света. Как и у художника в стиле рококо, его предметы находятся в движении, в игровом движении, как вы видите, дети взаимодействуют. Девушка, стоящая спиной к зрителям, ломает четвертую стену.

После смерти своего прадеда, Людовика XIV, Людовик XV вступил на престол в 1715 году. Он был единственным выжившим сыном, ему было всего 5 лет. Риго допустили к написанию официального портрета Людовика XV. Всю свою карьеру он посвятил придворному портрету, писал историю и портреты. Риго нарисовал Людовика XV яркими насыщенными цветами: белые чулки, синяя бархатная мантия, усыпанная золотыми геральдическими лилиями и подбитая горностаем, а также воротник и крест Сен-Эспри.

Автопортрет с двумя учениками, Мари Габриель Капе (1761-1818) и Мари Маргерит Карро де Розмонд (умерла 1788), Аделаида Лабель-Гьяр, 1785, 53.225,5

Прерванный сон, Франсуа Буше, 1750, холст, масло, 49.7.46

Мадам Гран (Ноэль Кэтрин Форли, 1761-1835), Элизабет Луиза Виже-Лебрен, 1783, холст, масло, 50.135.2

Элизабет запечатлела подходящий момент, когда кто-то собирается рассмеяться.То, как Элизабет подчеркнула щеки и губы мадам Гранд, подчеркивает ее улыбку, забавный игривый момент. Это вызывает у зрителей улыбку. Элизабет — художница, которая показала еще один прекрасный образец стиля рококо. Платье мадам Гранд — красивое, правильной формы, белое, с голубыми лентами, украшенными ее платьем. Ее светлые волосы закрашены большой голубой лентой, а светлая кожа подчеркнута. Выбранный Элизабет цвет для кожи имеет этот тонкий оттенок, который делает кожу мягкой.А выбор цвета ее платья делает его волшебным.

Туалет Венеры, Франсуа Буше, 1751, холст, масло, 20.155.9

На этой картине изображен мифологический аспект художественного стиля рококо. На этой картине изображен лесной пейзаж, где сидит богиня в сопровождении купидона и двух других крылатых путти. У ее ног гнездится голубь, а другой — в ее руках. Богиня Венера сидит на своем «стуле», окруженная драпировкой розового, синего и белого цветов.Золото расписано на ее тесьме и кистях. Эта картина отображает самый стиль рококо среди всех других картин, потому что в ней есть все цветные элементы, а также чаша в форме раковины, жемчуг и цветы, окружающие богиню Венеру.